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CINEMA PARADISO – Loving

Haciendo un poco de historia, que sabéis que es lo mío, esta película nos recuerda que hubo una ley en Estados Unidos, la Racing Integrity Act de 1924, que a pesar de coincidir en el tiempo con hechos como la liberación de Mahatma Gandhi a manos de los colonos británicos o el destierro de Miguel de Unamuno por orden de Primo de Rivera, sin embargo parece que la ley  nos queda mucho más cercana.

Dicha ley formó parte del paquete de medidas segregacionistas promulgadas en Norteamérica en 1876 y que, teóricamente, duró hasta 1965. En ella se reflejaban duros castigos como el exilio coactivo y pena de cárcel para los ciudadanos que tuvieran la osadía de contraer matrimonio siendo de distinta raza. Es en este contexto, en el año 1958 en el que Richard Loving y Mildred Jeter, protagonistas de la película que reseño hoy intentan normalizar su relación frente a los radicales vecinos y, por ende, al Estado norte americano. Esto me  hace reflexionar y pienso que si en nuestros tiempos todavía recordamos este tipo de actuaciones político-legales como si hubieran sucedido ayer, es que en esencia, pocas cosas han cambiado desde entonces, de hecho, en Alabama no derogaron la ley segregacionista hasta el año 2000 y en Louisiana, incluso llegaron a aplicarla en un caso en 2009.

A pesar de todo eso, también hubo héroes humildes que lograron cambiar el rumbo de las cosas a base de sufrimiento,  clandestinidad y mucho,  mucho amor. Es el caso de los protagonistas de la película.

El director y guionista Jeff  Nichols se basa en la historia de la pareja que cambió para siempre la ley anti mestizaje en el juicio Loving versus  Virginia de 1967 y crea una película muy veraz, que pone el foco especialmente en los silencios y las miradas reprimidas de los protagonistas para explicarnos lo complicada que fue la prueba de lealtad incondicional más dura a la que se puede uno someter.

Es un drama humanista, alejado de estridencias y melodramas; un pedazo de vida que los matrimonios interraciales estadounidenses no deben perder de vista. No en vano, el caso Loving se convirtió en el Loving day, la gran fiesta interracial no oficial que se celebra el 12 de junio de cada año hace ya más de doce años. Es una gesta histórica por y para los derechos civiles guardada en la memoria de los que estuvieron allí así como de los que han crecido con ello.

Y sobre eso nos habla la película, sobre dos enamorados que hacen honor al apellido que los condena. Aquí Nichols renuncia al exceso abusando precisamente de lo contrario. Esa preocupación por no resultar excesivamente sentimental  es lo que acaba convirtiendo a la película en un relato lineal, muy bonito y necesario al mismo tiempo pero sin ese doble filo de las grandes historias. Su valor reside en abandonar toda forma de disparate excéntrico y gritón. El director ha demostrado sobradamente con ésta película que sabe manejar el drama sin homenajear a los mártires. En este caso son los personajes los que deben llevar el peso de la historia y no el narcisismo del director al plantear un retrato que bien podría haber sido un panfleto de la era post “Selma”.

Su protagonista, Ruth Negga ha sabido gestionar todo el abanico de sensibilidad que su personaje tenía que expresar, ejerciendo de contrapeso emocional a ese apocado, esquivo de mirada inquisidora, y gran trabajador de los silencios, en el que se ha convertido su partener, Joel Edgerton. Ellos son los encargados de dar fuerza y personalidad y convertir el suceso en la que  es quizás la película más bonita del año 2016 en el que se estrenó. Es la muestra de cómo un cineasta renuncia a su poder narrativo en el film para entregárselo a la  honestidad de sus personajes, acercándose al amor a  contra corriente en la convulsa Norte América de los años 50. Una película muy recomendable en cualquier circunstancia. La podéis encontrar en la bilbioteca Miguel de Cervantes DVD PE 4590

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CINEMA PARADISO – Un funeral de muerte

El mes de noviembre se caracteriza por el recuerdo y el respeto hacia nuestros difuntos y hoy quiero reseñar una película que trata el tema de la muerte de una forma muy especial, de una forma poco habitual y es con humor. Se trata de una  película del director inglés Frank Oz, del año 2007, enmarcada dentro del género de la comedia negra y que destila humor, humor inglés por los cuatro costados. He de confesar que es quizás la película con la que más me he reído. Te hace sonreír de principio a fin, sorprendiéndote con alguna que otra carcajada ante lo absurdo de ciertas situaciones;  y nada mejor para pasar una tarde de otoño. No es una obra maestra pero sí una delicia.

En ésta vida hacer llorar es fácil;  lo verdaderamente difícil es hacer reír y eso está solo al alcance de muy pocos. En ésta película se logra, y se logra gracias a un guion golfo, desenfadado, muy al modo inglés, con un humor negro que inunda la pantalla. La muerte es lo de menos. Lo de más es estar vivo y tener múltiples problemas, desde el padre dictador de la hija madura al hermano pasado y vividor preocupado por una mancha en la muñeca y que ve como sinónimo de muerte. En éste funeral la muerte es lo de menos. Lo que importa son los vivos, los que se quedan aquí afrontando sus problemas.

