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CINEMA PARADISO – Pequeñas mentiras sin importancia

Este viernes me voy de vacaciones por dos semanas, porque ya es tiempo de vacaciones y también de amigos; de hacer lo que nos gusta y de hacerlo juntos, como ocurre en la película que quiero reseñar hoy y que es un homenaje a todos aquellos que están a puntito de iniciar el tan ansiado descanso estival.

“Pequeñas mentiras sin importancia” es una joya del cine  francés –ya sabéis que el cine francés es una de mis debilidades–, dirigida por  Gillaume Canet y protagonizada entre otros por la gran Marion Cotillard, (actriz que va creciendo con cada película que hace), rinde tributo a la amistad de unos individuos desorientados y frágiles en su búsqueda de la felicidad, obligados a recurrir a pequeños salvavidas para su naufragio emocional.

Se trata del tercer largometraje del citado director, y sin duda, su mejor película hasta el momento y también la más personal, pues parece ser que está inspirada en sus propias experiencias y rodada “en familia” ya que todos los intérpretes son amigos del director, incluida su esposa, Marion Cotillard y habla profundamente de la moral y los límites de la amistad a orillas del Atlántico.

A pesar del drama y la tensión palpable en el ambiente, Guillaume Canet juega muy bien la baza de la familiaridad. Se nota que está dirigiendo a sus amigos en la vida real y consigue un ambiente distendido, agradable y hasta divertido en ciertas ocasiones. Los actores se notan relajados y trabajando en familia, lo que les permite jugar con sus emociones y ofrecer interpretaciones sutiles y precisas.

Guillaume Canet profundiza como nadie en los problemas emocionales de cada uno de sus personajes, dotándoles del dramatismo y la comicidad justa, evitando que caigan en lo estrambótico, aunque en alguna ocasión rozan el límite de ambos extremos: el de lo ridículo y el de la lágrima fácil.

Por suerte, un reparto carismático y tan poderoso como el que forman François Cluzet,  Marion Cotillard (que desprende un magnetismo especial en este trabajo), Gilles Lellouche, Benoît Magimel y Laurent Lafitte, consiguen que nos convirtamos en uno más de esa pandilla de amigos que, a pesar de los rencores, son una familia. Esa sensación de estar como en casa, junto a su reparto, es lo que convierte a ésta película en notable y hace que el espectador se sienta atrapado y llegue a identificarse con muchas de las  características de estos personajes imperfectos, reales y a la vez entrañables.

Aquí, el verano y los maravillosos paisajes del sur de Francia se convierten en luminoso escenario para dramas emocionales y sobre todo, para destapar la parte más miserable y despreciable del alma humana. Celos, envidias, antiguos y nuevos rencores, el sentimiento de culpa y de ser malos y egoístas amigos, etc. son las emociones que sobrevuelan las aparentemente apacibles y tradicionales vacaciones.

Y es que parece que su acomodado estatus social y el egoísmo del primer mundo pesa más que la desgracia que ha sufrido su amigo,  y no se creen dignos de merecer perderse dos semanas de relax en la playa a pesar de las circunstancias. Esta presión de saberse culpables por estar disfrutando del verano, mientras su amigo está convaleciente es lo que hará que planee cierta tensión de diversa índole en este grupo de amigos.

Mientras la película está plagada de cenas a la luz de las velas en el jardín, deportes acuáticos y paseos en barca, los personajes tratan de lidiar como pueden con la convivencia y con sus rencillas particulares: la crisis de masculinidad de uno de ellos al confesar que se siente atraído románticamente por el maduro del grupo, el miedo al compromiso de una de ellas, matrimonios frustrados o las obsesiones románticas.

