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CINEMA PARADISO – La librería

Estamos al comienzo del curso escolar y es también una fecha significativa para la Biblioteca. Una de las funciones más importantes de las bibliotecas es trabajar para que los ciudadanos se acerquen a los libros, los conozcan y los amen, especialmente los niños ya que ellos suponen el futuro. Pues bien, hoy quiero reseñar una película que se desarrolla en torno a los libros y que muestra el amor a los mismos y que, además, está basada en la novela La librería de Penélope Fitzgerald.

Se trata de “La Librería”, película dirigida por Isabel Coixet y protagonizada por Emily Mortimer, que hace un hermoso homenaje a la literatura, los libros y la lectura.

Narra la valentía de Florence Green, una mujer que, después de quedarse viuda, tiene un sueño que cumplir: abrir una librería, con la intención, entre otras cosas, de convertirla en un lugar de encuentros, recrear ese lugar donde ella fue feliz y descubrió el amor, volver a tener ilusiones, y contar con el reconocimiento de la clase pudiente de un pequeño pueblo.

El logro de ese sueño no será una tarea fácil, porque tendrá que enfrentarse a una sociedad poderosa, manipuladora, egoísta y descarnada en un pequeño pueblo de Inglaterra. Sin embargo, no estará sola en la aventura porque su pequeña ayudante, Christine (Honor Kneafsey), y un, a priori huraño personaje, el señor Brundish, magníficamente interpretado por Bill Nighy, están de su parte.

La Librería es una maravillosa película sobre la mezquindad de la sociedad actual o en palabras de la propia directora «de una sociedad que distingue entre exterminados y exterminadores». A pesar de ser una adaptación literaria, el personaje principal es muy característico en la filmografía de Isabel Coixet: una mujer fuerte y con coraje que lucha contra las hostilidades de su entorno. Este es uno de los grandes atractivos de La Librería, un personaje femenino que tendrá que hacer frente a la adversidad de un sistema represivo e ignorante, encabezado por una egoísta y superficial Violet Gamart (Patricia Clarkson) que no concede ningún espacio para la cultura y que, además la cuestiona simplemente por su condición de mujer reivindicativa.

La película cuenta con un elenco de actores de lujo. Es de destacar la soberbia actuación de Bill Nighy a lo largo de todo el metraje, en el que su personaje establece una intensa historia de amor con la frágil Florence donde se insinúa más de lo que se muestra. Aquí reside otro de los alicientes de La Librería, contemplar la excelente química entre Bill Nighy y Emily Mortimer. Y por último, son notorios los numerosos guiños literarios que aparecen a lo largo del film, como las escandalosas y ruidosas novelas que conmocionaron a la sociedad de los años 50, Fahrenheit 451 o Lolita, que serán utilizadas por Florence Green como estrategia de marketing para atraer lectores a su librería.

Cuenta su directora que no le fue fácil conseguir financiación para realizar ladebido a que consideraban que el final era demasiado melancólico, además de estar basada en una intensa historia de amor, poco comercial, debido a que es una relación muy contenida y poco o nada evidente. Pero tuvo a su favor a los productores que siempre estuvieron a su lado, que la apoyaron a cambio de que el final de la cinta fuera más dulce que el de la novela. Sin embargo no cedió en cuanto al tratamiento de la historia de amor porque, según sus palabras, «porque considero que la relación entre Bill y Emily es mucho más intensa cuanto más imaginemos y menos veamos». Sí que suavizó el final de la película, mucho más duro en el libro, utilizando una fórmula muy común en ella y es dar algo de esperanza y optimismo a la vida.

Una interesante película con una maravillosa fotografía llena de hermosos paisajes que nos recuerda a clásicos de los años cincuenta. Una bonita historia que envuelve un sugerente mensaje de reivindicación feminista con cierto trasfondo social además de una seductora invitación al placer de la lectura. Altamente recomendable. ¡No dejéis de verla! .