Es una película coral en la que cada personaje tiene su parte importante en el todo y eso es un acierto a mi modo de ver.

Romance, celos, parientes políticos, drogas psicodélicas, recelos familiares, secretos comprometedores y un insólito chantaje, transforman el digno ritual de despedida de un venerable padre de familia británico en el más completo caos con situaciones de lo más disparatadas.

Con un elenco que reúne a la flor y nata de la comedia británica, el film, ganador de los premios del público de los Festivales de Locarno, de Aspen y U.S. Arts Comedy,  indaga con traviesa curiosidad en lo que sucede cuando una familia típicamente dividida se ve obligada a reunirse, y sale a la luz todo lo que se había ocultado hasta ese momento.

En la mañana del entierro del patriarca, los familiares y allegados del difunto llegan a la ceremonia cargados con sus propias preocupaciones. Daniel (Matthew Macfadyen), uno de los hijos, sabe que tendrá que enfrentarse con su insoportable hermano, el famoso novelista Robert (Rupert Graves), recién llegado de Nueva York. Sin olvidar las promesas que le ha hecho a su mujer, Jane (Keely Hawes), de empezar una nueva vida.

Mientras tanto, Martha (Daisy Donovan), la prima de Daniel y su nuevo y muy formal novio, Simon (Alan Tudyk), están desesperados por caerle bien al altivo padre de ella. Pero el plan que se descalabra porque accidentalmente, camino al funeral, Simon toma una droga de diseño que lo transforma en un loco que experimenta rachas incontrolables de delirio y desnudez, frente a sus potenciales suegros.

Pero lo peor sucederá cuando aparezca un misterioso invitado (Peter Dinklage) quien amenaza con revelar un trascendental secreto familiar.

Joyeuses funerailles Death at a funeral 2007 Real : Frank Oz Peter Dinklage COLLECTION CHRISTOPHEL

El descontrol y los incidentes desgraciados se suceden, mientras que los dos hermanos tratan de evitar que la familia y los amigos se enteren del secreto, e intentan encontrar una fórmula que les permita, no sólo enterrar a su amado padre, sino también, con él, al secreto que tan celosamente guardó.

Con un humor ácido como no es habitual ver en la gran pantalla, “Un funeral de muerte” es una comedia de equivocaciones, en donde ni el sacerdote encargado de la ceremonia se salva de cometer alguna que otra aberración.

“Un funeral de muerte” es una apología en contra de la normalidad, de la formalidad, de las apariencias etc. cuando son utilizadas de forma inútil. Aquí son totalmente pervertidas con oscuros secretos, dobles vidas y caracteres desconocidos.

Dentro de todo este humor negro Oz reflexiona sobre los convencionalismos, el poder de las apariencias y su inutilidad, los prejuicios y cómo la defensa de lo supuestamente correcto es absurda, sobre todo cuando por su protección se acaban haciendo auténticas burradas bastante más censurables. Ideas básicas muy bien tratadas y desarrolladas que permiten pasar un rato tremendamente divertido.

Si buscas una comedia actual, con esta seguro pasarás un buen rato. Si no te ríes en algún momento seguramente tendrás una depresión grave…

En resumen, hilarante y desternillante. Una buena propuesta para una estupenda tarde de otoño. Y lo mejor de todo, como siempre es que podéis encontrarla en nuestra biblioteca DVD PE 3588.

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CINEMA PARADISO – El sueño de Gabrielle

La película de la que os hablo ésta semana fue  estrenada en el Festival de Cannes en  el año 2016 y está basada en la novela “Mal de Pierres”  de la escritora italiana Milena Agus. Está dirigida por  Nicole García y protagonizada por Marion Cotillard, Louis Garrel y Alex Brendemühl entre otros.

Cuenta la historia de una mujer que echa de menos un amor verdadero ya que se ve obligada a casarse en contra de su voluntad con  alguien de quien no está enamorada. La acción se sitúa en un pequeño pueblo de Francia, recién acabada la Segunda Guerra Mundial aunque la  novela original lo sitúa en Cerdeña.  Es la historia de Gabrielle en una época en la que soñar con el amor verdadero era considerado escandaloso, incluso un síntoma de locura; pero gracias a esa locura, ella  no abandona sus sueños y la búsqueda de ese fuerte deseo al que  llama la cosa principal.

Gabrielle es una chica guapa y bastante solitaria, con problemas para gestionar sus impulsos sexuales. Sus  padres, preocupados por la salud mental de su hija, y previendo que pueda meterse en problemas importantes, negocian un matrimonio de conveniencia con un emigrante español, albañil de oficio, llamado José (Alex Brendemühl). Durante su matrimonio, sufre un aborto y le diagnostican un problema  en el riñon. A raíz de eso, su marido la convence para buscar tratamiento a su enfermedad y se traslada una clínica en los Alpes para guardar reposo durante algunas semanas y es allí donde va a encontrar el gran amor de su vida.

