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CINEMA PARADISO – La entrega

Esta semana quiero recomendar una película un poco especial, se trata de “La entrega”, último trabajo y estreno póstumo, del gran James Gandolfini.

“La entrega” es un drama criminal que cuenta con un guión de Dennis Lehane, (autor así mismo de las novelas Suther Island o Mystic River y guionista de series tan prestigiosas como Boardwalk Empire o The Wire), basado en su relato corto “Animal Rescue”. Está dirigida por el belga Michael R. Roskam. Tom Hardy y Noomi Rapace forman junto a James Gandolfini  el trío principal de actores. Este último falleció antes de estrenar la película, por lo que también nos permite despedirnos del gran actor en cuya carrera ha destacado un papel recurrente,  el de mafioso que le iba como anillo al dedo.

La película nos muestra cómo el crimen organizado se vale de los bares de Brooklyn para actuar como intercambiadores para el blanqueo de dinero. No son lugares especiales sino cotidianos, a la vista de todos, en donde se reúnen los parroquianos para ver el fútbol o tomarse una copa a la salud de los que ya no están.

El punto de inflexión en la historia se produce cuando Bob Saginowski, al que interpreta Tom Hardy, un solitario barman que se gana la vida junto a su primo Marv (James Gandolfini), descubre un cachorro de pitbull maltratado en la basura y lo salva de una muerte segura, entrando así en contacto con Nadia (Noomi Rapace), que es una misteriosa mujer marcada por el pasado. Sin embargo descubre que el perro ya tiene dueño, un hombre desequilibrado y peligroso que ha estado en prisión y quien viene para reclamar lo que dice que es suyo.

El primer plano de la película es el puente de Brooklyn reflejado en el agua y bien podemos decir que esa misma imagen invertida es la que vamos descubriendo a medida que avanza la trama puesto que nada es lo que parece, y Roskam nos traslada ese mismo sentimiento mostrándonos en varias ocasiones giros de cámara que nos hacen recorrer 180 grados.

No se trata de un thriller de ritmo acelerado como el cine al que estamos acostumbrados últimamente. El director nos presenta la normalidad de un mundo que aparece como cotidiano gracias a sus correctísimos planos y a su acertado ritmo, no muy rápido precisamente para que no se escape la sensación de normalidad, y no muy lento para no desesperar a los espectadores más inquietos. Mientras que Lehane aporta una historia en la que una acción simple como es el rescate de un cachorro maltratado y tirado a un cubo de basura, aparece como el mayor conflicto al que se ha enfrentado Bob, el camarero que parece algo corto de entendimiento.

“La entrega” no es una película típica. En   ella, la trama se toma su tiempo para arrancar y llevarnos a situaciones límite hacia el final  a través de un crescendo de la tensión narrativa hasta llegar al clímax de la cinta, momento en el que los personajes se quitan las caretas como si de un baile de máscaras se tratara.

En definitiva, ‘La entrega’ es un thriller que prefiere construir la tensión a partir de las relaciones entre sus personajes, tomándoselo todo con calma, pero sin por ello sabotear una adecuada evolución de la historia. Y si algo hay que destacar es la calidad y la brillantez en la interpretación de sus protagonistas. Absolutamente recomendable. Y como siempre la podéis encontrar en la biblioteca DVD PE 4256.

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CINEMA PARADISO – La familia Bélier

Esta semana vuelve el cine francés, que como muchos ya sabéis, es otra de mis pasiones. Se trata de “La familia Bélier”, que fue número uno en Francia en su estreno, durante tres semanas, con más de siete millones de espectadores, y esto ya nos dice mucho de ella.

Es la sexta película del director francés Eric Lartigau y es la primera de este director que tiene éxito en nuestro país. La música está muy presente en la película a través de la maravillosa voz de la chica protagonista Louane Emera, producto del televisivo programa “La Voz” y que ya vuela en solitario en el mundo de la música y despunta así mismo en el mundo de la interpretación.

La banda sonora contiene varios temas de Michel Sardou y encaja perfectamente con la película, como si hubiesen sido encargados para tal propósito.