En definitiva creo que es una buena propuesta para comenzar las vacaciones de verano e ir abriendo boca para lo que a buen seguro nos espera. Y como siempre, podéis encontrarla si pasáis por la biblioteca. Ésta y muchas más que os harán pasar muy buenos ratos. DVD PE 3749

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CINEMA PARADISO – Primera plana

Esta semana he estado de baja y me acabo de incorporar, por lo tanto no he tenido tiempo de realizar mi reseña y por eso recurro a una película que reseñé en 2015 pero que es uno de mis clásicos favoritos. Se trata de “Primera Plana”, dirigida  por el genial Billy Wilder (uno de mis directores favoritos), obra maestra basada en la obra teatral homónima de Ben Hecht y Charles McCarthur, que ya había sido llevada al cine por Lewis Millestone en 1931 con el título “Un gran reportaje” y por el gran Howard Hawks en 1940 en la también magistral “Luna Nueva”.

Esta versión de 1974 pone sobre la mesa el periodismo sensacionalista junto a otras cuestiones como la clase política y el sistema penitenciario. En ella se identifican diferentes tipos de periodistas, todos muy reconocibles.

La historia refleja un hecho universal que hoy mismo podemos ver en cualquiera de los noticiarios de televisión, radio o prensa escrita. El reflejo de unos poderes políticos incompetentes, corruptos, donde la avaricia por el poder está por encima de cualquier otro credo.

La película tiene unos diálogos excelentes, algo que destaca siempre en la filmografía de Wilder, con unos toques de humor muy divertidos y un ritmo en el que no hay tiempos muertos.  Nos mantiene constantemente en un diálogo interesante, lleno de ironía, de comicidad y con mucha crítica sobre los diferentes roles que refleja. Pasa de una escena a otra sin dejar que nos demos cuenta de la transición entre ellas, enganchándonos en sus divertidas situaciones llenas de sutilezas del lenguaje.

La acción transcurre en la sala de prensa del Tribunal Supremo, durante unas horas de un día de 1929, en donde los periodistas esperan noticias sobre una inminente ejecución. El indulto o la confirmación de la condena. El director del Chicago Examiner Water Burns (Walter Matthau) espera con impaciencia la crónica de su mejor periodista Hildy Johnson (Jack Lemmon), pero este no da señales de vida, afanado en los preparativos de su inminente boda. Se presenta en las oficinas del periódico y le comunica a su jefe que se retira de la profesión. El jefe si niega, entusiasmado de marcar época en el periódico con la mejor portada de todos los tiempos y se niega a aceptar la dimisión, así es que va a utilizar todas las sucias artimañas de las que es capaz para hacer que la confiada novia de su empleado desista de su casamiento. Mientras tanto, Hildy acude a la sala de prensa del juzgado para despedirse de sus compañeros y celebrar con ellos su inminente boda. Pero pronto se producirá un giro inesperado de los acontecimientos cuando el condenado emprende su huida, una noticia que un periodista vocacional como Hildy no puede dejar escapar.

El reparto es excelente. Destacan como siempre Jack Lemmon y Walter Matthau con una gran química que les llevó a trabajar juntos en innumerables ocasiones. Ambos interpretan unos duelos de campeonato. Carol Burnet se muestra esplendida en su papel de prostituta y novia del reo y Susan Sarandon como futura esposa del personaje de Jack Lemmon.

Una de las claves de este tipo de films de Wilder es su crítica a las convenciones sociales y el modo en que todo encaja a la perfección.

El final de la película, cuando la voz en off nos cuenta lo que ha pasado con todos los personajes con el paso del tiempo, provoca la carcajada y más de una sorpresa. Estamos ante alta comedia, ante una película que se mantiene totalmente actual y que permite ser vista y disfrutada en múltiples ocasiones, donde el guion está construido con maestría. No hay ninguna escena de relleno. La película  dura 105 minutos, justo el tiempo que necesita para contar la historia. Todas las escenas están construidas con una gran sensación espacial y es el espacio uno de los protagonistas, aunando elementos teatrales con elementos cinematográficos de primer nivel. Todos los personajes están muy bien trabajados. Consiguen hacernos reír y sorprendernos. Una de las claves es que la comedia lo impregna, aunque  también adquiere elementos de otros géneros pero sin duda de manera magistral.

