Archivo de la categoría: Películas y documentales

RECOLECTURAS – Feliz puente de diciembre

Bueno, estamos casi de puente, así que para este día no voy a recomendar solo un libro, además voy a recomendar una película y algo para los niños, ya que el miércoles y el viernes son festivos.

¿Qué buscamos en las vacaciones? Buscamos descansar y pasarlo bien, no sólo de cuerpo, también de mente, así que estas son mis propuestas para estos días.

Podríais pensar que este es un libro sólo para mujeres, bueno sí, es para las mujeres; pero los beneficios se verán reflejados no sólo en ellas, sino también en su entorno: sus parejas, sus hijos, sus amigas… Como bien nos dice la autora: Es un hecho: alrededor de los cuarenta años, cuando te reúnes con otras mujeres de tu edad con hijos, un tema de conversación recurrente es que estamos agotadas. El otro día leí un artículo en el diario El Mundo que aseguraba que en Inglaterra este síndrome, al que yo llamo «El síndrome de la mujer agotada», empieza a considerarse ya una epidemia. Por eso me pregunto: «¿Qué nos está pasando a las mujeres?».

En teoría, la sociedad debería contribuir a eso que llaman la «conciliación familiar», es decir, a que los padres y las madres puedan pasar tiempo suficiente con sus hijos sin dejar de atender sus responsabilidades profesionales, pero al final resulta que las mujeres acabamos haciéndonos responsables de casi todo: alimentar a la familia, cuidar a los demás cuando están enfermos, mantener la casa en orden, tener la ropa a punto, ayudar a los niños con los deberes… Y, por si eso fuera poco, no queremos ceder ni un ápice de nuestros logros en el terreno laboral porque sabemos, por la experiencia de nuestras madres y abuelas, que es fundamental ser independientes económicamente para no caer en situaciones desagradables con la pareja.

En este libro se nos propone que encontremos nuestro centro y equilibrio. A partir de sus talleres, conferencias y de su experiencia personal en la consulta del Dr. Jorge Pérez-Calvo, la autora nos facilita claves prácticas, útiles y eficaces para alimentarnos bien y cuidarnos y para que conectemos con nuestro centro tanto a nivel físico como intelectual.

Pilar Benítez nos ayuda a que observemos el mundo desde otra perspectiva y encontremos la fórmula para organizarnos mejor y disfrutemos de una vida más feliz y plena.

Bueno chicas, ¿estáis ya más descansadas o al menos vais a intentar estarlo? Pues siéntate en el sofá, tira de manta y palomitas y a disfrutar de la película que ahora te propongo.

 Como supongo que muchas de vosotras tenéis hijos, y aunque no los tengáis, sigue siendo una buenísima propuesta. Mi elección para este puente es Paddington, de Paul King.

Paddington es un oso que ha crecido en lo más profundo de la selva peruana con su tía Lucy, que le ha inculcado el deseo de vivir en Londres. Cuando un terremoto destruye su hogar, Lucy esconde a su sobrino en un barco con destino a Inglaterra para que encuentre una vida mejor. Cuando el osito llega a la estación londinense de Paddington, se da cuenta de que nada tiene que ver con lo que se había imaginado, hasta que conoce a los Brown, una bondadosa familia británica que lo acoge en su casa. Sin embargo, poco después, una siniestra y atractiva taxidermista se fija en él, lo que supone una seria amenaza para su vida.

En esta producción británica del 2014, el tan popular osito Paddington (toma el nombre de la estación en la que lo recogen su nueva familia), cobra vida. Vamos a acompañarlo a través de sus aventuras en la ciudad del Támeis,  vamos a divertirnos con él, y desearemos que nos adopte la maravillosa familia que lo toma en acogida. Con un reparto de lujo, entre quiénes se encuentran Nicole Kidman, Hugh Bonneville y Sally Hawkins, es una película altamente recomendable para ver en familia. (Por cierto, Paddintong 2 ya está en los cines, y es incluso mejor que la primera).

