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CINEMA PARADISO – Midiendo el mundo

Esta semana reseño “Midiendo el mundo”, una película alemana, estrenada en el año 2012 que trata la historia de dos de los científicos más importantes del planeta.

La película muestra la vida de Carl Friedrich Gauss, un brillante matemático y Alexander Von Humboldt, un geógrafo, naturalista y explorador, entre otras cosas, en la Alemania de comienzos del siglo XIX que tuvo gran influencia en diferentes vertientes tanto artísticas como científicas.

Dirigida por Detlev Buck y escrita por él mismo y Daniel Kehlman, autor al mismo tiempo de la novela del mismo nombre (2005) en la que está basada. Buck apoya su película en la forma en que Kehlman aborda la historia de dos de los científicos más importantes de la época, incluyendo también sus vidas personales.

Son destacables las actuaciones de los dos personajes protagonistas. Tanto Albert Schuch (Alexander von Humboldt) como Florian David Fitz (Carl Friedrich Gauss) hacen una magnífica interpretación de sus respectivos personajes, ambos con unas personalidades contrapuestas que chocan de manera indirecta a lo largo de toda la película. Además, la historia se desarrolla a lo largo de toda una vida por lo que podemos ver como sus pensamientos cambian a medida que adquieren edad y experiencia.

Otra de las actuaciones destacables es la de Michael Martens como el duque de Braunschweig; un personaje muy peculiar por su ostentosa vestimenta, sus excesivas costumbres y su caracterización y actitud contrapuesta a la de los científicos, en la que no es capaz de apreciar lo que ellos le transmiten. Además, nos encontramos con Aimé Bonpland (Jérémy Kapone), un botánico y médico francés, compañero de viaje de Humboldt que espera durante todo el viaje que su amigo reconozca su valía y sus logros. De nuevo, este personaje enfrenta su personalidad a la de su compañero; él le da la humanidad que a veces se le olvida al alemán.

Las escenas luminosas y los tonos claros nos sumergen en la travesía de Humboldt y nos transportan hasta su mismo viaje, pudiendo ver y sentir a través de sus ojos todo lo que a él le acontece. Por otro lado, los colores fríos y la ausencia de iluminación en muchas escenas, parece querer mostrar la locura que acechaba a Gauss. Todo ello de manera magistral acentuando la contraposición de los personajes.

Es de destacar también la banda sonora de Enis Rotthoff que refleja muy bien el espíritu de la película.

En conclusión, se trata de un film muy entretenido de ver, sorprende el tratamiento de los personajes, especialmente porque abunda en la contraposición de los mismos; está muy bien construida y también porque a todos nos gusta imaginar la vida de personas que han dejado una huella profunda en el mundo. Éste es un claro ejemplo, aunque ya, la historia de cada uno daría para una cinta por separado. Además, siempre es agradable ver un soplo de aire fresco en nuevas películas ajenas a las directrices de Hollywood.

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CINEMA PARADISO – Festival de cine de Venecia

Acaba de concluir la celebración del Festival Internacional de cine de Venecia en su 75 edición y desde esta sección quiero rendirle un homenaje a tan reconocida y prestigiosa muestra.

El Festival Internacional de Cine de Venecia es conocido como Mostra Internazionale d’Arte Cinematográfica, y pertenece al conjunto cultural y artístico denominado La Biennale di Venecia. Esta fundación organiza festivales y exposiciones de todas las artes, como el Festival Internacional di Musica Contemporanea, l’Esposizione Internazionale di Arte o la Mostra Internazionale de Architettura. Se fundó en 1895 y su nombre hace referencia al carácter bianual con el que se celebraban los eventos.

La Mostra Internacionale d’Arte Cinematografica di Venecia, se celebra de manera anual desde 1936. Se paralizó su celebración desde 1943 a 1945 con motivo de la II Guerra Mundial.