Como siempre, la encontraréis en la biblioteca DVD PE 4791

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CINEMA PARADISO – Campeones

Se acaban las vacaciones y vuelvo a la sección “Cinema Paradiso” y lo hago con la película Campeones;  una de las películas más taquilleras del cine español, si no la más taquillera, y eso no debe ser casualidad porque, no en vano ha ganado 3 premios Goya, 2 premios Forqué, un premio Feroz y cuatro nominaciones, además de otros muchos.

Si bien no es una película de 10, si es cierto que nos acerca a la realidad de los discapacitados intelectuales y lo hace sin prejuicios, con mucho humor, dejando de lado el  cierto paternalismo que suele impregnar estas cintas, para contarnos una historia de valores, de amistad y también de superación.

Dirigida por Javier Fesser y protagonizada entre otros por Javier Gutiérrez, acompañado por un nutrido número de actores con discapacidad intelectual y sin ninguna experiencia en el mundo de la interpretación; Campeones nos cuenta, sin etiquetas, el rechazo y a veces la falta de inclusión en la sociedad que a menudo sufren este tipo de personas.  La película busca crear conciencia ante esta realidad y sin duda robar un pedacito del corazón de cada uno de los espectadores.

Fesser logra abarcar la discapacidad como pocas veces se ha hecho. Utiliza para ello el humor, el buen humor en donde no te ríes de los personajes sino que te ríes con ellos. Es una película cercana y directa que te hará reír, y puede que también te haga soltar alguna lagrimilla. Una historia en donde están muy presentes temas como la amistad, el compañerismo o la superación personal. Puede que el secreto para que funcione  esté en la maestría narrativa de Fesser o el dominio interpretativo de Javier Gutiérrez pero sobre todo en la espontaneidad y frescura del grupo de actores no profesionales que han sabido captar todas las miradas y conquistar al espectador.

Creo que se trata de una película acertada y equilibrada,  que aborda una temática nada fácil de llevar al cine y que no resulta condescendiente ni excesivamente facilona. Fesser ha demostrado ser uno de los directores españoles más capacitados para el complicado arte de la comedia en el cine. Su particular sello se deja notar en esta película, una historia realista y cercana, con mucho corazón que logra romper prejuicios y que nos acerca a sus protagonistas desde el absurdo.

Javier Gutiérrez tampoco defrauda en la cinta. Si bien al principio resulta un poco antipático al espectador, poco a poco va sufriendo una profunda  transformación personal al encontrar en aquellos que rechazaba desde un principio, por considerarlos diferentes a él, a un grupo de buenos y leales amigos que le conquistarán gracias a su sinceridad, inocencia y cercanía.

El grupo de actores no profesionales que integran el reparto se enfrenta a la película con unas ganas y una ilusión que traspasa la pantalla. Su secreto es la naturalidad más absoluta, algo que no es nada sencillo lograr. Sin duda, son el alma de la película.

Campeones es una película que merece un sitio de honor dentro de la filmografía española de los últimos tiempos,  por entretener y enseñar desde el humor y la naturalidad.

Altamente recomendable para verla en familia, justo ahora que el curso escolar acaba de empezar, porque sin duda es una fuente de valores que pueden marcar a los más pequeños en su manera de enfrentarse a personas discapacitadas en la vida real.

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CINEMA PARADISO – Cegados por el sol

Llegan las vacaciones, y el verano generalmente da para mucho; ir a la playa, hacer excursiones, relajarse leyendo, ir de terracitas o simplemente no hacer nada. Pero las vacaciones son también tiempo de ir al cine o de ver el cine en casa, y qué mejor forma que ver películas  ambientadas en el dulce y cálido verano. Por eso quiero iniciar el verano  con una película sobre vacaciones; un poco particulares pero vacaciones a fin de cuentas.