Bueno, ya hemos visto la película y es el momento de irnos a la cama. ¿Os ha pasado alguna vez que después de una larga jornada, y cuando es vuestro momento de paz y tranquilidad, alguno de vuestros pequeños se despierta porque no puede dormir? Estoy segura de que sí, pues algo así es lo que le ocurre a esta mamá conejo. Su hijo pequeño no puede dormir y tiene que ingeniárselas para intentar que Morfeo le visite de nuevo: le canta nanas, le prepara un baño caliente, un vaso de leche con miel, juegan para que caiga agotado… Y después de conseguirlo, ahora le toca el turno a otro de sus conejitos. ¡Pobre mamá conejo!

Este divertido cuento de Jane Johnson y con las preciosas ilustraciones de Gaby Hansen, es una buena opción para que se lo contéis a los más peques de la casa antes de que se vayan a dormir. Con un poco de suerte, quizás no se despierten en toda la noche.

Pues nada. Estas son mis propuestas para este largo puente, para quien lo tenga claro. Espero que os gusten y disfrutéis mucho. Nos vemos el próximo lunes.

 

Anuncios

Deja un comentario

Archivado bajo Libros, Películas y documentales, Recomendaciones

CINEMA PARADISO – Begin again

Hoy os traigo una película muy musical, de la mano del director de Once (una de mis películas favoritas, por cierto), John Carney. La película se llama Begin again, que podíamos traducir como empezar de nuevo, y sí, se puede decir que es una película de segundas oportunidades.

Os cuento un poco de qué va la cosa: Gretta (Keira Knightley) y Dave (Adam Levine), son una pareja enamorada a la par que compañeros compositores, que llegan a Nueva York cuando él firma un acuerdo con un importante sello discográfico. Pero su recién adquirida fama pronto tienta a Dave y deja de lado a Gretta, cuyo mundo se viene abajo. Cuando Dan (Mark Ruffalo), un ejecutivo discográfico en horas bajas, descubre a Gretta durante una actuación en los escenarios del East Village, queda cautivado al instante por su talento y le propone empezar a trabajar juntos. Una colaboración que les transformará a ambos, a la vez que compondrá la banda sonora de un maravilloso verano neoyorkino.

Bueno, os suena la historia ¿verdad? Otro tipo al que se le ha subido la fama a la cabeza y deja «tirada» a su preciosa novia. Pues sí, un poco de esto tiene, pero aunque ya nos sepamos un poco de qué va, la película funciona, y funciona por dos motivos: por un lado, por su magnífica banda sonora, y por otro, por el elenco de actores. Decir que el papel de Dave está interpretado por el cantante de la banda Maroon 5, así que el chaval prácticamente sólo tuvo que interpretarse a sí mismo. Pero si hay que destacar a algunos de los personajes, estos son los que interpretan Keira Knightley y Mark Ruffalo, Gretta y Dan en la película (quiero hacer un apunte para decir que Keira pone su voz a las canciones, y por cierto, no lo hace nada mal). La química que existe entre ellos es evidente y sobre sus actuaciones recae el peso de la película, ya que realmente podríamos decir que el argumento se centra sobre todo en la amistad que surge entre ambos, en cómo esta amistad hace de amortiguador para los duros momentos que está pasando Gretta, y al mismo tiempo es un reconstituyente para Dan, personaje en el que vemos una evolución espectacular en la película, tanto en lo profesional como en lo familiar. El camino que recorren ambos a lo largo del metraje, les hace madurar. Maravillosas también las actrices secundarias Hailee Steinfeld y Caherine Keener, que interpretan a la hija y la «ex-mujer» de Dan, respectivamente.

Como dije antes, uno de sus fuertes es la banda sonora (fue nominada a mejor canción tanto en los Oscars de 2014 como en los Critics Choice Awards). Danielle Brisebois, Nick Lashley, Rick Nowels y Nick Southwood trabajaron juntos en la elaboración de la misma, además de contar con la participación de artistas como John Carney, director de la cinta, y Glen Hansard, actor/cantautor protagonista de la celebrada Once.  La película podríamos decir que es muy similar a Once: dos apasionados de la música, chica joven y hombre maduro, que arrastran heridas, y cuyo encuentro será beneficioso para ambos, con la diferencia de que aquí los actores protagonistas son estrellas mediáticas, al contrario que en Once, dos desconocidos que prácticamente se interpretaban a ellos mismos, y el escenario pasa de Dublín a Nueva York. Observen el cartel de ambas, muy similares ¿no?