El objetivo del Festival es crear conciencia y promover el cine internacional en todas sus formas, como el arte, el entretenimiento y como industria, en un espíritu de libertad y diálogo. El Festival también organiza retrospectivas y tributos a figuras importantes como contribución para una mejor comprensión de la historia del cine.

En el festival se proyectan los títulos cinematográficos más destacados y sirven de preámbulo para lo que serán futuros festivales. Las películas se proyectan en el Palazzo del Cinema, sede principal del festival, en reputadas salas de proyección como la Sala Grande o la Sala Volpi. Aunque existen otras localizaciones como el Palazzo del Casino, donde se encuentra la Sala Perla, el Palagalileo, el Palabiennale, o la Sala Astra, la más pequeña de todas.

Según Paolo Baratta, “La selección refleja una gran fe en la película como medio y en su capacidad para abordar temas del presente, temas que la historia y la condición humana ofrecen para nuestra consideración”.

Durante once días, se concentran los principales directores, actores, críticos y ejecutivos de la industria cinematográfica. Una pasarela de glamour, cuyo motor principal es la promoción de la industria internacional, sirve de escaparate a todos los concursantes y expositores que andan por su prestigiosa alfombra roja.

Los principales premios son el León de Oro, concedido a la mejor película de las que concursan; el León de Plata, concedido al mejor director; el Gran Premio del Jurado, a la más alabada por la crítica; o las Copas Volpi, a los mejores actores y actrices. Actualmente, se conceden varios premios de cada categoría para reconocer películas y aportaciones de diversa índole.

Junto al Festival de Cannes, el de Berlín, el de San Sebastián y otros muchos, cuenta con la calificación más alta de la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos (FIAPC). El resultado en estos concursos hace vislumbrar a los críticos los futuros nominados a los Oscar de la Academia Norteamericana de Cine.

A lo largo de la historia del festival, son muchas las películas y los profesionales del cine que han obtenido reconocimiento en él. Como ejemplo, y por lo que nos toca, decir que en la edición de 2016, obtuvo el premio a mejor actriz la española Ruth Díaz con la película de Raúl Arévalo “Tarde para la Ira”.

Y lo mejor de todo es que poder disfrutar de muchas de estas películas es tan fácil como acercarse a la biblioteca. Aquí os dejo algunas de las que podéis encontrar.

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CINEMA PARADISO – Café Society

Encantada de estar de nuevo con vosotros después del impasse veraniego. Quiero retomar las reseñas cinematográficas con una película de uno de los grandes; tan grande como Woody Allen. La película en cuestión está ambientada en el Hollywood de los años 30, cuando la industria del cine florecía gracias a grandes figuras como  John Ford, James Cagney, Bette Davis o Ginger Rogers entre muchos otros; y todos ellos aparecen en la cinta. Y eso es debido a que Boby Dorfman, judío (que bien podría ser un joven  Allen) interpretado por Jesse Eisenberg, decide abandonar su vida en  la joyería familiar en Nueva York y probar suerte en Los Ángeles e intentar un hueco en la industria cinematográfica donde su tío  Phil Stern (Steve Carell) es un pez gordo que se codea con lo más florido y granado del sector en ese momento.  Una vez en Los Ángeles, conoce a la ayudante de su tío y el sueño que hasta ahora lo había movido,  cambia de repente;  ya no buscará hacerse un nombre en Hollywood, sino que su prioridad ahora será  conquistar a esta joven, interpretada por Kristen Stewart que, a su vez, mantiene un romance en secreto con cierta figura de la industria.

En “Café Society” Woody  Allen recurre a temas que están presentes en sus películas en la mayoría de las ocasiones, como su amor por Nueva York o su relación amor/odio con Hollywood, el judaísmo, las familias disfuncionales, y cómo no, las relaciones amorosas complicadas. Todo ello con un toque del glamour propio de la que fue llamada Café Society para denominar a los personajes relevantes de la industria cinematográfica que se reunían en los lugares de moda de la época.