Realizar una película cuyos protagonistas son cuatro miembros de una familia de la que tres son sordos, no es tarea fácil, sobre todo porque en principio, el mecanismo parece completamente alejado de la esencia del lenguaje cinematográfico actual y “La familia Bélier” está repleta de diálogos, por lo tanto, o la imagen se llena de subtítulos que traducen al espectador el lenguaje de los sordos, o bien se repiten las frases por parte de los roles sin dificultades en su capacidad auditiva y vocal para traducir, con lo que la acción se ralentiza. Esto Lartigau lo soluciona con sencillez, simpatía, naturalidad humor e incluso humanismo, a través de unos magníficos intérpretes que hacen suyos unos personajes adorables tanto en sus virtudes como en sus defectos.

Se trata de una comedia de la campiña francesa. En uno de esos pueblecitos en dónde todo el mundo se conoce, la familia Bélier es víctima de un conflicto principal fascinante: el hecho de que la hija adolescente, que es la única que puede oir y hablar, resulta ser una superdotada para el canto, talento que su familia no puede ni entender ni admirar. Con estos ingredientes se produce una mezcla de originalidad y valentía que sobresale por encima de su puesta en escena.

El sentimiento verdadero que muestra toda la familia, el humor que sabe aportar el director y la emotividad constante sirven en bandeja una comedia que tiene de todo, pero fundamentalmente, una gran belleza interna.

Y como siempre la podéis encontrar en la biblioteca DVD PE 4266

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CINEMA PARADISO – El sueño de Ellis

La isla de Ellis, también llamada “la puerta del paraíso” es una isla situada junto a la Estatua de la Libertad en Nueva York, por la que millones de inmigrantes pasaban antes de iniciar una nueva vida en Estados Unidos, que no siempre fue mejor que la que dejaron en Europa. Movidos, unos por la aventura, otros por no pasar hambre…, todos compartían el mismo objetivo, tener más calidad de vida y un futuro para ellos y sus familias.

Apenas una hectárea de tierra fue la puerta del sueño americano de aproximadamente doce millones de europeos entre 1892 y 1954 y que ya en 1890 se había convertido  en el Centro Federal de Inmigración, el gran filtro para el flujo migratorio transatlántico.

A principios del siglo XX, los emigrantes comenzaron a ser un negocio para las grandes compañías navieras que entraron en una competencia feroz por reducir el precio del pasaje. En 1904 el pasaje de tercera clase costaba sólo 10 dólares, por lo que viajar a América estuvo al alcance de los más pobres, aunque hubiera que sumarle dos dólares de “derechos de entrada”. Cientos de familias no dudaron en aventurarse a pesar de tener que vivir hacinados durante más de una semana de viaje en la cubierta y bodegas de los buques.

Aunque la Estatua de la Libertad era lo primero que veían los  inmigrantes, el trato a los viajeros de tercera clase dejaba mucho que desear. Colas de entre tres y cinco horas esperando la carta de admisión a una nueva vida que solo se concedía si se superaban los exámenes médicos, además de…”no ser un delincuente convicto ni retrasado mental, ni anarquista, ni epiléptico, ni promiscuo, ni mujer de mala reputación”.  En 1917 se impuso un nuevo filtro, había que saber leer y escribir. Y aun así, tanta restricción no pudo evitar la entrada masiva de inmigrantes de los que sólo uno de cada cien tomó el barco de vuelta. Estos inmigrantes contribuyeron en gran medida a la construcción de los Estados Unidos durante los siglos XIX y XX.

La película que recomiendo ésta semana, “La isla de Ellis” trata un tema de máxima actualidad en el mundo, de la mano de las medidas que la era TRUMP está imponiendo en el asunto de la inmigración en Estados Unidos. Narra la historia de algunos de estos inmigrantes de finales del siglo XIX y principios del XX y de las penalidades que hubieron de pasar precisamente en esta isla antes de entrar en la tan ansiada América. Me vuelvo a volcar en un tema histórico pues como muchos sabéis, me apasiona la historia.