 

Es cierto que se pueden parecer, pero yo me sigo quedando con Once. Supongo que no me la esperaba, quizás nadie se la esperaba, por el enorme éxito que cosechó. Tal vez, por ser actores anónimos, la sentimos más real, más nuestra, y por supuesto, por esa banda sonora brutal (si queréis saber más sobre Once podéis pinchar aquí y leer la reseña que ya le hice  en su día).  Aunque sienta cierta debilidad por Once, esta película también me gustó mucho, rezuma frescura y naturalidad, y tiene un cierto grado de optimismo muy reconfortante (a todos nos gustan las historias que acaban bien). A esto tengo que añadir que me gustan todos los actores (bueno el cantante de Maroon 5 por el papel que tiene que interpretar, un poco menos), y todos están maravillosos. Una película muy indie, de esas que te dejan un buen sabor de boca, y que te gusta volver a ver (yo de hecho creo que la voy a ver esta noche). Así que ya sabes, una magnífica elección para estos días de lluvia.

Sigue leyendo

Deja un comentario

Archivado bajo Películas y documentales, Recomendaciones

CINEMA PARADISO – Una pastelería en Tokio

Esta semana le toca el turno al cine japonés, concretamente a una de las últimas películas de la reputada cineasta Naomi Kawase. Desde su comienzo, la película ya va desvelando las señas de identidad que presentará a lo largo de sus 113 minutos de duración: un ritmo pausado, una profunda caracterización de los personajes, un estilo narrativo casi sacado de un cuento y, sobre todo, una atmósfera muy íntima en la que es muy difícil no verse atrapado.

Mediante lo que no deja de ser una historia pequeña y simple sobre las tribulaciones de un pastelero malencarado, una sabia anciana especialista en la elaboración de pasta de alubias de la que van rellenos los Dorayaki, y una estudiante taciturna, la cineasta ha hecho con uno de los dulces más populares de la gastronomía japonesa lo que mejor se le da: señalar la profunda importancia de los aspectos más sencillos y cotidianos de la existencia; algo que conecta perfectamente con su faceta como narradora de extraordinaria sensibilidad y delicadeza  para las historias humanas.

Los Dorayaki funcionan como el elemento común que une a estos personajes de tres generaciones en una tragicomedia de cocción lenta y sabor dulzón con su puntito de amargura (esto último, una vez llegado el momento de revelar la misteriosa procedencia de la anciana,  que desde su primera aparición ya se intuye “impactante”). No obstante, pese a distraerse con imágenes recurrentes de cerezos en flor y cigarrillos en la azotea, Kawase sabe modular las dosis para no empalagar; al contrario, deja con ganas de un bocado más.

 

Esta facilidad que tiene “Una pastelería de Tokio” para hacernos entrar en su dinámica argumental tiene su razón en el respeto con el que Kawase se dirige al relato que está  basado en la novela original de Durian Sukegawa. No es demasiado lacrimógena aunque tampoco leve ni superficial. La historia está estructurada de una manera clara, sin demasiados alardes formales, algo clásica en su desarrollo pero muy lejos de resultar previsible, ya que cada escena siempre aporta algo diferente al conjunto.

Cada personaje está muy bien definido;  nada sobra y poco se echa en falta. Kawase huye de los tópicos para realzar el  oscuro pasado de los personajes y la triste realidad que les acecha; no quiere dar nada por sabido pero tampoco pretende abrumarnos con flash-backs o explicaciones innecesarias. La cineasta pretende sensibilizar a través de lo que no se ve en lugar de explicitar demasiado las reacciones de sus protagonistas, lo cual redunda en un completo éxito a la hora de que la  película sepa transmitir un torrente de emociones.