Se trata de un teniente francés llamado André Sauvage que está recupernadose también de su enfermedad en la misma clínica. Alli vivirá una etapa intensa y frenética que, sin embargo será lo que de sentido a su existencia, en contraposición con la vida que vive con su marido, exenta totalmente de pasión.  Gabrielle luchará con todas sus fuerzas y todo su ser para impedir que nada ni nadie pueda arrebatarle ese amor.

Los guionistas, cuando escriben el guion, tratan de desviarse de la historia original de la novela, quizás demasiado cruda, aunque haciendo un esfuerzo para no traicionarla, pero el resultado es un poco melodramático utilizando para ello un triángulo amoroso. La película sin embargo realiza un estudio profundo de los personajes, bastante complejos .

El Sueño de Gabrielle posee un ritmo algo lento pero no por ello menos atractivo. Comienza en el final de la historia y utiliza el flashback para situarnos 17 años antes, haciendo un recorrido por la sufrida vida de Gabrielle hasta ese momento.

Marion Cotillard realiza una interpretación magistral dando vida a un personaje complicado y cuya semblanza nos recuerda a Madame Bovary, por su intento de vivir un amor apasionado del que le han privado al  imponerle un matrimonio sin amor.

Lo mejor  de la película, sin lugar a dudas, es su magnífica actuación. Cotillard lleva todo el peso de la película.  La cámara la sigue constantemente, utilizando planos cortos y sin perder nunca la más mínima expresión de su rostro, para enfatizar en la complejidad del personaje, una mujer emocionalmente volátil, que sufre de depresión además de opresión y está obsesionada con el deseo de experimentar un amor eterno.

Además hay que destacar la magnífica fotografía de Christophe Beaucarne, realizada en escenarios naturales de Aix-les-Bain en Saboya,  en los Alpes y en  la Alta Provenza. Una maravilla para la vista que nos hace sumergirnos más profundamente en la historia.

Cuenta con una gran banda sonora de Daniel Pemberton y con concierto para piano de Tchaikovsky que conecta los dos mundos de Gabrielle.

En definitiva es una película francesa, sensible, emocional y elegante que tiene una potencia narrativa enorme, y un esplendor visual muy poderoso, debido sobre todo a la fotografía y donde la complejidad de los personajes se  sostiene gracias a un elenco sobresaliente en el que brilla con luz propia la figura de Marion Cotillard a la que hemos visto crecer como actriz en cada película. No os la perdáis porque merece la pena verla. Y como siempre, podéis encontrarla en la biblioteca DVD PE 4682.

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CINEMA PARDISO – Festival de cine de San Sebastián

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN

Estamos en la época del año  de los festivales de cine por excelencia. Ya hablamos del Festival de cine de Málaga y hoy le toca el turno al Festival Internacional de Cine de San Sebastián que se está celebrando en estos momentos.

Este Festival nació el 21 de septiembre de 1953, como consecuencia de una iniciativa empresarial. Un grupo de empresarios donostiarras la excusa perfecta para alargar la temporada estival de la capital guipuzcoana. Era también la posibilidad de mostrar al mundo una imagen más amable y aperturista del régimen y no hubo dudas a la hora de apoyar el proyecto. En esa primera edición,  el Festival se denominó 1ª Semana Internacional de Cine y sólo se concedieron premios al cine español. La guerra de Dios fue galardonada como la mejor película y su director Rafael Gil obtuvo el premio al mejor director. Francisco Rabal y Julita Martínez obtuvieron, a su vez, el premio al mejor actor y a la mejor actriz respectivamente.

Tras el éxito de la propuesta al año siguiente el certamen fue presentando  como Festival Internacional de Cine obteniendo la categoría B, no competitivo. En la tercera edición, correspondiente al año 1955, se le reconoció como certamen competitivo y especializado para películas en color. Se instituyó además el premio Concha de Plata. La película que logró el galardón fue la italiana Giorni d’amore de Giuseppe de Santis. Era la primera película extranjera premiada en el festival.

Los días de esplendor del Festival

En 1957, tras un periodo de incertidumbre, el Festival estableció lazos de complicidad con el cine de Hollywood y dio un paso de gigante al lograr la categoría A, la máxima a la que puede aspirar un certamen cinematográfico. El premio oficial hasta el momento -la Concha de Plata- pasó a denominarse por primera vez Concha de Oro. La nonna Sabella de Dino Risi fue la película que tuvo el honor de adjudicarse el recién instituido galardón. En la edición de 1957, además, Giuletta Massina logró el premio a la Mejor Actriz por su maravillosa interpretación en Las noches de Cabiria de Federico Fellini. La esencia del festival donostiarra quedaba configurada; una apuesta decidida por el glamour que ejercen las estrellas del séptimo arte y el innegable encanto de una ciudad que explota al máximo la belleza de su entorno natural, la decadente elegancia de su paisaje urbano y la riqueza de su gastronomía y de su cultura popular.