La fotografía de Jordan Cronenweth se ajusta a la historia como un guante, igual que la banda sonora de Billy May.

Esta no es la mejor película de Billy Wilder seguramente pero es una obra maestra. Cine en estado puro.

Viendo como están actualmente algunos medios de comunicación y la banalización del periodismo (y de la sociedad en general), “Primera Plana”, adquiere si cabe, mayor dimensión y demuestra que se le pueden dar varias vueltas de tuerca a una historia ya conocida para que sea todavía mejor cuando detrás de la cámara hay  gente como el gran Wilder, probablemente uno de los mejores directores de la historia del Séptimo Arte.

Y como siempre, la podéis encontrar en nuestra biblioteca DVD PE 3946. ¡Animo y a disfrutar del buen cine!

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CINEMA PARADISO – La señorita Julia

Antes que cine fue teatro. Su autor, August Strindberg la escribió para ser representada sobre las tablas, en un escenario entre cuatro paredes, y eso se nota. Dirigida por Liv Ullmann, se ha dicho de ella que es la adaptación más seductora y oscura del gran clásico teatral.

La historia se centra en Julia, una mujer aristócrata que rompe todas las convenciones sociales y en la noche de San Juan vive un momento de auténtica pasión con su criado John. La auténtica protagonista es la lucha entre clases, una lucha dura, dramática y agresiva incluso lo que hace que la historia sea bella pero terrible al mismo tiempo.

Es un relato apasionante que cuenta con dos personajes complejos y muy atractivos: Julia y John. Ambos evolucionan tanto a lo largo de la historia que a veces cuesta trabajo saber quién es el criado y quién el aristócrata. De igual forma, el guion conserva la fuerza y la inteligencia de la original obra teatral.

Sin embargo, quizás se note demasiado que no ha sido creada para la gran pantalla. En mi opinión, un texto teatral bien llevado al cine no debería aparentar en exceso haber sido lo anterior, y en este caso quizás se haga demasiado evidente. Pero sólo por poner un “pero”.

Muchas de las imágenes son de una belleza excepcional y el final está tratado con mucha delicadeza y tiene la capacidad de conmover al espectador. Al mismo tiempo han sabido intercalar escenas para variar la escenografía primitiva adaptándola así al mundo cinematográfico, ampliando  espacios con bastante acierto.

La actriz Jessica Chastain interpreta a Julia de forma extraordinaria, resultado no sólo del talento de la actriz, que lo tiene y mucho, sino también de la labor magistral de dirección por parte de Liv Ullmann, que antes de ser directora, fue actriz, y de las buenas. El resultado de estos trabajos se refleja a la perfección en los ojos de Jessica Chastain que se cargan de verdad o de pasión o de miedo, dependiendo de la escena. A esto ayudan también unos primeros planos excepcionales que colaboran a dar impresión de cercanía y empatía al espectador.

Colin Farrell por su parte interpreta a John, el criado de la casa y al principio quizás resulte poco creíble, pero a medida que avanza la película su trabajo se va haciendo magnífico y te va atrapando. Es de destacar también el papel de Samantha Morton que encarna a Kathleen, la criada de la casa y novia de John.

El reparto lleva a cabo un trabajo excelente, las imágenes son agradables, la historia es lo suficientemente turbulenta, casi cercana al thriller, como para interesar, pero, a veces (como sucede en otras muestras de teatro filmado como Closer, reseñada por mi anteriormente), a uno  le está dando la impresión de estar viendo una obra de teatro y no una verdadera película. Y sin embargo todo eso es perdonable gracias a la calidad del film.