Cegados por el sol es una adaptación libre de la película La piscina del año 1969, dirigida por Jacques Deray y protagonizada por Alain Delon.

La película que reseño hoy tiene todos los ingredientes para formar parte de una sección que podría llamarse “Cine para una tarde de verano”. Trata fundamentalmente de las relaciones humanas, más difíciles y complicadas si cabe en época de vacaciones, en dónde se comparte mucho tiempo y a veces aparecen roces y las cosas no salen como sería de esperar.

Una famosa estrella del rock (Tilda Swinton) decide tomarse unas vacaciones para recuperarse de una afección en las cuerdas vocales junto a su pareja, un cineasta de renombre y adicto al alcohol (Matthias Schoenaerts), en una tranquila isla del Mediterráneo. Pero la paz de la que disfrutan se ve interrumpida por la inesperada aparición en escena de un antiguo amante de ella y productor musical (Ralph Fiennes) y su joven hija (Dakota Johnson), recién descubierta, fruto de una relación esporádica y con la que aparentemente mantiene una extraña y casi incestuosa relación.

El pasado irrumpe en el presente con la calma veraniega como telón de fondo pero en general, cuando todo parece perfecto es porque una tormenta se avecina. En este caso la tormenta viene  personalizada en la figura de Harry, el antiguo amante, con una interpretación vibrante y despertando la inestabilidad.

Empiezan a explotar un montón de sentimientos reprimidos como los celos, el deseo, las ambiciones frustradas, la falta de inspiración… etc. Y salen a relucir por la presencia de Harry cuya única obsesión es volver a conquistar a su antigua amante, una intención que a pesar de ser obvia desde el principio, la genial construcción e interpretación de su personaje, junto a la calurosa acogida que le dispensa ella y las sospechas más que fundadas de su novio, crean un ambiente tenso, extraño y hasta misterioso.

Este ambiente tenso lo recrea muy bien su director Luca Guadagnino a través de planos en complicados ángulos, fotografía quemada por el sol en muchas ocasiones y un magistral juego de miradas y silencios con el que consigue acrecentar esa tensión al ritmo de las chicharras; un admirable equilibrio entre comedia, thriller y drama.

Todo el exceso de la trama va in crescendo desde la llegada de Harry hasta que termina explotando y esto se consigue gracias a las magistrales interpretaciones de sus protagonistas.

Cegados por el sol no es una película redonda y quizás su mayor debilidad es el estancamiento que se produce a mitad de la cinta pero sabe recuperarse a tiempo y vuelve a mantener la tensión. Sin embargo  hay elementos que la hacen destacar, como su dignísima puesta en  escena, su rock and roll, sus magistrales interpretaciones, su atmósfera tensa y tórrida, con el sonido de las chicharras, y los cuerpos al sol… Cine para disfrutar en verano.

Y tan fácil como pasar por la biblioteca: DVD PE 4489

 ¡FELICES VACACIONES!

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CINEMA PARADISO – La seducción

La seducción es una película dirigida por Sofía Copola y basada en la novela de Thomas Cullinan y que además supone un remake de la película original “El seductor” dirigida por Don Siegel y protagonizada por Clint Eastwood. Sin embargo, a pesar de los esfuerzos de la directora y del gran reparto con el que cuenta, entre los que destacan Collin Farrell y Nicole Kidman, la película supone una lucha de géneros que no termina de despegar en las dos terceras partes del principio, pero esto cambia en la última parte.

El planteamiento es prácticamente idéntico al de la película original, ya que ambas están basadas en la misma novela, pero Sofía Copola le ha dado su propia interpretación y lo ha hecho desde la primera secuencia, especialmente a través de los encuadres y la música. No quiere hacer una película opresiva o asfixiante sino más bien narrar una historia con cierto aire de fábula, distendida y sosegada, sin prisa. Deja que sea el espectador el que se acomode a la situación y a los personajes.