Quizás el aspecto menos satisfactorio gira en torno a Wakana, cuyo papel promete ser muy relevante conforme avanza la primera mitad de la película pero que finalmente no termina de despegar. Aunque su personalidad está trazada de un modo más que correcto, ciertos detalles que Kawase nos enseña acerca de la relación con su ¿madre? y compañeras de clase, terminan por alejarse del terreno del suave misterio para caer en un pozo, ya que da la sensación de que el carácter de la chica en las escenas finales es demasiado similar al que contemplamos en un principio. En cualquier caso, no deja de ser una cuestión menor dentro de una acertada obra.

Más deliciosa incluso que los Dorayaki, sobre los que gira la película, “ Una pastelería en Tokio” permite ser saboreada al estilo de un dulce que debe comerse muy despacio; algo necesario para saber degustar cada detalle que Kawase nos ofrece  con esta obra. Quizá aquellos que tengan un particular interés por la cultura japonesa y, en general por la vida en Japón, puedan apreciar las virtudes de la película por encima  de lo que realmente se merecería, pero como el cine muchas veces no entiende tanto de cuestiones racionales sino de la transmisión de puros sentimientos, no hay motivos de peso para rechazarlos, sobre todo cuando estamos hablando de una cineasta que sabe transmitir tantas cosas a través de su obra. Es, por tanto, una de esas películas que te hacen levantarte del asiento con una sonrisa de oreja a oreja.

Y ya sabéis, como siempre, dónde podéis encontrarla. No tenéis más que pasar por la biblioteca. DVD PE 4415

 (Fuentes: www.cinemaldito.comcinemania.elmundo.es)

Sigue leyendo

Deja un comentario

Archivado bajo Películas y documentales, Recomendaciones, Uncategorized

CINEMA PARADISO – Trumbo

El cine norteamericano tiene mucho de bueno, pero si por algo destaca es porque exporta un tipo de cine que se le da muy bien, y este es el género biográfico. No importa quién sea el protagonista o a qué se dedique; siempre saben cómo extraer la esencia del personaje y de la situación para que resulten auténticos héroes, reflejando normalmente los momentos más trascendentales de su vida.

Ejemplos los hay a cientos. Se pueden centrar en un genio trastornado como “Una mente maravillosa, en una asesina en serie como “Monster”, en un caradura con recursos como “El lobo de Wall Sreet”, un héroe de guerra como “El único superviviente”, un ama de casa luchadora como “Joy”, etc. Así mismo pueden centrarse en la vida completa de la persona o en un episodio concreto de la misma, o incluso, si el personaje da para mucho, puede llevarse a la pantalla en varias entregas.

En el caso de la película que recomiendo hoy, “Trumbo”, que lleva como subtítulo “La lista negra de Hollywood”, cuenta con el prestigio de haberse alzado con unas cuantas nominaciones a los premios más relevantes del mundo cinematográfico (Globos de Oro, Bafta y Oscar), y en su mayor parte, gracias a su protagonista, Bryan Cranston, archiconocido actor por  la serie “Breaking Bad”, y a su actriz de reparto, Hellen Mirren, que también fue nominada al Globo de Oro en su papel como la impasible periodista de prensa rosa Hedda Hopper.

Sin duda “Trumbo” merece ser reconocida no sólo por lo que cuenta, sino por cómo lo cuenta y por quién lo cuenta, tratando a través del personaje, temas tan controvertidos como el anticomunismo histérico del cine americano de los años 50. Su director Jay Roach transmite un conocimiento, un razonamiento y una inquietud tal, que consigue atrapar la curiosidad del espectador, tanto por el personaje como por la famosa “lista negra de Hollywood”.

Se trata de la adaptación de una biografía de Dalton Trumbo (guionista de películas tan conocidas como “Espartaco”, “Vacaciones en Roma” y muchas otras) que escribió Bruce Alexander Cook, contemporáneo del protagonista. El guión contemporiza perfectamente la conocida “caza de brujas” en un país como Estados Unidos, cuyo eslogan es Tierra de Libertad. Concretamente Trumbo es el elegido para conducir al espectador a través de la creación, desarrollo y liquidación de “La lista negra de Hollywood” que también sufrieran en su día personajes como Charles Chaplin y que se materializó en una denegación abierta de trabajo a todos aquellos que fueran sospechosos de llevar a cabo acciones antipatrióticas. En éste caso concreto, la justificación del libre pensamiento político hizo que Dalton Trumbo, así como muchos de sus colegas de profesión, especialmente del mundo cinematográfico, cayeran en desgracia.