Tormentas psicosexuales aparte, quizá el tema más estimulante de La señorita Julia es, como he mencionado antes,  el del choque de clases, que no tiene tanto que ver con riqueza versus pobreza, como con la convivencia de dos especies distintas de seres humanos. Hoy en día, la aristocracia empieza a ser algo en vías de extinción, reducida a sus propios espacios, y tendemos a pensar que el concepto de “clase” equivale a riqueza, pero hasta hace unas décadas esto no era así. Esta película puede ser un buen ejemplo para entender realmente qué significaba “clase alta” y “clase baja” en el sentido de entonces.

En definitiva la película es un ejercicio narrativo excelente, apoyado por la magnífica interpretación de sus dos actores principales. Muy recomendable. No te la puedes perder. Y como siempre, puedes encontrarla en la biblioteca. DVD PE 4295

(Fuente: http://www.thecult.es) Sigue leyendo

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CINEMA PARADISO – Festival de Cannes

El pasado domingo, día 28, concluyó la 70 edición del Festival de cine de Cannes, uno de los  más emblemáticos a la vez que glamurosos de Europa, y por ende, del mundo.

El Festival de Cannes nació el año 1939 si bien no será hasta el año 1946 cuando celebre su primera edición efectiva. Hoy día el Festival de Cannes es la cita cinematográfica más prestigiosa y el evento cultural más mediático del mundo. Se ha convertido en imprescindible para los países productores de películas y esto es gracias a su historia, sus selecciones y sus galardones a la vez que uno de los más grandes honores en la industria del cine. Su seña de identidad es presentar películas más independientes y de enorme calidad.

Ajustándonos a las declaraciones de su actual presidente, Thierry Frémaux, el festival se fundó con la vocación de dar a conocer y respaldar obras de calidad para fomentar la evolución del cine, favorecer el desarrollo de la industria del cine en el mundo y proyectar el séptimo arte a nivel internacional. Todavía hoy, esta máxima sigue siendo el primer artículo del reglamento del Festival.

«El objetivo del Festival es fomentar el desarrollo del arte cinematográfico en todas sus formas, y crear y mantener un espíritu de colaboración entre todos los países productores de películas» (extracto del reglamento, 1948).

Se compone de diferentes secciones, que engloban toda la diversidad de creación cinematográfica y cada una de las cuales tiene su propia identidad.

El Festival está muy atento a descubrir nuevos talentos y a servir como trampolín a la creación. El trabajo más importante, pero también el menos visible, es el que realizan los cazatalentos del equipo, que recorren el mundo y los festivales cada año para detectar realizadores prometedores. A lo largo de la historia del Festival, se han desarrollado varias acciones destinadas a apoyar los talentos del futuro. Existe la Caméra d’Or, que recompensa la mejor ópera prima presentada en todas las secciones (Sección oficial, Quincena de Realizadores o Semana de la Crítica) o incluso la Cinéfondation, que presenta películas de escuelas de cine, y organiza la Résidence y el Atelier. El desarrollo de «Cannes Court Métrage» también tiene este propósito. Todas estas acciones combinadas le permiten al festival seguir siendo un observatorio sobre las tendencias del cine del futuro y ahí radica su importancia.

Su mítica “alfombra roja” ¡Es el buque insignia! Es la parte más mediática del evento y, para la organización, la oportunidad de recibir por primera vez y con los mismos honores a los artistas más importantes del cine mundial y a los talentos emergentes. También supone una ocasión para rendir homenaje a la creatividad de los artistas sobre la que descansa el prestigio del Festival.

La carrera de una película y la reputación de un autor descansan ante todo en su acogida en salas. A pesar de estar reservado a los profesionales, el Festival es consciente de esta realidad y de la importancia del acceso de los cinéfilos y por eso, desde el año 2012, la película inaugural se estrena en salas en Francia el día de su presentación en Cannes y la ceremonia de inauguración se proyecta en los cines para que los espectadores puedan vivir en directo la noche de inicio del Festival.