La película se desarrolla en el contexto de un drama romántico de época, con actores que cumplen con creces las expectativas del guion. Las actuaciones tanto de Nicole Kidman como de Kirsten Dunst o Collin Farrell son bastante notables, si bien, si comparamos a éste último con Clint Eastwood, pierde un poco.

La historia transcurre en torno a una escuela para señoritas en el sur de los Estados Unidos que queda aislada durante la Guerra de Sucesión y su supuesta armonía se ve quebrada por la irrupción de un soldado herido, en representación del miedo masculino a un mundo en el que mandan las mujeres. Se muestra la caricatura de un microcosmos matriarcal como un espacio endogámico y estéril que el personaje masculino intenta controlar utilizando las armas de la seducción.

El humor que impregna la primera parte de la película, se vuelve negro cuando comienza el intento de venganza, pero será Miss Martha, directora de la escuela; y también mujer que se siente atraída por el hombre, quien finalmente decide no entregarlo a los soldados sudistas después de curarle las heridas, no sabemos muy bien si movida por la caridad o por el deseo. Pero al mismo tiempo es también ella quien ejecuta la acción que lo mutila, una vez más sin que quede claro si lo hace por salvarle la vida o movida por el resentimiento.

Una película bastante correcta, especialmente si antes no se ha visto la versión que protagoniza Clint Eastwood. En su favor, diré que destaca la música y una magnífica fotografía, con una atmósfera que transmite perfectamente un brumoso bosque sureño de Virginia. Las escenas interiores de la casa son algo lúgubres resaltando más aún los personajes. La ambientación de la época, nos sumerge perfectamente en el sur de los Estados Unidos de aquellos años del siglo XIX, añadiendo un refinado y bien logrado vestuario en todos los personajes.

Y para verla solo tienes que pasar por la biblioteca. DVD PE 4732.

(Fuente: https://macguffin007.com/2017/09/18/la-seduccion-es-peor-pelicula-que-el-seductor/)

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CINEMA PARADISO – Tres anuncios en las afueras

El comienzo de la película ya es impactante en sí mismo. Una sucesión de planos muestran  tres vallas publicitarias abandonadas a la entrada de un pueblo en mitad de un paisaje de neblina, como tres fantasmas que surgieran del pasado. A priori puede parecer banal pero las vallas servirán para divulgar el recordatorio de un asesinato sin resolver.

Quizás sea uno de los largometrajes más valientes de los últimos años. Posee un guion no solo crítico con la propia sociedad estadounidense sino que además aborda temas como la pérdida, el perdón o la redención, de una manera magistral, y todo esto a través de unos  personajes un poco pasados de rosca, pero a la vez, tremendamente humanos.

Los diálogos combinan magníficamente y de una forma muy natural la tragedia y el humor y eso no es nada fácil. No parece que estén hablando personajes, sino personas, y esa es precisamente la clave de la película, el factor humano, con toda la crueldad de la que es capaz, pero que en los momentos más inesperados nos sorprende también con una enorme ternura y calidez. Las escenas más brutales están magníficamente entrelazadas con otras puramente íntimas y frágiles en las que el personaje reflexiona sobre su vida pero sin caer en la sensiblería o el drama ñoño.

La protagonista, Frances McDormand, de reconocidísima solvencia y musa de los Hermanos Cohen, ha sido muy alabada por la crítica, a mi juicio merecidamente. Quizás sea uno de sus mejores papeles desde  “Fargo”. Interpreta a un personaje duro, sin pelos en la lengua pero al mismo tiempo con un trasfondo importante  personal y familiar. Un claro ejemplo de mujer fuerte.

Sam Rockwell también está soberbio, y la evolución de su personaje quizás sea la más conmovedora de todas. Es un personaje salvaje y excéntrico, incluso rozando la dudosa capacidad intelectual,  pero al igual que con McDormand, una vez conoces su entorno y su pasado, lo ves con otros ojos.