La alianza con la industria americana dio sus frutos pronto. En 1958 tres mitos de Hollywood colocaron sus nombres en la historia del Festival de San Sebastián logrando distintos premios del certamen. Alfred Hitchcock presentó en la Sección Oficial una de sus obras maestras, Vertigo, aunque, incomprensiblemente, fue la película polaca Ewa chce spac, de Tadeusz Chmielewski la que logró el máximo galardón. El genio del suspense tuvo que conformarse con la Concha de Plata. James Stewart (Vertigo) y Kirk Douglas (The Vikings), mientras, obtuvieron, ex-aequo, el premio a la mejor interpretación masculina. Al año siguiente Hitchcock volvió a San Sebastián con otra obra maestra Con la muerte en los talones,  pero de nuevo se quedó a las puertas de la Concha de Oro. Historia de una monja de Fred Zinnemann fue la película que le arrebató la gloria. Audrey Hepburn logró en esa edición el premio Zulueta a la interpretación femenina por su brillante interpretación en el largometraje de Zinnemann.

Durante los sesenta y los setenta el festival siguió creciendo dejando en el camino momentos que están ya grabados con letras de oro en la Historia del Cine, con estrellas como Marlon Brando, Jack Lemmon o Lee Remick, Ava Gardner, Blake Eduards o John Huston, Elia Kazan o Coppola, Orson Wells, George Lucas,  entre muchos otros.

Entre 1980 y 1984 San Sebastián vivió un periodo de crisis. El peor, sin lugar a dudas, desde que en 1957 obtuviese la categoría A. Y es que durante estas cuatro ediciones la FIAPF retiró dicha categoría al certamen y éste se convirtió en festival no competitivo con premios no oficiales. Uno de los logros en esta dura etapa llegó en 1984 cuando una de las mejores películas del cine contemporáneo, Rumble Fish-La ley de la calle de Francis Ford Coppola participó en el certamen logrando el Gran Premio de la Crítica Internacional. Este periodo de crisis se cerró en 1985 con la obtención nuevamente de la categoría A.

También en 1986, dentro de esta política de captar estrellas para relanzar el festival, se instituyó el Premio Donostia como  homenaje a cineastas que han logrado, gracias a su talento, transformar sus carreras artísticas en mito. El primero en recibirlo fue Gregory Peck (1986).

A pesar de las dificultades, de competir con rivales poderosos en el calendario como Venecia y Cannes, el Festival de San Sebastián ha logrado consolidarse quedando como señas de identidad del mismo la capacidad de seducción de la ciudad, el glamour de las estrellas de cine fieles a la cita del certamen y la masiva asistencia de público a las proyecciones. De hecho, es difícil encontrar otro festival de categoría A con tan alta participación de público. Se ha convertido, de cara a la proyección internacional del cine del pais, en una de las imágenes más destacadas que posee España y en uno de los festivales de cine más importantes de Europa junto a los celebrados en Venecia, Cannes y Berlín.

La biblioteca pone a vuestra disposición un buen número de películas que han obtenido galardones en este festival de cine.

 

No os las podéis perder. Sólo tenéis que venir a la biblioteca.

¡¡ Feliz semana!!

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CINEMA PARADISO – La ola

Hoy reseño una película alemana de 2008, inspirada en los sucesos que tuvieron lugar en 1967.  Después de cinco días de experimento, el profesor de historia de un instituto de California, tuvo que interrumpir el proyecto al que denominó “La tercera Ola” con el que pretendía demostrar a sus alumnos la dimensión real y los peligros de la Autocracia. Con su experimento obtuvo el resultado contrario al que pretendía. En 1981, el escritor estadounidense Todd Strasser, bajo el pseudónimo Morton Rhue, publicó su libro “The Wave” en el que relató los hechos acaecidos y que más tarde, el director Dennis Gansel recuperó para hacer una película en clave de thriller y localizándolos en la Alemania actual. La película obtuvo un gran éxito en el Festival de Cine de Sundance y fue líder en taquilla en Alemania cuando se estrenó.

La trama gira alrededor de Rainer Wenger, un carismático profesor de instituto que quería dirigir un proyecto educativo en torno a la anarquía, pero otro profesor se le  adelantó, y debió conformarse con abordar en su clase la autocracia. Y lo hace relacionándolo con el surgimiento de dictaduras, el fascismo y el nazismo. Para ello,  Wenger organiza unas sesiones muy prácticas en las que presenta los elementos que explican los puntos atractivos de la autarquía: espíritu de grupo, ideales comunes, ayuda mutua, uniformes,  parafernalia exterior, etc.

Comienza así un experimento que acabará en tragedia. En apenas unos días, lo que comienza con una serie de ideas  aparentemente inocuas como la disciplina y el sentimiento de comunidad,  se va convirtiendo en un movimiento real: «La Ola». Los jóvenes se entusiasman, mejoran notablemente en autoestima e iniciativa, superan sus diferencias raciales y sociales, se implican en el diseño de lemas y logos, y hasta adoptan un uniforme común, compuesto por pantalón vaquero azul y camisa blanca. En principio todo esto parece positivo pero las críticas de varios alumnos al experimento, cuestionado también por otros profesores y por grupos anarquistas,  llevan la situación mucho más allá de lo que nadie había imaginado. A los pocos  días los alumnos comienzan a aislarse y amenazarse entre sí. Finalmente el conflicto rompe en violencia y el profesor decide acabar con el experimento, pero para entonces es demasiado tarde y «La Ola» se ha descontrolado.