Aparecen retratados grandes personajes del cine como John Wayne (David James Elliott), que fue adalid del Comité Especial de Actividades Antiestadounidenses gracias a su protagonismo en películas propagandísticas anticomunistas y antisoviéticas; Hedda Hopper (Helen Mirren) voz periodista del mismo organismo; Kirk Douglas (Dean O’Gorman), protagonista de Espartaco; Otto Preminger (Christian Berkel), director de Éxodo; así como personajes menos conocidos historicamente como Frank King (John Goodman); la hija de Donald Trumbo, Niki (Elle Fanning); su esposa Cleo (Diane Lane) pero totalmente relevantes para conocer a Donald, así como una versión reducida de “Los 10 de Hollywood” (guionistas que fueron condenados por sus actividades antiestadounidenses) materializada en el personaje ficticio Arlen Hird interpretado por Louis C.K.

Destaca de la película el equilibrio entre verdad, ficción y espectáculo. La integración de determinados episodios documentados como la declaración de Dalton ante el Comité de Actividades Antiestadounidenses de 1947, están realizados de forma inteligente y sencilla. Todo está bien encajado dentro de los sucesos conocidos, documentados a través de la prensa, entrevistas, etc. Y los más íntimos sucesos privados que conocemos a través de las declaraciones de los hijos de Trumbo y que trabajaron estrechamente junto al guionista de la película, John McNamara  para lograr retratar lo más humanamente posible a uno de los genios de Hollywood.

A nivel de interpretación, su protagonista, Bryan Cranston hace que todo sea posible. Es impresionante escuchar grabaciones del verdadero Trumbo y ver la voz con la que el señor Cranston da vida al personaje. El resto de los personajes históricos  que se cruzan con Trunbo en la película también están recreados de tal forma que nos hacen viajar en el tiempo. Además hay que destacar la gran aportación de John Goodman que interpreta a Frank King, uno de los productores más deficientes del Hollywood de la época, aunque al parecer no lo era tanto. La malignidad de Hedda Hopper( Hellen Mirren) aporta espectacularidad a la película, algo imprescindible para que el show logre llegar a todo el mundo.

Se reconoce así mismo la labor de los guionistas en el proceso creativo cinematográfico, oficio imprescindible para la industria. Se los presenta como un equipo de pirados cuyas mentes sueñan con las historias y diálogos que más tarde reproducirán los actores. Es además de la historia de un guionista, la historia de todos los guionistas.

Se trata sin duda de una biografía potente, fantástica y épica al mismo tiempo, sin alejarse demasiado de la realidad. No dejéis  de verla, y para ello sólo tenéis que pasar por la biblioteca DVD PE 4411

Sigue leyendo

Deja un comentario

Archivado bajo Películas y documentales, Recomendaciones

CINEMA PARADISO – El acorazado Potemkin

Mi recomendación de esta semana también tiene que ver con la historia, con un hecho histórico que marcó la historia de Europa y del mundo a comienzos del siglo XX. Este hecho histórico es la Revolución Rusa, de la que se conmemora ahora el centenario.

Tuvo lugar en los meses de febrero y octubre de 1917 y   condujo al derrocamiento del régimen zarista, a la instauración del régimen leninista y a la creación de la República Socialista Federativa Soviética de Rusia. En la revolución de febrero, el zar se vio obligado a abdicar y el antiguo régimen fue sustituido por un gobierno provisional. En la segunda revolución, la de octubre, el gobierno provisional fue eliminado y reemplazado por un nuevo gobierno bolchevique.

Posteriormente estalló una guerra civil en Rusia entre la facción «roja» (bolchevique) y «blanca» (antibolcheviques) —esta última contó con el apoyo de las grandes potencias—, que iba a continuar durante varios años, en la que los bolcheviques, en última instancia, salieron victoriosos. De esta manera, la Revolución abrió el camino para la creación de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS) en 1922.