Junto con estos dos magníficos actores, aparecen secundarios de la talla de Woody Harrelson y Peter Dinklage que aportan carisma y calidad a la película.

La banda sonora es una delicia, sin lugar a dudas, para todos los amantes del country.  Si a eso le añadimos una ambientación sureña y pueblerina, se consigue una estética autentica y fresca, muy en la línea de películas recientes como «Comanchería» o «No es país para viejos».

En resumen, estamos ante una de las mejores películas de los últimos años, con un espíritu crítico y a la vez sutil, con una temática trágica pero muy de actualidad y  con un mensaje profundo que aboga por el perdón. Estupenda apuesta para los tiempos que corren. En definitiva, una recomendación absoluta.

Y ya sabes que si quieres verla sólo tienes que pasar por la biblioteca. DVD PE 4777

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CINEMA PARADISO – Custodia compartida

El título de la película ya nos sitúa ante una realidad muy presente en nuestro tiempo. Mientras que el título oficial hace referencia a una espera “Jusq’ a la garde”, el título en español hace referencia a una realidad, a un juicio  y eso ya marca una diferencia a la hora de enfrentarse a la película.

La película empieza con una audiencia en la que la juez tendrá que decidir, después de interrogar a los padres, si su hijo debe o no pasar los fines de semana y las vacaciones con su padre; una situación bastante común por otra parte.

Pero la cosa no queda ahí. La película da a entender las dudas que tiene la juez, que son las mismas que las que tiene el espectador,  gracias a la preocupación de la cámara por situarnos ante las defensas.  Aún no sabemos nada de los padres y sin embargo ya se pueden intuir episodios traumáticos a través del arrepentimiento del padre y de la furia y pérdida de control de la madre. Pero la pista definitiva la proporciona el niño, Julien, que no quiere ver ni al padre ni a la madre. Aquí surge la pregunta de ¿son los niños vulnerables esponjas del odio mutuo entre los padres? Y ¿a menudo manifiestan o no una posición por la presencia del dolor?.

Son muchas las películas que se han hecho abordando este tema,  sin embargo Custodia compartida ase atreve a ponerlo en cuestión, desmitificándolo. En este caso la realidad es mucho más compleja que lo que se pudiera suponer.

El conflicto surge cuando la juez le otorga un voto de confianza al padre y le concede pasar los fines de semana con su hijo. Al principio se muestra como un padre bastante cariñoso pero enseguida comenzamos a ver la verdadera cara del padre, iracundo y celoso al no poder participar ni conocer la vida de Julien y de su madre cuando está con ella. La cámara nos va adentrando en un conflicto tremendamente duro a través del miedo de Julien a su padre. Ese miedo se transforma en inquietud en el espectador, fundada también en el deseo de tratar de resolver el porqué del comportamiento del padre. ¿Por qué Julien no quiere verle, por qué la madre le rehúye, le miente?

Está es una de las genialidades de Xavier Legrand; saber mantenernos en la incertidumbre, como mirando por una mirilla el conflicto, adentrándonos en los pasadizos de la inquietud y el miedo. Poco a poco inconscientemente se nos va acelerando la respiración.

El director logra de una manera excepcional elevar la tensión ante una realidad que a priori parece bastante cotidiana. Logra subvertir las técnicas del género de terror y nos hace replantearnos todo lo que hemos visto hasta el momento en la película. El espectador se hace un montón de preguntas. En un plano de la realidad sin fantasmas, sin dobles realidades, con un padre que es un monstruo, sin apenas banda sonora y sonidos que nos vayan direccionando el ritmo cardíaco sino en pleno silencio y oscuridad, Legrand construye una película de terror tremendamente inteligente, maestra y reflexiva.

Ganó en el Festival de Venecia a mejor director y mejor ópera prima y en San Sebastián el Premio del público al mejor filme europeo. Garantías suficientes para  no perdértela.