Ewa, encarnada por Marion Cotillard, es una joven recién llegada a la isla de Ellis desde Polonia. La acompaña su hermana Magda, enferma de tuberculosis muy probablemente contraída en el barco, que es puesta en cuarentena antes de permitirle la entrada y Ewa hace lo que sea por salvarla, incluso depositar su confianza en Bruno (Joaquin Phoenix), un proxeneta a su manera, hasta que aparece Orlando ( Jeremy Renner), un mago primo de Bruno que le devolverá la esperanza de alcanzar algún día su sueño. Se trata de un melodrama que habla de prostitución y de engaño, de explotación y de salvación.

“El sueño de Ellis” utiliza recursos de un melodrama pero a ello le añade el gusto por los personajes imprevisibles y salvajes. De nuevo, el poco prolífico director James Gray (cinco películas en 20 años), le deja a uno con la sensación de estar ante un tipo de cine demasiado olvidado (en pro del desmesurado abuso de la acción y los efectos especiales en detrimento de un buen guión, de una buena historia); ese cine que solemos identificar con los grandes nombres de los setenta.

Tan sólo por eso, “El sueño de Ellis” vale la pena. Y como siempre, sólo tenéis que acercaros por la biblioteca para poder disfrutar de la película DVD PE 4264

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CINEMA PARADISO – El amor en los tiempos del cólera

El pasado domingo 23 de abril se celebró el Día Internacional del Libro, establecido por la UNESCO en el año 1995. Fue elegido el 23 de abril porque supuestamente fue la fecha de la muerte de dos genios de la literatura universal, Miguel de Cervantes y William Shakespeare y también del Inca Garcilaso.

Para celebrar el día del libro quiero recomendar una película que tiene mucho que ver con libros. Se trata de “El amor en los tiempos del cólera”, basada en la novela homónima del gran Gabriel  García Márquez, premio Nobel de literatura.

El amor en los tiempos del cólera fue la primera novela escrita por Gabriel García Márquez después de haber ganado el premio Nobel de Literatura en 1982. Los lectores estaban expectantes. Tal vez, el autor vivía con el temor de defraudarles, de no estar a la altura de sus anteriores obras que le habían llevado a ganar el codiciado galardón. Cuando por fin “El amor en los tiempos del cólera” se publicó en 1985, desde luego no defraudó ni un ápice ni a lector ni a escritor, de tal manera que aún sigue sin defraudar a todo aquel que lo lee, se ha convertido en lectura obligada y es un clásico de la literatura mundial.

Está inspirada en la historia de los amores contrariados de los padres de Gabriel García Márquez, y gracias a esos amores, los lectores podemos disfrutar de la auténtica poesía hecha prosa, de emocionarnos con cada palabra del señor Ariza e incluso del propio doctor Urbino. Sería un sacrilegio criticar la narración, la estructura o los personajes, que a mi modo de ver, rozan la perfección. Y por eso, simplemente me gustaría comentar la sensación indescriptible que me acompañó durante toda la lectura del libro. Una sensación que estuvo presente durante todo el tiempo,  Me sentía espectadora en el libro, vivía allí, sufría el cólera por otros y sentía los  amores de otros tantos, era capaz de ver y sentir hasta la pintura de las paredes, el movimiento de los árboles y  los sonidos del violín. Lloré con la muerte y con el desengaño y fui partícipe de todos los comentarios que allí se vertieron, hasta de miradas que insinuaban amor, odio e incluso, celos. “El amor en los tiempos del cólera” es una obra maestra y lo es tanto por la historia como por la forma de contarla, sumergiendo al lector totalmente, no sólo en su lectura, sino en lo que allí acontece. Todo esto es lo que la hace grande.

Me disculpo por hablar tanto de la novela y aún no haber empezado a comentar la película pero es mi homenaje al día del libro y creo que lo merece.

La película me fascinó, tanto en lo cinematográfico como en la actuación y en el guion, Sobre todo el guion. El genial  Ronald Harwood tomó una obra que es arte literario del más puro y escribió una versión que permitió realizar una película del más puro arte cinematográfico. El guion recoge con fidelidad y fervor el espíritu de la novela de García Márquez, y eso es todo lo que se necesita.