La Revolución rusa fue un acontecimiento decisivo  que marcó el siglo XX,  abierto con el estallido de la Gran Guerra en 1914 y cerrado en 1991 con la disolución de la Unión Soviética. Objeto de simpatías y de inmensas esperanzas por unos (Jules Romains la describió como «la gran luz en el Este» y François Furet como «el encanto universal de octubre»), también ha sido objeto de severas críticas, de miedos y de odios viscerales. A día de hoy, sigue siendo uno de los acontecimientos más estudiados y más apasionadamente discutidos de la historia contemporánea.

Para acercarnos a esta turbulenta época que desembocó en los acontecimientos históricos que ahora se conmemoran  y que es bastante desconocida por la inmensa mayoría de la población, propongo  una película del año 1925 basada en hechos reales. Se trata de “El acorazado Potemkin” realizada por el gran Eisenstein.

En cinco actos, esta mítica película –la mejor de la Historia del Cine, según la famosa “lista” de Bruselas de 1958, confirmada en 1990– retrata los acontecimientos que se desarrollaron en Odessa del 12 al 17 de junio de 1905. Obra maestra realizada por encargo del PCUS (el cine había sido nacionalizado por Lenin en 1919), para conmemorar el 20 aniversario de la pre-Revolución rusa, centrándose en el motín del acorazado Potemkin. Sublevación que sería reprimida por la flota zarista, ejecutando a parte de la tripulación insurrecta y desguazando el célebre acorazado (este final es ocultado en la película, con fines netamente propagandísticos, al tiempo que los autores idealizan el hecho revolucionario).

El especialista Marc Ferro ha mostrado la enorme influencia del contexto en que fue realizada, destacando su gran valor testimonial. También  el británico D. J. Wenden dedicaría un libro a explicar la verdad histórica de la Revolución de 1905, que la cinta obviamente manipula. Con todo, el filme soviético vencería a todos los historiadores; pues el relato fílmico estaba tan impreso en el imaginario colectivo que el público se creyó la leyenda.

“El acorazado Potemkin” ha sido una película “maldita”. No se estrenó oficialmente en España hasta 1977. Su exhibición fue prohibida por las dos dictaduras existentes entre 1923-1930 y 1939-1975. Incluso durante la II República, se había presentado en sesiones privadas de diversos cine-clubs, a través de la distribuidora Film Popular, que pertenecía al Partido Comunista.

En la biblioteca también podéis encontrar algunos documentales en los que basarse para adentrarse en éste convulso momento de la historia. DVD DO3138; DVD DO1746 o también películas como DVD PE 3680, y por supuesto El acorazado Potemkin DVD PE 541 y DVD PE 681.

Sigue leyendo

Deja un comentario

Archivado bajo Películas y documentales, Recomendaciones

CINEMA PARADISO – Los santos inocentes

El pasado martes se cumplían años del nacimiento de uno de nuestros  mejores escritores del siglo XX. Corría el año 1920 cuando venía al mundo Miguel Delibes, escritor de altura, autor de numerosísimas obras literarias entre las que destaca “Los santos inocentes”, sobre la que se hizo en su día una magnífica adaptación al cine.

La adaptación cinematográfica fue dirigida por Mario Camus y posee un reparto excepcional. Es una película mítica del cine español, ( lo fue ya desde poco tiempo después de estrenarse); de esas que denominan una etapa del cine español (los años 80), comprometida con el pasado histórico y donde las adaptaciones literarias de grandes escritores nacionales eran comunes y muy habituales (“La casa de Bernarda Alba” del propio Mario Camus, “El bosque animado” de Jose Luis Cuerda o “Jarrapellejos” de Antonio Gimenez Rico, son  sólo algunos de los muchos ejemplos).

“Los santos inocentes” tuvo su recompensa en uno de los festivales de cine de mayor renombre, el Festival de Cannes, en donde Alfredo Landa y Paco Rabal, consiguieron la Palma de oro a mejor actor, premio ex aequo, en una ceremonia donde las palabras de agradecimiento de Paco Rabal al recoger el premio fueron “Milana bonita”. Mario Camus, también vio reconocida su labor al recibir una mención especial del jurado. No obstante es uno de esos directores literarios -y ya veteranos- que han dado fama internacional al cine español, puesto que ha ganado premios en Berlín, (consiguió El Oso de Oro por “La colmena”) Buenos Aires, Montreal y por supuesto en los premios Goya.