Y como siempre, sólo tienes que pasar por la biblioteca. DVD PE 4710

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CINEMA PARADISO – Ganar al viento

Magnífica, deslumbrante, tierna, divertida, emocionante, sincera, luminosa, conmovedora… Estos son sólo algunos de los adjetivos con los que la crítica describió esta película maravillosa que fue un éxito rotundo y que ha emocionado a todo aquel que la ha visto.

Ganar al viento” es una película que habla sobre la vida y su enorme capacidad para generar felicidad. Cuenta la historia de cinco niños que comparten con nosotros su vida cotidiana, sus dudas y sus alegrías. Pero estos niños tienen una particularidad, y es que han sido diagnosticados de patologías muy graves y esto los ha hecho tremendamente maduros y conscientes del momento que están viviendo; del poder del ahora. Pero lo más emocionante es que, a pesar de todo, ellos siguen siendo niños.

La guionista y directora de la película, Anne D. Julliand, periodista de profesión, vivió la amarga experiencia en primera persona y como consecuencia, además de hacer la película, ha publicado dos libros sobre el tema: “Llenaré tus días de vida” y “Un día especial”, que han sido publicados en España. Además imparte conferencias en todo el mundo hablando sobre este tema y sus experiencias.

Ella ha sido capaz de captar la inocencia y la decencia de estos seres increíbles, que realmente destacan entre los héroes de todos los días, y comparten con nosotros una lección de vida. Esta película se hizo en parte para cambiar las ideas preconcebidas sobre la vida, la infancia, la resistencia y el poder del ahora, pero sobre todo para contribuir a mejorar la calidad de vida de las familias que se enfrentan a esta situación, gracias a la labor de Juegaterapia y la Federación Española de Enfermedades Raras (FEDER).

Lejos del sentimentalismo o de la compasión mal entendida, Julliand se dio cuenta de que en esos niños enfermos había una lección de dignidad, de inocencia y de alegría que tenía que ser contada. Para ello buscó a cuatro niños y una niña con patologías difíciles y los siguió en su vida cotidiana, sus juegos, sus visitas al hospital, la escuela, los amigos, la relación con sus padres y con los médicos. Sin idealizar la dura realidad que viven, Julliand hizo que fueran ellos los que marcaran el ritmo de sus historias, manteniendo en todo momento el punto de vista de los pequeños con la cámara a la altura de sus ojos.

Julliand ha sabido mostrar la vida de estos niños como un ejemplo de superación y demostrar que, aunque estén enfermos, el viaje continúa y hay que aprovechar cada momento que este nos brinda, sin caer en el abismo de la desesperación. Por tanto, estos pequeños son un atisbo de esperanza, un espejo en el que mirarse cuando nos quejamos de los problemas del día a día y creemos que no podemos soportar más carga, pues hay personas que, a pesar de tirar de una pesada mochila, lo hacen con una sonrisa, y en el caso de los niños, sin perder la inocencia.

La crítica ha dicho sobre ella cosas tan magníficas como : “ Una película que te hace feliz”, “Una lección de vida abrumadora”, “Una oda a la Vida”, “Inusual y profundamente conmovedora”, “Lecciones reales de valor”, “Tierna y divertida, sales con una sonrisa y un ardiente deseo de abrazar la vida” y muchas más.

Ganar al viento” es una película necesaria, una lección sobre cómo afrontar los reveses de la vida de manos de cinco pequeños que desde su inocencia no serán conscientes del mensaje de fortaleza que transmiten y las enseñanzas que brindan a todo aquel que quiera asomarse a sus vidas. Altamente recomendable.

Si no te la quieres perder sólo tienes que pasar por la biblioteca DVD PE 4687

(Fuentes: https://www.fotogramas.es/peliculas-criticas/a19453381/ganar-al-viento-19453381/,  https://losinterrogantes.com/cine/criticas/documental-ganar-al-viento)

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