Si bien cubre períodos muy largos de la vida de los personajes, gracias a la atemporalidad creada en la obra, en ningún momento se produce nostalgia por algo que ya ha terminado, más bien lo que hay es añoranza por el futuro, por un futuro que cada día se confirma que no es como se desea que fuera aunque pudiera serlo. Florentino no perdió la esperanza durante 51 años de que al fin sucediera.

Mike Newell desarrolla cinematográficamente este planteamiento literario de forma exquisita, tanto en los diálogos como en las imágenes. Es una historia que estuvo muy bien contada por G.G.M., que ha sido inevitablemente abreviada pero certeramente recontada por Newell, con un magnífico guion.

Podéis disfrutarla, como siempre, acudiendo a la biblioteca a buscarla. DVD PE 3972

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CINEMA PARADISO – Hacia rutas salvajes

Esta semana quiero reseñar una película de hace 10 años pero una película de esas que dejan huella. Está basada en el libro de Jon Krakauer, del mismo título.

La película está magníficamente realizada e impecablemente interpretada. Su director, Sean Penn agita nuestro espíritu y nos hace reflexionar sobre nuestra propia existencia. Es una película en mi opinión, muy completa. Una estética perfecta, un guion a medida de los vagamundos de mente y conciencia libres y espíritu de optimismo en una sociedad que se lo lleva todo por delante. Es algo parecido a una oda a la vida, proponiendo la búsqueda de un camino propio lejos de modas y de sinsentidos, de vaivenes o de un nihilismo encubierto.

Otra de las constantes sobre las que reflexiona la película es la máscara, la apariencia, esa necesidad de ser otro para poder vivir en sociedad; una vida teñida de mentiras y secretos de la que su protagonista decide huir.

La historia de Cristopher nos ofrece un marco de reflexión que nos permite contemplar su peripecia desde distintas perspectivas y puntos de vista. Más allá del marco psicológico que, desde luego tiene su lugar, la historia nos ofrece otro marco de reflexión que se enmarca dentro del conflicto entre Civilización y Naturaleza y el alejamiento progresivo que para el ser humano implica la una de la otra. Se ha clasificado la aventura de Cristopher como una tontería sin sentido o una locura de un joven arrogante enfrascado en una loca y peligrosa aventura, de la misma manera que ha despertado la admiración por las motivaciones que parecía tener. La exaltación del mundo de la Naturaleza por encima de la Civilización aparece en muchas ocasiones como una compensación de la locura que nuestro mundo civilizado también imprime al ser humano. Las reflexiones de filósofos como Rousseau o Thoreau, o escritores como Tolstoi o Jack London (frecuentados por el joven Cristopher)  se han desplazado por esta tensión existente con la que el hombre vive dicho conflicto.

Si en algo ha acertado Sean Penn con su película ha sido en otorgarle un aura de grandiosidad que nadie podrá negarle. La majestuosidad con la que graba a Alexander Supertramp dentro de la naturaleza, quita el hipo. No cabe más que rendirse ante su poderío visual.

Da a entender que ha nacido porque quería contar esta historia, como si todo su empeño lo hubiese depositado en Alaska, como si los kilos que pierde el personaje también los perdió él en la elaboración de esta película. Sean Penn quiso que entráramos en la naturaleza con él.

La historia trata sobre un universitario prometedor de 22 años que decide un día dejar atrás a su familia en búsqueda de aventuras, pero sobre todo de libertad. Chris viajará sin dinero, buscándose la vida para ir de un lugar a otro y conociendo por el camino a otras personas que al igual que él no terminan de encajar en la sociedad.

El personaje principal está interpretado por el entonces prácticamente  desconocido, Emile Hirsch, un actor que con esta película da  toda una lección de interpretación. Su actuación sostiene todo el rato la película y lo hace de una manera magistral y ejemplar, realmente llega en algunos momentos a emocionar. Los secundarios también están fantásticos, desde Vince Vaughn a Hal Holbrook pasando por Catherine Keener.