 

 

Ya desde el comienzo de la película Allen da muestras de su más genuino estilo de hacer cine reflexionando sobre la existencia con ingredientes tan típicos como  la  fina ironía, el humor negro, las frases lapidarias y una crítica elegante pero contundente de la sociedad, la política, los negocios y por supuesto de la religión.

Es un retrato de dos de los lugares más populares de los Estados Unidos del momento, y la época elegida resulta tan evocadora como convulsa. La ley seca ha desaparecido, el cine sonoro va tomando auge y desde Europa llegan noticias del avance del nazismo..

Además de todo esto, el director  entremezcla la trama principal con una segunda que es la historia del hermano del protagonista, enmarcada en el crimen organizado con notas de humor negro que le dan el contrapunto a la historia.

Uno de los puntos fuertes de la película, además de la dirección, es el reparto. Eisenberg vuelve a ser el «otro yo» de Woody Allen que, además , actúa como narrador fuera de plano en la película. Su representación del joven e inexperto Bobby le convierte en una versión juvenil y pelirroja del propio Allen y al mismo tiempo lo aleja de interpretaciones recientes como el histriónico Lex Luthor en Batman contra Superman.

Sin embargo, quizás el gran descubrimiento de la película sea Kristen Stewart que borda el papel de Vonnie a pesar de haberse encasillado en papeles como el de Blancanieves o la saga Crepúsculo. Aquí sin embargo resulta bastante creíble.

En cuanto a secundarios hay que destacar a Steve Carell interpretando al triunfador que no está del todo conforme con sus orígenes y a Ken Stott y Jeannie Berlin como Marty y Rose Dorfman, los padres  de Bobby. Tambien merece mención especial el papel de Sheryl Lee como la esposa de Carell, difunta y misteriosa Laura Palmer en la conocida serie Twink Peaks.

“Café Society” es un episodio más dentro del mundo y de la vida que Allen ha decidido contar. Todo ello envuelto en una ambientación primorosa y una bonita fotografía llena de imágenes evocadoras. En definitiva, Allen ha conseguido realizar una de sus películas más hermosas y encantadoras rozando la perfección de clásicos como “Annie Hall” , “Manhattan” o “Poderosa Afrodita”. Una comedia romántica de verdad, como sólo él sabe hacerlas; de esas que le confieren dignidad a un género que normalmente se asocia con emociones vulgares y sentimentalismo barato. Altamente recomendable.

Y sólo tienes que pasar por la Biblioteca y llevártela a casa. DVD PE 4563

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CINEMA PARADISO – Captain fantastic

¡Me voy de vacaciones! Y quiero despedirme reseñando una película que es como una aventura de verano, como esos campamentos a los que íbamos de niños. Se trata de la comedia dramática “Captain Fantastic”, dirigida por Matt Ross y protagonizada por Viggo Mortensen. Centra la historia en un padre de familia que tras un hecho enormemente dramático, nada más y nada menos que el suicidio de su esposa, se propone intentar mantener los valores que les ha inculcado a sus hijos a pesar de la enorme presión social.

La película utiliza una mezcla de comedia, simpatía, sensibilidad y sobre todo, mucha emotividad sobre la difícil tarea de ser padre, sobre qué educación y valores fundamentales transmitir a nuestros hijos y de cómo la sociedad se impone con sus luces y sus sombras, dando cada vez más protagonismo al individualismo y egoísmo más allá de los valores de unión, apoyo y respeto entre semejantes.

La historia no oculta cierto tono autobiográfico ya que Ross vivió durante su infancia en comunidades alternativas de las que su madre fue cofundadora.  Eran familias que, cansadas del tipo de vida convencional, se instalaban en el bosque para vivir de sus propios recursos y  ayudarse unas a otras.

“Captain Fantástic” se sustenta en varios pilares fundamentales sobre los que se hace fuerte y consistente.  Algunos de estos pilares son el potente guion o la fuerte presencia de su actor protagonista Viggo Mortensen. Completan el reparto un estupendo George McKay (“Pride” o “Sólo ellos”), quien junto a Samantha Isler encabezan el destacado reparto juvenil, y los populares Frank Langella, Kathryn Hahn y Steve Zahn.