En Cannes, el Cinéma de la Plage, una sala al aire libre, ofrece cada noche una película (y desde 2010, en ocasiones, en primicia mundial), en el marco de una programación temática. Se trata de proyecciones al aire libre abiertas a todo el público.

El Festival está sólidamente anclado en su historia, pero se mantiene muy atento a acoger la novedad y la originalidad. Con el paso de los años, ha evolucionado tratando de conservar sus valores esenciales: la cinefilia, el descubrimiento de nuevos talentos, y la acogida de los profesionales y de los periodistas que acuden de todas partes del mundo para contribuir al nacimiento y a la difusión de las películas.

En cada nueva edición, nacen proyectos, se transmiten experiencias, se entrecruzan culturas: es también esta efervescencia la que convierte al Festival de Cannes en el reflejo de su época.

Su galardón más importante es la mítica “Palma de Oro”, además de otros menos conocidos como “Gran Premio” o “Premio del Jurado”.

En la edición de este año del 70 aniversario, muchos críticos han declarado que las películas que han participado en sección oficial, no estaban a la altura en cuanto a calidad y que por el contrario, ésta si se ha apreciado en películas fuera de la misma. No obstante, los galardonados éste año 2017 han sido:

Palma de Oro: “The Square” de Ruben Östlund.

Gran Premio del Jurado: “120 battments par minute” de Robin Campillo.

Premio del Jurado: “Lovelless” de Andrey Zuyagintser

Premio a la Mejor Dirección: Sopía Coppola por La seducción (The Beguiled)

Premio a la mejor interpretación masculina: Joaquin Phoenix por You Were Never Really Here.

Premio a la mejor interpretación femenina: Diane Kruger por In The Fade

Premio especial del 70 aniversario del Festival: Nicole Kidman (con dos películas en Sección Oficial: The Killing of a Sacred Deer y La seducción)

Cámara de Oro (Mejor debut): Jeune Femme, de Léonor Serraille

FIPRESCI: BPM (Beats Per Minute), de Robin Campillo

Y ya estamos impacientes por verlas.

A lo largo de todos estos años han sido muchas las películas que se han alzado con estos importantes galardones , tales como:

Esto es sólo un ejemplo. Todas estas y muchas más os están esperando en la biblioteca. ¡No dejéis de verlas!

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CINEMA PARADISO – Mr. Turner

Mi reseña de esta semana es para una película biográfica en torno a uno de los pintores más emblemáticos y controvertidos de Inglaterra en la primera mitad del siglo XIX, conocido con el significativo sobrenombre de “pintor de la luz”. Se trata de J.M.W Turner.

Esta película no es sólo una contundente y ejemplar biografía de Turner, que recrea con precisión y vigor la personalidad de un hombre controvertido y sorprendente en sus reacciones, sino que hace, así mismo un retrato exquisito y muy elaborado del entorno artístico en el que se mueve; la Inglaterra de la primera mitad del siglo XIX.

Y es sobre estos dos sólidos pilares es sobre los que se asienta una excelente película que reitera la calidad de Mike Leigh como director, que posee una magnífica filmografía con títulos como “Secretos y mentiras”(1996), “Todo o nada”(2002), “El secreto de Vera Drake” (2004) o  “Another Year”(2010), ya reseñada por mi anteriormente. Confirmando una vez más que es un gran director, ha contado con un aliado impagable, el actor Timothy Spall como protagonista que desempeña su papel de manera intachable, logrando por su trabajo, con toda justicia, el Premio de Interpretación de Cannes.

Leigh nos traslada a los últimos 25 años de la vida de Turner, cuando su prestigio está totalmente consolidado y su fama como un excelente y original paisajista no la discute nadie (salvo, naturalmente, algunos de sus colegas). Y esto precisamente lo muestra la película cuando se introduce en los escenarios de la Real Academia de las Artes de Londres, en donde sus lienzos son permanentemente infravalorados y relegados a exposiciones en lugares poco gratificantes.