La película consigue transmitir algo que da mucho miedo, y es la facilidad con la que el totalitarismo puede germinar en la sociedad, que por diversas circunstancias es carne de cañón para que resurja dicho fenómeno. En el caso de Alemania, los años 30, el caldo de cultivo que puede explicar el surgimiento del fenómeno fue el desempleo, la inflación y las consecuencias de todo esto en la población. En el caso que inspiró la película,  los jóvenes tenían una vida ejemplar, o eso al menos es lo que parece porque si ahondamos un poco  nos damos cuenta de que se sienten solos, incomprendidos, sin motivación, sin ideales por los que luchar, rodeados de gente egoísta como ellos, en definitiva, son la carne de cañón ideal para una Ola.

Tal y como vemos hoy día la sociedad, no me extrañaría que sin darnos cuenta estemos caminando hacia una sociedad autocrática en la que el recorte de nuestros derechos y libertades se irá produciendo progresivamente y sin darnos cuenta y cuando queramos reaccionar será demasiado tarde. No intento ser catastrofista pero deberíamos aprender de la historia que no es sino el testimonio de lo ocurrido y la historia nos demuestra que esto ya ha sucedido y que las circunstancias que lo provocan son de muy distinta índole pero los resultados son muy parecidos.

El fenómeno de la obediencia extrema es difícil de comprender desde el punto de vista científico. Sin embargo  hay  estudios en el campo de la psicología que han analizado el comportamiento del individuo en una situación colectiva que han arrojado resultados preocupantes. Es muy peligrosa la capacidad de fascinación que puede desprender un líder carismático, un profesor en este caso, encauzando la rebeldía de los jóvenes hacia un uso viciado de las virtudes básicas, como la  unidad, la amistad, la lealtad, el sacrificio o la confianza, cuyo atractivo sigue siendo universal. Una capacidad de fascinación que puede transformar en autocracia  hasta la más sólida de las democracias.

La manipulación de los grupos y las colectividades está a la orden del día y en este sentido la película es muy didáctica y podemos aprender mucho de ella para evitar comportamientos y actitudes que pueden desencadenar en “La Ola” a menor o mayor escala.

Podéis encontrarla en la biblioteca DVD PE 4647

 

SINOPSIS

En Alemania, durante la semana de proyectos, al profesor de instituto Rainer Wenger (Jürgen Vogel) se le ocurre hacer un experimento para explicar a sus alumnos el funcionamiento de un régimen totalitario. En apenas unos días, lo que parecía una prueba inócua basada en la disciplina y el sentimiento de comunidad va derivando hacia una situación sobre la que el profesor pierde todo control. (FILMAFFINITY)

PREMIOS

2008: Premios del Cine Europeo:Nominada a premio del público y actor (Vogel)

2008: Festival de Sundance: Sección oficial World Cinema – Drama

2008: Festival Internacional de Estambul: Premio Especial del Jurado

2007: 2 Premios del cine Alemán: 3ª mejor película y actor secundario (Lau)

 

FICHA TÉCNICA

Título original: Die Welle

Año: 2008

Duración: 110 min.

País: Alemania

Dirección: Dennis Gansel

Guion: Dennis Gansel, Peter Thorwarth (Novela: Todd Strasser)

Música: Heiko Maile

Fotografía: Torsten Breuer

Reparto: Jürgen Vogel, Frederick Lau, Jennifer Ulrich, Max Riemelt, Christiane Paul, Elyas M’Barek, Jacob Matschenz, Cristina Do Rego, Maximilian Mauff, Maximilian Vollmar, Ferdinand Schmidt-Modrow, Tim Oliver Schultz, Amelie Kiefer, Fabian Preger, Odine Johne

Productora: Constantin Film, Rat Pack Filmproduktion, Medienfonds GFP, B.A. Produktion

Género: Drama | Basado en hechos reales. Enseñanza. Colegios & Universidad. Adolescencia. Sectas. Nazismo

Fuente: filmaffinity

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CINEMA PARADISO – Ganar al viento

Magnífica, deslumbrante, tierna, divertida, emocionante, sincera, luminosa, conmovedora… Estos son sólo algunos de los adjetivos con los que la crítica describió esta maravillosa película que tuvo un éxito rotundo cucando se estrenó y que ha emocionado a todo aquel que la ha visto.

Ganar al viento” es una película que habla sobre la vida y la enorme capacidad que tiene para generar felicidad. Cuenta la historia de cinco niños que comparten con nosotros su vida cotidiana, sus dudas y sus alegrías, pero estos niños tienen una particularidad, y es que han sido diagnosticados de patologías muy graves y esto los ha hecho tremendamente maduros y conscientes del momento que están viviendo; del poder del ahora. Pero lo más emocionante es que, a pesar de todo, ellos siguen siendo niños.