En cuanto a la trama, muestra un dilema que a menudo es difícil de resolver. Muchos padres, cansados del método educativo tradicional se plantean una enseñanza basada únicamente en métodos naturales e inculcada por las propias figuras paternas. Este es el caso de Ben y Leslie, que deciden irse a vivir a un remoto bosque donde proporcionarán a sus retoños una educación al aire libre, que les alivie de Internet, cine, televisión, videojuegos y demás estándares de entretenimiento moderno para volcarles en el ejercicio físico y la nutrición mental, entendiendo esta como la absorción de dosis de casi todas las ramas del conocimiento.

Matt Ross dirige y escribe la película como una especie de cuento sobre los perjuicios del estilo de vida contemporáneo, sin que por ello intente defender la alternativa llevada a cabo por los protagonistas de su relato. Bajo un claro tono cómico, adornado con situaciones desternillantes, se esconde un pequeño drama que quizá para la generación de los adolescentes y jóvenes de hoy no parezca tal, pero que sí que supone un problema a largo plazo. La honestidad de Ross hace que este debate no se quede en una mera fachada, sino que realmente invita al espectador a meditar acerca de hasta qué punto los medios y dispositivos tecnológicos están moldeando nuestra forma de vivir. Es necesario pararnos y reflexionar sobre eso. Al fin y al cabo, la lectura que se saca es la de que es necesario evitar cualquiera de los extremos. Los avances proporcionados por las nuevas tecnologías no son malos “per se”, pero sí que es necesario  encontrar una fórmula que combine las virtudes de éstas con el disfrute del entorno natural y el fomento de una mente y un cuerpo sanos.

También resultan puntos  fuertes de la película, la fotografía que juega con desenfocados, luces y naturales,  muy “indies”, y la música que experimenta con sensaciones que conjugan perfectamente con los tiempos del guion.

Puede que a muchos no les llegue del todo el mensaje de esta agradable fábula antisistema, sin embargo, lo mejor que se pueda decir de ella es que no juzga la motivación de los personajes dejando que entendamos que, como suele suceder con casi todas las facetas o situaciones de la vida cotidiana, siempre surgen voces a favor y en contra, algo que permite al espectador sacar sus propias conclusiones, sin llegar en ningún momento a sentirse coaccionado.

Es una “dramedia” fabulosa que merece ser tenida en cuenta. Posee personalidad e ingenio y  es ideal para pasar una estupenda tarde de verano. Y sólo tenéis que acercaros a  la biblioteca y llevarla a casa DVD PE 4548

En septiembre estaré de vuelta

¡FELIZ VERANO A TODOS!

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CINEMA PARADISO – Nuestro último verano en Escocia

Se acerca el verano y me apetece reseñar algo más ligerito. Esta película está dirigida por Andy Hamilton y Guy Jenkin, veteranos directores de conocidas series de la televisión británica como  “Estas no son las noticias de las nueve” y “Outnumbered”

Responde perfectamente al modelo de comedia dramática para casi todos los públicos al estilo de las series antes mencionadas. Fue galardonada en la  Seminci de Valladolid de 2014 con el premio del público. Merecido premio sin duda, tal y como se puede  comprobar una vez vista.

Hamilton y Jenkin realizan un proyecto que, aunque no es precisamente original, sí que saben dotarlo de bastante encanto, especialmente en lo que a sus personajes infantiles se refiere, haciéndolos protagonistas de la función. Los tres niños ven las cosas sin falsedades ni hipocresía y así se lo hacen saber a los adultos que les rodean, mientras estos callan y sufren en silencio, convirtiéndose en una especie de enigma para los pequeños. En este sentido, hacia la mitad de la película se produce un giro en la trama que provocará que la familia se quite las máscaras de una vez por todas y rebusque en su interior para comportarse como un auténtico grupo familiar, dejando de engañar a los demás y a sí mismos.