En definitiva, se trata de  una de las mejores películas que se estrenaron en 2007. Sean Penn nos brinda una película brillante, única y con mucha personalidad propia y que le revalida una vez más como  un cineasta de prestigio. Lo mejor es verla sin saber mucho sobre su trama y dejarse llevar porque “Hacia rutas salvajes” es mucho más que una película, es una experiencia.

  

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CINEMA PARADISO – La vida de Brian

Se acerca la Semana Santa y en estas fechas siempre he reseñado películas sobre la pasión de Cristo. Este año voy a hacerlo sobre una película paralela a la pasión de Cristo,se trata de  “La vida de Brian”, película  hecha con todo el humor del que son capaces Monty Python. Su tercera y quizás más famosa película que a nadie dejó indiferente por su desternillante estilo. Es una de esas películas que te hacen desconectar de todo y no dejar de sonreír en ningún momento y que te cargan de buen humor, tan necesario en la vida que vivimos.

La película gira en torno a la vida de Brian Cohen, nacido el mismo día y prácticamente en el mismo sitio que Jesús de Nazaret. Treinta y tres años después Brian se une a una organización contraria a la ocupación romana de Judea y tras una serie de acontecimientos y malos entendidos, llega a ser tomado por equivocación como el salvador del pueblo judío, lo que le va a ocasionar problemas con las autoridades.

Parece ser que la primera idea de los Monty Python era narrar a su manera la historia del propio Jesús, presentándolo como un magnífico carpintero cuya mayor desgracia es ser crucificado en una cruz mal construida. En su lugar optaron por desviar el foco de atención a un tipo cualquiera, totalmente mediocre e irrelevante, algo que provocó polémica por parte del fanatismo religioso pero que sin duda fue todo un acierto para la película.

L a escena con la que empieza  “La vida de Brian” puede dar la impresión de que no encaja con el resto de la película, parece sacada de una de las populares superproducciones de Hollywood, con la silueta de los tres Reyes Magos recortando el horizonte y un solemne acompañamiento musical. Con la visita de los reyes de Oriente comienza a gestarse la parodia de Brian, a quien da vida Graham Chapman. El prólogo es muy divertido, enfrentando la visión realista con la narración clásica de la historia, y en donde podemos ver  la primera confusión en la que se ve implicado el protagonista, a cuya madre, encarnada por Terry Jones, le entregan en un principio las bolsas de oro, incienso y mirra, regalo de los Reyes Magos destinado al hijo de Dios.

Podría relatar aquí muchos de los momentos estelares de la película pero no quiero “espoilar” una película como esta en la que la mayor parte de su éxito radica en el factor sorpresa.

Gracias al apoyo financiero del ex-beatle George que salvó el proyecto cuando los productores iniciales se echaron atrás debido a las posibles controversias que podría causar el guión, los Monty Python pudieron llevar a cabo su tercer largometraje, filmando en las localizaciones y con los extras de “Jesus de Nazaret” de Franco Zeffirelli. “La vida de Brian” se convirtió en uno de los mayores éxitos del grupo, y tuvo el honor de ser la producción británica más taquillera de aquel año en Estados Unidos. Su estructura de “sketches” más propia de la televisión que del cine, hace que no haya preocupación por el ritmo ni por una verdadera trama, es un encadenado de situaciones humorísticas, absurdas, unas (por fortuna, la mayoría) más inspiradas que otras. En conjunto, no creo que pueda considerarse una de las mejores comedias de la historia del cine, pero sí que es una opción ideal para echar unas risas en buena compañía durante las vacaciones de Semana Santa que ya están a la vuelta de la esquina.

Y como siempre, la podéis encontrar en la biblioteca. DVD PE 551

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CINEMA PARADISO- Samba

Esta semana, una vez más, elijo una película francesa para mi reseña y es que he de reconocer que tengo cierta debilidad por el cine francés. En esta ocasión se trata de una película que en el año 2014 pasó por las salas sin pena ni gloria, un poco a rebufo de la exitosa Intocable, pero que yo pienso que merece ser mencionada.