En estos tiempos, el pintor vive aún con su padre y al cuidado de una sirvienta por la que no siente ninguna estima pero que le sirve como desahogo.

Su vida, sin embargo, va a experimentar un giro importante cuando conoce a la dueña de una  pensión de la costa inglesa a dónde se traslada a temporadas en busca de inspiración y que será su apoyo y su compañía cuando le llegan los momentos de la soledad, de la vejez y la enfermedad.

Con una mirada reveladora y alejándose del biopic autobiográfico, Leigh y su director de fotografía Dick Pope nos presentan una cinta de trazo impecable, detalles minuciosos y una estructura totalmente creativa, con escenas encuadradas tras los marcos de puertas y ventanas que le aportan un romanticismo esmerado en dar profundidad a lo íntimo, a lo que ocultan los personajes en cada momento, convirtiendo así al espectador en un observador constante de cada escena. La película así mismo, atiende por encima de todo al factor humano y dramático y la cámara escruta en su interior, en sus contradicciones, en sus miserias y va componiendo la imagen de un ser a menudo desconcertante, anárquico, pero también vulnerable aunque con bastante tendencia al egoísmo.

La interpretación de Timothy Spall, recordado por películas como “El cielo protector” o “Cazador blanco, corazón negro”, entre muchas otras, es magnífica. Reencarna a un Turner huraño, rozando muchas veces la locura, y excéntrico en busca de la perfección. Ha sido premiado además de en el Festival de Cannes, en Sevilla, por el Círculo de Críticos de Nueva York y Premios del Cine Europeo. El resto del reparto está a la altura, destacando las maravillosas interpretaciones de Jaime Thomas King, Roger Ashton-Griffiths, Robert Portal, Lasco Atkins y John Warman.

En definitiva, “Mr. Turner” es una película valiosa, bien enmarcada y con una magnífica interpretación.  Una joya imprescindible, no sólo para los amantes de la pintura sino también para los amantes del buen cine.

Y como ya sabéis, podéis disfrutar de ella pasando por la biblioteca DVD PE 4316. ¡No os la podéis perder!

 

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CINEMA PARADISO – La entrega

Esta semana quiero recomendar una película un poco especial, se trata de “La entrega”, último trabajo y estreno póstumo, del gran James Gandolfini.

“La entrega” es un drama criminal que cuenta con un guión de Dennis Lehane, (autor así mismo de las novelas Suther Island o Mystic River y guionista de series tan prestigiosas como Boardwalk Empire o The Wire), basado en su relato corto “Animal Rescue”. Está dirigida por el belga Michael R. Roskam. Tom Hardy y Noomi Rapace forman junto a James Gandolfini  el trío principal de actores. Este último falleció antes de estrenar la película, por lo que también nos permite despedirnos del gran actor en cuya carrera ha destacado un papel recurrente,  el de mafioso que le iba como anillo al dedo.

La película nos muestra cómo el crimen organizado se vale de los bares de Brooklyn para actuar como intercambiadores para el blanqueo de dinero. No son lugares especiales sino cotidianos, a la vista de todos, en donde se reúnen los parroquianos para ver el fútbol o tomarse una copa a la salud de los que ya no están.

El punto de inflexión en la historia se produce cuando Bob Saginowski, al que interpreta Tom Hardy, un solitario barman que se gana la vida junto a su primo Marv (James Gandolfini), descubre un cachorro de pitbull maltratado en la basura y lo salva de una muerte segura, entrando así en contacto con Nadia (Noomi Rapace), que es una misteriosa mujer marcada por el pasado. Sin embargo descubre que el perro ya tiene dueño, un hombre desequilibrado y peligroso que ha estado en prisión y quien viene para reclamar lo que dice que es suyo.