El director junto con los actores, especialmente Alfredo Landa y Francisco Rabal que llevan el peso de la película, componen  unos personajes míseros, ingenuos y subordinados con un cruel realismo. El “Azarías” encarnado por Rabal es un icono del cine español. Y Alfredo Landa, que  se confirmó como actor dramático en la década de los 80, (tras haber sido uno de los cómicos cinematográficos más importantes del cine de la transición, fue Garci quién le dio la oportunidad con “El crack” en el año 1981). Desde entonces encadenó una serie de títulos notables como “La vaquilla”,“Tata Mía”, “El bosque animado” o la cinta que nos ocupa.

“Los santos inocentes” se ambientan en los años 60 en el cortijo de una familia aristócrata y franquista, un universo propio donde se contrastan dos mundos muy marcados, el de los amos y el de los criados, a través de unos personajes inolvidables. Es una dura crónica rural de estos años, un periodo donde el contraste entre clases sociales es abismal y unos dominan completamente a otros sin ningún tipo de piedad o compasión, como consecuencia de la gran diferencia entre unos y otros provocada por el sistema de reparto agrario, del cual salieron claramente beneficiados nobleza y burguesía.

La familia de Paco (Landa) y Régula (Terele Pávez) es el verdadero ejemplo de la sumisión a la que se ven abocados los campesinos de estos años, un crudo retrato de pobreza, miseria e infortunio así como de la ingenuidad. Son seres que asumen su condición y no intentan discutirla, sus vidas se deben únicamente a los amos, los cuales también asumen otro estatus y lo llevan al paroxismo. El que es pobre se sabe pobre y el que es rico se sabe rico, y ambos ejercen su posición.

En “Los santos inocentes” esa miseria se hace aún más patente quizás porque está  salpicada por ciertas dosis de ternura lo que hace que el retrato sea, si cabe, más eficaz. Esa hija disminuida, a la cual deben de mantener con sus escasos recursos o Azarías un personaje entrañable y un poco especial  que consigue atrapar al espectador a base del cariño y la complicidad que emana. Son seres bondadosos machacados por la vida, en contraposición con la fortuna, la tangible y la que no lo es tanto, de los personajes que encarnan la otra cara de la moneda, los ricos y poderosos.

La película se rodó en escenarios extremeños para no  perder la fuerte carga emocional que contenía la novela original de Miguel Delibes, si bien la película está narrada a modo de flashback,  con un elegante y moderado uso de la elipsis,  introduciendo así un componente evolutivo en la historia que nos permite liberar a los hechos del paréntesis en que se enmarcan y apreciar el desarrollo de ciertos personajes, registrando sus motivaciones y el resultado de las mismas.

La maravillosa fotografía de Hans Burmann y la desgarradora música de García Abril, con los que el director ya trabajó en la también fantástica adaptación de “La colmena”,  complementan el trabajo en esta obra indispensable.

Dura, cruel, tierna, inocente e ingenua, estos son algunos de los adjetivos que se le pueden dar a “Los santos inocentes”, sin duda uno de los mejores títulos de la filmografía española de los años 80.

Cuenta la leyenda que en su presentación en Cannes, el público rompió en aplausos con su desenlace final, bendiciendo incondicionalmente a Azarías y condenando a muerte, con simbólico merecimiento, a una de las páginas más negras de nuestra historia reciente. Quede esta frase para su recuerdo.

              “¡Quiá! ¡Quiá! Yo…no quiero…que la milana me se vaya.”

Podéis encontrarla como siempre en la biblioteca. DVD PE 476

  Sigue leyendo

Deja un comentario

Archivado bajo Películas y documentales, Recomendaciones

CINEMA PARADISO – 1492. La conquista del paraíso

El 12 de octubre de 1492 tuvo lugar uno de los mayores acontecimientos de la historia de la humanidad. El descubrimiento de un nuevo continente al que se denominó América, con la llegada de una expedición capitaneada por Cristóbal Colón y financiada por los Reyes Católicos. Dicha expedición había partido del puerto de Palos dos meses y nueve días antes y después de cruzar  el Atlántico, llegó a una isla del continente americano, a lo que creían que era  la India.