La guionista y directora de la película, Anne D. Julliand, periodista de profesión, vivió la amarga experiencia en primera persona y como consecuencia, además de hacer la película, ha publicado dos libros sobre el tema: “Llenaré tus días de vida” y “Un día especial”, que han sido publicados en España. Además imparte conferencias en todo el mundo hablando sobre éste tema y sus experiencias.

Ella ha sido capaz de captar la inocencia y la decencia de estos seres increíbles, que realmente destacan entre los héroes de todos los días, y comparten con nosotros una lección de vida. Esta película la hizo, en parte para cambiar las ideas preconcebidas sobre la vida, la infancia, la resistencia y el poder del ahora, pero sobre todo para contribuir a mejorar la calidad de vida de las familias que se enfrentan a esta situación, gracias a la labor de Juegaterapia y la Federación Española de Enfermedades Raras (FEDER).

Lejos del sentimentalismo o de la compasión mal entendida, Julliand se dio cuenta de que en esos niños enfermos había una lección de dignidad, de inocencia y de alegría que tenía que ser contada. Para ello buscó a cuatro niños y una niña con patologías difíciles y los siguió en su vida cotidiana, sus juegos, sus visitas al hospital, la escuela, los amigos, la relación con sus padres y con los médicos. Sin idealizar la dura realidad que viven, Julliand hizo que fueran ellos los que marcaran el ritmo de sus historias, manteniendo en todo momento el punto de vista de los pequeños con la cámara a la altura de sus ojos.

Julliand ha sabido mostrar la vida de estos niños como un ejemplo de superación y demostrar que, aunque estén enfermos, el viaje continúa y hay que aprovechar cada momento que este nos brinda, sin caer en el abismo de la desesperación. Por tanto, estos pequeños son un atisbo de esperanza, un espejo en el que mirarse cuando nos quejamos de los problemas del día a día y creemos que no podemos soportar más carga, pues hay personas que, a pesar de tirar de una pesada mochila, lo hacen con una sonrisa, y en el caso de los niños, sin perder la inocencia.

La crítica ha dicho sobre ella cosas tan magníficas como : “ Una película que te hace feliz”, “Una lección de vida abrumadora”, “Una oda a la Vida”, “Inusual y profundamente conmovedora”, “Lecciones reales de valor”, “Tierna y divertida, sales con una sonrisa y un ardiente deseo de abrazar la vida” y muchas más.

Ganar al viento” es una película necesaria, una lección sobre cómo afrontar los reveses de la vida de manos de cinco pequeños que desde su inocencia no serán conscientes del mensaje de fortaleza que transmiten y las enseñanzas que brindan a todo aquel que quiera asomarse a sus vidas. Altamente recomendable.

Si no te la quieres perder sólo tienes que pasar por la biblioteca DVD PE 4687

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RECOLECTURAS – Vive Fuengirola Con Amor

Desde el pasado día 7 y hasta el próximo 16 de febrero, se van a celebrar en nuestra ciudad multitud de actividades dentro del marco de la primera edición de Vive Fuengirola Con Amor, para conmemorar el día de San Valentín  el próximo 14 de febrero.

Entre las más de sesenta actividades previstas, las bibliotecas municipales se unen con una selección de las mejores novelas y películas de amor que ha dado la literatura y el séptimo arte. Dicha selección la podéis encontrar en nuestras Mesas temáticas.

Entre ellas grandes clásicos de la literatura universal como Anna Karenina, Doctor Zhivago, Madame Bovary, Orgullo y prejuicio, Emma, Cumbres borrascosas, Jane Eyre, Romeo y Julieta, La Celestina, El amor en los tiempos del cólera, Como agua para chocolate, La edad de la inocencia, El amante… Novelas juveniles como la saga Crepúsculo, los libros de Federico Moccia, los de John Green… Grandes películas para visionarlas con una cajita de pañuelos de papel: Memorias de África, Love Story, Los puentes de Madison, Titanic, Algo para recordar, Expiación, El amor es extraño, Call me by your name, La gran enfermedad del amor, Maudie… Libros que hablan de amor desde la perspectiva psicológica, como El arte de amar de Erich Fromm o Ya te dije adiós, ahora como te olvido de Walter Riso.

Porque el amor y todo lo que conlleva: deseo, pasión, celos, desamor…, es un sentimiento universal, el más tratado en las artes, y que ahora desde las bibliotecas os queremos mostrar con esta selección.

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CINEMA PARADISO – La librería

Estamos al comienzo del curso escolar y es también una fecha significativa para la Biblioteca. Una de las funciones más importantes de las bibliotecas es trabajar para que los ciudadanos se acerquen a los libros, los conozcan y los amen, especialmente los niños ya que ellos suponen el futuro. Pues bien, hoy quiero reseñar una película que se desarrolla en torno a los libros y que muestra el amor a los mismos y que, además, está basada en la novela La librería de Penélope Fitzgerald.