Como suele ser norma en las producciones británicas, los actores muestran muy buen nivel, especialmente los más jóvenes, aunque los adultos no les van a la zaga, con David Tennant conocido por su participación en “Doctor Who” y Rosamund Pike, aquí en un registro dramático menos oscuro que el que bordó en “Perdida”,  interpretando a una pareja separada con tres hijos que deciden fingir que siguen siendo una familia unida durante un viaje a Escocia. Para ello necesitan contar con la complicidad de los niños, que no estarán por la labor de ponerles las cosas fáciles. Los tres hermanos son el eje y los protagonistas de la película gracias a la naturalidad y frescura de sus interpretaciones.

El mundo de los niños nos da una visión de la trama prácticamente mitológica, que nos recuerda a las viejas aventuras de Los cinco, donde la imaginación se apodera de la realidad haciendo que los mitos la transformen. Sólo la infancia puede hacer reales a los héroes y nada mejor que las sugerentes tierras de Escocia para vivir sus aventuras y encontrarse con Odín. Pero como no podía ser de otra forma, estas aventuras poseen una moraleja, un mensaje didáctico y esperanzador que en este caso es  la tolerancia.

Como ya he comentado, no nos compromete ni nos hace grandes descubrimientos pero tampoco lo pretende. Se mueve en el plano de lo políticamente correcto, con un mensaje liberal: acepta a los demás tal y como son porque, de lo contrario, les obligarás a fingir o a alejarse de ti. O su contrapartida: atrévete a ser como eres;  si te quieren, te van a seguir queriendo igual.

Destaca especialmente un Billy Connolly,  maestro tanto en comedia como en drama, tal y como como ya ha demostrado en una larga carrera cimentada especialmente en papeles secundarios de películas como “Los elegidos”, “El último samurái” o “X-Files: Creer es la clave”. Interpreta a un interesante personaje que da la clave de lo que quiere contar la película y que al mismo tiempo es toda una lección de cómo funciona la vida, con frases como  cada uno es ridículo a su manera.

Se trata de una historia familiar que no cae en el pasteleo emocional, aunque, a veces se deje llevar un poco por la sensiblería fácil, especialmente  en su tramo final.  “Nuestro último verano en Escocia” es por el contrario una agradable película ambientada en bellos parajes escoceses que sabe sacar la sonrisa en el espectador. Todo ello al tiempo que deja algunas cuestiones en el aire sobre las complicaciones que tantas veces surgen en el ámbito familiar, ese lugar en el que todos nos sentimos incómodos al querer esconder nuestras desnudeces emocionales ante la vista de los que nos conocen más de lo que creemos.

Una película recomendable para todos los públicos y entretenida a pesar de su cierto estilo naif. Y que destaca también por la fotografía de los magníficos paisajes escoceses y la música de  los Waterboys que se hace más patente si cabe al final de la película. Es imprescindible quedarse a los créditos. Ya veréis por qué.

Y como siempre, podéis venir a buscarla a la biblioteca. DVD PE 4587

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CINEMA PARADISO – Lion

“Lion”,  basada en la novela  “Un largo camino a casa” de Saroo Brierley,  es la historia real de una vida perdida y encontrada. Es quizás una de las películas que más me han conmovido en los últimos tiempos.  Fue merecidamente nominada, en mi opinión,  en seis categorías a los Premios Oscar en la edición de 2017.

La película aborda por un lado, el largo periplo de un niño muy pequeño, perdido mientras, subido en un tren, acompañaba a su hermano mayor en busca de trabajo,  en la inmensidad de una India plagada de miseria y pobreza y por otro, un conflicto dramático que pocas veces hemos podido ver en el cine y es la crisis de identidad que sufre un hijo  adoptado entre la infancia y la madurez.