El primer plano de la película es el puente de Brooklyn reflejado en el agua y bien podemos decir que esa misma imagen invertida es la que vamos descubriendo a medida que avanza la trama puesto que nada es lo que parece, y Roskam nos traslada ese mismo sentimiento mostrándonos en varias ocasiones giros de cámara que nos hacen recorrer 180 grados.

No se trata de un thriller de ritmo acelerado como el cine al que estamos acostumbrados últimamente. El director nos presenta la normalidad de un mundo que aparece como cotidiano gracias a sus correctísimos planos y a su acertado ritmo, no muy rápido precisamente para que no se escape la sensación de normalidad, y no muy lento para no desesperar a los espectadores más inquietos. Mientras que Lehane aporta una historia en la que una acción simple como es el rescate de un cachorro maltratado y tirado a un cubo de basura, aparece como el mayor conflicto al que se ha enfrentado Bob, el camarero que parece algo corto de entendimiento.

“La entrega” no es una película típica. En   ella, la trama se toma su tiempo para arrancar y llevarnos a situaciones límite hacia el final  a través de un crescendo de la tensión narrativa hasta llegar al clímax de la cinta, momento en el que los personajes se quitan las caretas como si de un baile de máscaras se tratara.

En definitiva, ‘La entrega’ es un thriller que prefiere construir la tensión a partir de las relaciones entre sus personajes, tomándoselo todo con calma, pero sin por ello sabotear una adecuada evolución de la historia. Y si algo hay que destacar es la calidad y la brillantez en la interpretación de sus protagonistas. Absolutamente recomendable. Y como siempre la podéis encontrar en la biblioteca DVD PE 4256.

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CINEMA PARADISO – La familia Bélier

Esta semana vuelve el cine francés, que como muchos ya sabéis, es otra de mis pasiones. Se trata de “La familia Bélier”, que fue número uno en Francia en su estreno, durante tres semanas, con más de siete millones de espectadores, y esto ya nos dice mucho de ella.

Es la sexta película del director francés Eric Lartigau y es la primera de este director que tiene éxito en nuestro país. La música está muy presente en la película a través de la maravillosa voz de la chica protagonista Louane Emera, producto del televisivo programa “La Voz” y que ya vuela en solitario en el mundo de la música y despunta así mismo en el mundo de la interpretación.

La banda sonora contiene varios temas de Michel Sardou y encaja perfectamente con la película, como si hubiesen sido encargados para tal propósito.

Realizar una película cuyos protagonistas son cuatro miembros de una familia de la que tres son sordos, no es tarea fácil, sobre todo porque en principio, el mecanismo parece completamente alejado de la esencia del lenguaje cinematográfico actual y “La familia Bélier” está repleta de diálogos, por lo tanto, o la imagen se llena de subtítulos que traducen al espectador el lenguaje de los sordos, o bien se repiten las frases por parte de los roles sin dificultades en su capacidad auditiva y vocal para traducir, con lo que la acción se ralentiza. Esto Lartigau lo soluciona con sencillez, simpatía, naturalidad humor e incluso humanismo, a través de unos magníficos intérpretes que hacen suyos unos personajes adorables tanto en sus virtudes como en sus defectos.

Se trata de una comedia de la campiña francesa. En uno de esos pueblecitos en dónde todo el mundo se conoce, la familia Bélier es víctima de un conflicto principal fascinante: el hecho de que la hija adolescente, que es la única que puede oir y hablar, resulta ser una superdotada para el canto, talento que su familia no puede ni entender ni admirar. Con estos ingredientes se produce una mezcla de originalidad y valentía que sobresale por encima de su puesta en escena.

El sentimiento verdadero que muestra toda la familia, el humor que sabe aportar el director y la emotividad constante sirven en bandeja una comedia que tiene de todo, pero fundamentalmente, una gran belleza interna.

Y como siempre la podéis encontrar en la biblioteca DVD PE 4266

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