Se trata de “La Librería”, película dirigida por Isabel Coixet y protagonizada por Emily Mortimer, que hace un hermoso homenaje a la literatura, los libros y la lectura.

Narra la valentía de Florence Green, una mujer que, después de quedarse viuda, tiene un sueño que cumplir: abrir una librería, con la intención, entre otras cosas, de convertirla en un lugar de encuentros, recrear ese lugar donde ella fue feliz y descubrió el amor, volver a tener ilusiones, y contar con el reconocimiento de la clase pudiente de un pequeño pueblo.

El logro de ese sueño no será una tarea fácil, porque tendrá que enfrentarse a una sociedad poderosa, manipuladora, egoísta y descarnada en un pequeño pueblo de Inglaterra. Sin embargo, no estará sola en la aventura porque su pequeña ayudante, Christine (Honor Kneafsey), y un, a priori huraño personaje, el señor Brundish, magníficamente interpretado por Bill Nighy, están de su parte.

La Librería es una maravillosa película sobre la mezquindad de la sociedad actual o en palabras de la propia directora «de una sociedad que distingue entre exterminados y exterminadores». A pesar de ser una adaptación literaria, el personaje principal es muy característico en la filmografía de Isabel Coixet: una mujer fuerte y con coraje que lucha contra las hostilidades de su entorno. Este es uno de los grandes atractivos de La Librería, un personaje femenino que tendrá que hacer frente a la adversidad de un sistema represivo e ignorante, encabezado por una egoísta y superficial Violet Gamart (Patricia Clarkson) que no concede ningún espacio para la cultura y que, además la cuestiona simplemente por su condición de mujer reivindicativa.

La película cuenta con un elenco de actores de lujo. Es de destacar la soberbia actuación de Bill Nighy a lo largo de todo el metraje, en el que su personaje establece una intensa historia de amor con la frágil Florence donde se insinúa más de lo que se muestra. Aquí reside otro de los alicientes de La Librería, contemplar la excelente química entre Bill Nighy y Emily Mortimer. Y por último, son notorios los numerosos guiños literarios que aparecen a lo largo del film, como las escandalosas y ruidosas novelas que conmocionaron a la sociedad de los años 50, Fahrenheit 451 o Lolita, que serán utilizadas por Florence Green como estrategia de marketing para atraer lectores a su librería.

Cuenta su directora que no le fue fácil conseguir financiación para realizar ladebido a que consideraban que el final era demasiado melancólico, además de estar basada en una intensa historia de amor, poco comercial, debido a que es una relación muy contenida y poco o nada evidente. Pero tuvo a su favor a los productores que siempre estuvieron a su lado, que la apoyaron a cambio de que el final de la cinta fuera más dulce que el de la novela. Sin embargo no cedió en cuanto al tratamiento de la historia de amor porque, según sus palabras, «porque considero que la relación entre Bill y Emily es mucho más intensa cuanto más imaginemos y menos veamos». Sí que suavizó el final de la película, mucho más duro en el libro, utilizando una fórmula muy común en ella y es dar algo de esperanza y optimismo a la vida.

Una interesante película con una maravillosa fotografía llena de hermosos paisajes que nos recuerda a clásicos de los años cincuenta. Una bonita historia que envuelve un sugerente mensaje de reivindicación feminista con cierto trasfondo social además de una seductora invitación al placer de la lectura. Altamente recomendable. ¡No dejéis de verla! .

Como siempre, la encontraréis en la biblioteca DVD PE 4791

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CINEMA PARADISO – Campeones

Se acaban las vacaciones y vuelvo a la sección “Cinema Paradiso” y lo hago con la película Campeones;  una de las películas más taquilleras del cine español, si no la más taquillera, y eso no debe ser casualidad porque, no en vano ha ganado 3 premios Goya, 2 premios Forqué, un premio Feroz y cuatro nominaciones, además de otros muchos.

Si bien no es una película de 10, si es cierto que nos acerca a la realidad de los discapacitados intelectuales y lo hace sin prejuicios, con mucho humor, dejando de lado el  cierto paternalismo que suele impregnar estas cintas, para contarnos una historia de valores, de amistad y también de superación.

Dirigida por Javier Fesser y protagonizada entre otros por Javier Gutiérrez, acompañado por un nutrido número de actores con discapacidad intelectual y sin ninguna experiencia en el mundo de la interpretación; Campeones nos cuenta, sin etiquetas, el rechazo y a veces la falta de inclusión en la sociedad que a menudo sufren este tipo de personas.  La película busca crear conciencia ante esta realidad y sin duda robar un pedacito del corazón de cada uno de los espectadores.

Fesser logra abarcar la discapacidad como pocas veces se ha hecho. Utiliza para ello el humor, el buen humor en donde no te ríes de los personajes sino que te ríes con ellos. Es una película cercana y directa que te hará reír, y puede que también te haga soltar alguna lagrimilla. Una historia en donde están muy presentes temas como la amistad, el compañerismo o la superación personal. Puede que el secreto para que funcione  esté en la maestría narrativa de Fesser o el dominio interpretativo de Javier Gutiérrez pero sobre todo en la espontaneidad y frescura del grupo de actores no profesionales que han sabido captar todas las miradas y conquistar al espectador.