El viaje del pequeño Saroo incluye un trayecto de varios días encerrado en un ferrocarril, la pérdida por las calles sobrecargadas de Calcuta, el intento de secuestro por parte de una mujer que esconde horribles intenciones, el encierro en un orfanato demoledor y, finalmente, la adopción por parte de una pareja australiana. Cuando la posibilidad de volver con su familia se desvanece (el niño no conoce el apellido de su madre analfabeta, no habla bengalí y ni tan siquiera recuerda el nombre exacto de su pueblo), la acogida por parte de una pareja occidental ¿resulta el único final feliz posible?.

La película parece que contesta afirmativamente a esta pregunta hasta que Saroo se empieza a cuestionar su identidad, y esto queda perfectamente reflejado en el que es quizás el momento más dramático de la película, en la conversación que Saroo mantiene con su madre adoptiva respecto a la necesidad que él siente de reencontrarse con su madre biológica y aquí surgen varios temas interesantes.  Por un lado la idea de que un niño no es una página en blanco sobre la que sus padres adoptivos puedan escribir su historia ideal de familia feliz, y por otro el hecho de que la madre adoptiva confiese que su adopción no fue por necesidades biológicas sino por verdadera convicción moral.

El guion excelente de Luke Davis, nominado al Oscar, utiliza un recurso muy curioso y es hacer que a través de la comida, el pequeño Saroo reviva recuerdos e incluso  su propio origen. La comida está muy presente en la película.

El actor protagonista, Dev Patel  logra de forma brillante y convincente transmitir con una gran sensibilidad y delicadeza, esa sensación de frustración, confusión, y dolorosa pérdida de alguien separado de su familia sin previo aviso, además, realiza una interpretación tan magnífica, intensa y emotiva que consigue introducirnos con suma facilidad en el interior de su personaje, y hacernos sentir en primera persona la angustia asfixiante y el profundo sufrimiento de Saroo por buscar y encontrar sus verdaderos orígenes e identidad, mientras que Nicole Kidman, con este papel da la sensación de que  rejuvenece profesionalmente, con el retrato de un personaje perfectamente matizado de una madre cariñosa, comprensiva y con mucha paciencia. Una portentosa actuación  merecedora de una nominación al Oscar.

Además, hay que destacar la actuación del pequeño actor Sunny Pawar en el papel de Saroo de niño,  ya que directamente te toca el corazón.

El director Garth Davis y su responsable de fotografía, Greig Fraser, también nominado al Oscar, nos deleitan con amplios y hermosos paisajes, presentados a través de largos planos aéreos panorámicos, sobre todo, de las impresionantes llanuras secas de la India Central. Garth Davis encuentra una fantástica solución usando el ojo del mundo que todo lo ve, de la herramienta Google Earth, como inspiración. Así vemos como las grúas y las cámaras imitan la experiencia de desplazarse por Google Earth con lo que visualmente resulta bastante sorprendente. La nominación al Oscar a la Mejor Fotografía está más que justificada.

“Lion” plantea diferentes cuestiones de peso a lo largo de los 120 minutos que dura la cinta como la pobreza, la adopción, la explotación y la más poderosa, la identidad. La película reúne todos los ingredientes para ser un auténtico éxito, posee un toque algo edulcorado, quizás  para suavizar el duro trasfondo del tema. Está tratada con mucho tacto y delicadeza, y lleva el sello inconfundible de las grandes producciones de Hollywood: “Basado en Hechos Reales”, para dar mayor autenticidad, fuerza y emotividad a la narración. A pesar de saber eso, es inevitable que al finalizar la película uno tenga la sensación de haber visto una grandiosa, conmovedora y hermosa cinta que te llegará a lo más hondo del corazón.

Y al final, conviene no desconectarse durante los créditos para no perderse el emocionante encuentro de los verdaderos personajes en la vida real. Y como ya sabéis, pasad por la biblioteca,  llevadla a casa y disfrutadla. DVD PE 4542

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CINEMA PARADISO – Las chicas de la lencería

Aunque no es habitual en España ver películas suizas, “Las chicas de la lencería” cuenta la historia de cuatro amigas que viven en una pequeña aldea suiza. Martha pierde a su marido y, cansada de quedarse en casa perdiendo el tiempo, decide abrir una tienda de lencería fina y un poco descocada para el pueblo, en el local donde se encontraba la tienda de ultramarinos de su esposo.