Por eso ésta semana quiero recomendar una película del gran Ridley Scott que cuenta este acontecimiento histórico. La película se realizó con motivo de la celebración del Quinto Centenario del Descubrimiento de América, en el año 1991 y contó en su momento con el mayor presupuesto en una película de coproducción europea.

La película de Scott pretende una aproximación realista al descubrimiento de América, pero a pesar de su brillantez formal y a sus innegables valores de producción, repite varios de los estereotipos cinematográficos habitualmente relacionados con la conquista. Si bien, esta película, junto con la otra apuesta cinematográfica que se hizo al mismo tiempo,” Cristóbal colon. El descubrimiento”, de Jonh Glen, sirvieron para el público se interesara por un acontecimiento de tal magnitud.

El aventurero Cristóbal Colón (Gerard Depardieu), convencido de haber descubierto una nueva ruta hacia las Indias, intenta encontrar ayuda para realizar su viaje. Por desgracia, sus patrocinadores retrasan el proyecto, que finalmente llega a oídos de la reina Isabel de Castilla (Sigourney Weaver). Con el apoyo de la soberana, Colón podrá hacerse a la mar y cruzar el océano. La audacia del proyecto tendrá como recompensa el descubrimiento de un Nuevo Mundo.

A lo largo de la cinta abundan ese tipo de clichés que suelen delatar una revisión     interesada de la historia  y útil para proyectar el discurso de valores dominante. El propio Ridley Scott dijo de ella: No me esforcé en ofrecer una recreación histórica sino en dar una inteligente especulación sobre lo que realmente ocurrió y sobre cómo fue él en realidad, para que al final el público pudiera formar su propia opinión.

En la película, el relato histórico está dotado de esa atmósfera que tan bien ha caracterizado siempre las produccionesde Scoot y que  se unen aquí a la fotografía de Adrian Biddle —que repite con Scott después de ‘Thelma y Louise’ (‘Thelma & Louise’, 1991)— y el espléndido trabajo llevado a cabo por la totalidad del equipo de diseño de producción.

Se adentra en lo que va sucediendo en la mente del gran navegante, y el espectador siente que penetra en sus pensamientos, en sus emociones, en sus sueños, en sus frustraciones, lo que se logra con la excelente actuación de Gérard Depardieu. Es evidente que el actor se ha identificado con este complejo ser humano. Los ojos son el espejo del alma y en ellos se refleja con transparencia todo lo que experimenta el personaje. En varias escenas de primerísimo plano, el personaje son esos ojos soñadores, decididos, tristes, frustrados, humildes y orgullosos según la ocasión.

Hay que considerar que una vida tan compleja y tan contradictoria como la de Colón es muy difícil de presentar en un guion de cine, que por necesidad es corto y resumido. Sin embargo, Roselyne Bosch acierta capturando momentos esenciales, de manera que el espectador se mete en el personaje y lo absorbe. En cuanto al director, pone el énfasis en los pensamientos, en las emociones de Colón, más que en los aspectos históricos.

De la interpretación, llama la atención el larguísimo elenco de buenos actores que participan, destacando a Depardieu que realiza una estupenda interpretación de Cristóbal Colón, aportando carácter al personaje, que junto con su rotundo físico, se acerca mucho a la imagen que se tiene del descubridor. También son breves, pero no por ellos menos importantes los papeles de Sigourney Weaver o Fernando Rey.

Y la banda sonora de Vangelis es una maravilla. Una banda sonora poco convencional pero que es una gozada  oírla, tanto acompañando las imágenes como en solitario.

 

En definitiva se trata de una buena e interesante película que nos ayuda a recordar un acontecimiento de trascendental importancia como éste, en el que España jugó un papel importantísimo, después de más de cinco siglos. Espero que la disfrutéis. Y como siempre, sólo tenéis que acercaros a la biblioteca. DVD PE 4116

Sigue leyendo

Deja un comentario

Archivado bajo Películas y documentales, Recomendaciones