Creo que se trata de una película acertada y equilibrada,  que aborda una temática nada fácil de llevar al cine y que no resulta condescendiente ni excesivamente facilona. Fesser ha demostrado ser uno de los directores españoles más capacitados para el complicado arte de la comedia en el cine. Su particular sello se deja notar en esta película, una historia realista y cercana, con mucho corazón que logra romper prejuicios y que nos acerca a sus protagonistas desde el absurdo.

Javier Gutiérrez tampoco defrauda en la cinta. Si bien al principio resulta un poco antipático al espectador, poco a poco va sufriendo una profunda  transformación personal al encontrar en aquellos que rechazaba desde un principio, por considerarlos diferentes a él, a un grupo de buenos y leales amigos que le conquistarán gracias a su sinceridad, inocencia y cercanía.

El grupo de actores no profesionales que integran el reparto se enfrenta a la película con unas ganas y una ilusión que traspasa la pantalla. Su secreto es la naturalidad más absoluta, algo que no es nada sencillo lograr. Sin duda, son el alma de la película.

Campeones es una película que merece un sitio de honor dentro de la filmografía española de los últimos tiempos,  por entretener y enseñar desde el humor y la naturalidad.

Altamente recomendable para verla en familia, justo ahora que el curso escolar acaba de empezar, porque sin duda es una fuente de valores que pueden marcar a los más pequeños en su manera de enfrentarse a personas discapacitadas en la vida real.

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CINEMA PARADISO – Cegados por el sol

Llegan las vacaciones, y el verano generalmente da para mucho; ir a la playa, hacer excursiones, relajarse leyendo, ir de terracitas o simplemente no hacer nada. Pero las vacaciones son también tiempo de ir al cine o de ver el cine en casa, y qué mejor forma que ver películas  ambientadas en el dulce y cálido verano. Por eso quiero iniciar el verano  con una película sobre vacaciones; un poco particulares pero vacaciones a fin de cuentas.

Cegados por el sol es una adaptación libre de la película La piscina del año 1969, dirigida por Jacques Deray y protagonizada por Alain Delon.

La película que reseño hoy tiene todos los ingredientes para formar parte de una sección que podría llamarse “Cine para una tarde de verano”. Trata fundamentalmente de las relaciones humanas, más difíciles y complicadas si cabe en época de vacaciones, en dónde se comparte mucho tiempo y a veces aparecen roces y las cosas no salen como sería de esperar.

Una famosa estrella del rock (Tilda Swinton) decide tomarse unas vacaciones para recuperarse de una afección en las cuerdas vocales junto a su pareja, un cineasta de renombre y adicto al alcohol (Matthias Schoenaerts), en una tranquila isla del Mediterráneo. Pero la paz de la que disfrutan se ve interrumpida por la inesperada aparición en escena de un antiguo amante de ella y productor musical (Ralph Fiennes) y su joven hija (Dakota Johnson), recién descubierta, fruto de una relación esporádica y con la que aparentemente mantiene una extraña y casi incestuosa relación.

El pasado irrumpe en el presente con la calma veraniega como telón de fondo pero en general, cuando todo parece perfecto es porque una tormenta se avecina. En este caso la tormenta viene  personalizada en la figura de Harry, el antiguo amante, con una interpretación vibrante y despertando la inestabilidad.

Empiezan a explotar un montón de sentimientos reprimidos como los celos, el deseo, las ambiciones frustradas, la falta de inspiración… etc. Y salen a relucir por la presencia de Harry cuya única obsesión es volver a conquistar a su antigua amante, una intención que a pesar de ser obvia desde el principio, la genial construcción e interpretación de su personaje, junto a la calurosa acogida que le dispensa ella y las sospechas más que fundadas de su novio, crean un ambiente tenso, extraño y hasta misterioso.

Este ambiente tenso lo recrea muy bien su director Luca Guadagnino a través de planos en complicados ángulos, fotografía quemada por el sol en muchas ocasiones y un magistral juego de miradas y silencios con el que consigue acrecentar esa tensión al ritmo de las chicharras; un admirable equilibrio entre comedia, thriller y drama.

Todo el exceso de la trama va in crescendo desde la llegada de Harry hasta que termina explotando y esto se consigue gracias a las magistrales interpretaciones de sus protagonistas.

Cegados por el sol no es una película redonda y quizás su mayor debilidad es el estancamiento que se produce a mitad de la cinta pero sabe recuperarse a tiempo y vuelve a mantener la tensión. Sin embargo  hay elementos que la hacen destacar, como su dignísima puesta en  escena, su rock and roll, sus magistrales interpretaciones, su atmósfera tensa y tórrida, con el sonido de las chicharras, y los cuerpos al sol… Cine para disfrutar en verano.

Y tan fácil como pasar por la biblioteca: DVD PE 4489

 ¡FELICES VACACIONES!

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