Su hijo, el cura del pueblo, que en un principio le había dicho que se buscara algo que hacer para no estar siempre en casa y poder superar así la muerte de su marido, no se lo toma demasiado bien ya que piensa que eso no es lo apropiado para una mujer de su edad y porque cree que se va a convertir en la burla del pueblo, habitado mayoritariamente por gente mayor y por qué no decirlo, bastante pueblerina y llena de prejuicios. Sin embargo  tiene que dar su brazo a torcer cuando Martha descubre que su hijo ha tenido una aventura con la hija de su amiga Lisi.

Pero Martha no es la única que se sale con la suya. Tras la muerte de su amiga Lisi, cuyo sueño era ir a América, Hanni consigue sacarse el carnet de conducir a los 80 años y que encima se lo pague su hijo, cuando él lo que tenía en mente para sus padres era mandarlos a una residencia de ancianos. Mientras, Frieda, ya en una residencia, se apunta a clases de informática, gracias a las cuales aprende a vender la ropa de Martha por internet, y empieza a salir con un compañero de la residencia.

Se trata de una comedia amable que utiliza una fórmula que ha sido empleada muchas veces en otras cintas de realismo social tales como “El jardín de la alegría” o “Las chicas del calendario”, sin embargo el guion, las situaciones y los personajes son tan ingenuos, que terminan por desarmar al espectador, haciéndole cómplice de la historia.

Como viene siendo habitual, la retrógrada presión social del pueblo, personificada en la figura de un concejal bastante radical y el propio hijo de la protagonista, el pastor evangélico del pueblo,  intenta por todos los medios mantener las cosas tal y como están. De este modo los ancianos se ven progresivamente arrinconados como trastos inservibles y eso contrasta con  la iniciativa del grupo de abuelas que llega a vender con mucho éxito sus combinaciones, sujetadores y braguitas a través de internet.

“Las chicas de la lencería” es una película bastante básica, bastante esquemática, pero la cercanía, franqueza y confianza que generan las ancianas, hacen que el espectador conecte rápidamente con la historia y que disfrute de cada triunfo de estas luchadoras, por pequeño que sea.

De una manera divertida y alegre, nos muestra la vitalidad y las ganas de vivir que tienen las personas mayores, y el cumplimiento de sueños y labores pasados o insatisfechos, que en contra de cualquier opinión o valoración no dudarán en llevar a cabo.

El guion es muy tópico, pero se hace muy llevadero gracias a una excelente fotografía, con bellos paisajes helvéticos y mostrando algunas costumbres y tradiciones como por ejemplo la indumentaria, y por supuesto a la interpretación de gente de la calle, muy real y que conecta rápidamente con el espectador.

Como punto destacable, decir que retrata bastante bien la problemática de los pueblos pequeños alejados de las grandes urbes, donde todo el mundo se conoce y se cree con derecho a juzgar al vecino y especialmente, donde la doble moral es el pan  de cada día. No obstante creo que se podía haber sacado mucho más partido haciendo un planteamiento más parecido a películas como “Chocolat”.

No aporta nada nuevo y es la aplicación de la vieja fórmula de grupo de personas de las que parece imposible que vayan a levantar cabeza en un entorno hostil y sin embargo terminan no solo consiguiendo su objetivo sino además triunfando, como ocurre en “Full Monthy”, pero las protagonistas se hacen querer y resultan de lo más entrañable.

En definitiva, se trata de una película sencilla cuya mejor arma es precisamente esa, la sencillez. A mí me encantó. Ideal para pasar un buen rato. Y ya sabéis que sólo tenéis que pasar por la biblioteca para poder disfrutarla. DVD PE 4600

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