Tres años después del gran éxito de taquilla de Intocable, el dúo Éric Toledano-Olivier Nakache repiten fórmula. Utilizan al mismo actor, el desde entonces célebre Omar Sy, inmigrante negro que si bien allí conquistaba el corazón del protagonista, un refinado aristócrata en silla de ruedas, aquí establece otra relación fácilmente predecible. Se trata de una mujer sumida en la depresión y que abandona su vida burguesa para ejercer de asistente social.

Con semejantes premisas, tal vez se podía esperar lo peor. Pero no es así. Toledano y Nakache ponen de manifiesto su indiscutible talento para no morir en el intento. La por supuesto interesada relación pasional entre la chica burguesa, sumida en una creciente zozobra psíquica y el senegalés sin papeles que sobrevive mediante trabajos temporales con la que se explota al más débil, da pie a todo un amplio catálogo de tópicos. No faltan clichés, aunque reconducidos con bastante pericia argumental.

A Samba Cissé, un marginal siempre acosado por la policía y bajo el riesgo de ser expulsado de Francia, su relación romántica con la inestable Alice puede garantizarle la estabilidad, tras diez años de vida itinerante y peligrosa. Por tanto, ambos se utilizan mutuamente. Como se afirma en un momento de la película: “Los sin papeles tienen muchos papeles”. Aquellos que están forzados a representar si quieren sobrevivir en una sociedad hipócrita e injusta.

En Samba todos mienten, los privilegiados y los desfavorecidos, como ocurre en la vida real. Es cierto que la película bordea en alguna ocasión el límite de lo absurdo, pero este juego narrativo evita convertirla en algo indulgente y sentimentaloide. A ello contribuye el magnífico trabajo desarrollado por Sy y Gainsbourg, siempre tan frágil en apariencia, así como la de otros personajes secundarios como Tahar Raim que interpreta otro personaje relevante de la película.

Samba podría calificarse como un drama pero con muchos puntos de luz. Desde un tono amable que decide volverse amargo en momentos determinados, la película se centra principalmente en la historia del joven senegalés, intentando abarcar con su trama, quizás con demasiada ambición, cada una de las casuísticas posibles para un inmigrante ilegal. Con clara voluntad de compromiso, Nakache y Toledano pretenden mostrar al espectador cómo es la vida cuando se acaban las opciones, cuando se tiene miedo a ser descubierto, cuando sobrevivir y vivir son acciones casi excluyentes.

No obstante y pese a la intención de denuncia, la elección de convertir a Samba, no en una tragedia inevitable estilo Biutiful de Iñarritu (que he reseñado recientemente), sino también en una reflexión sobre el extenuante e inútil ritmo de vida moderno, adornado a su vez, con pinceladas de comedia romántica, hacen que la película tienda a desequilibrarse en algunos momentos ante la falta de un objetivo más claro. De esta forma, la trama que muestra la lucha contra el sistema de Samba se ve complementada por la del personaje de Alice, una mujer que busca también seguir con su vida a pesar de sus circunstancias, como prototipo de un caos moderno, que sin embargo no deja de ser un complemento al protagonista masculino y sus escenas en solitario, una distracción de la trama principal.

No obstante y a pesar de sus cambios de tono, en mi opinión es una película que merece ser vista. En primer lugar por las interpretaciones, en las que, además de los protagonistas, destacan unos magníficos secundarios, como es el caso del ya mencionado Tahar Rahim. También por el guion que contiene pequeños detalles que consiguen mostrar lo cruel e injusto de la vida de una forma tan irónica y absurda que hacen de estas píldoras de humor negro elementos esenciales para aligerar y dotar de credibilidad a la película.

Samba es por tanto una película que, aun siendo amable, está dispuesta a hablar sin tabúes de problemas reales que están a la orden del día. Si tuviera que ponerle alguna pega, diría que quizás no logre abarcar con solvencia la amplitud temática que persigue pero que sin embargo considero que se trata de una buena opción que logrará que el espectador pase un buen rato al mismo tiempo que le hará salir de ver la película mirando la calle de una manera diferente.

Y como siempre podéis encontrarla en la Biblioteca DVD PE 4250

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