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CINEMA PARADISO – El renacido

En este mes de premios cinematográficos, seguimos recordando películas que triunfaron en los Premios Oscar y esta semana quiero reseñar “El Renacido”, película estrenada en diciembre de 2015, que fue nominada en doce categorías a los Premios Oscar y que finalmente obtuvo el Oscar a Mejor Director para Alejandro González Iñárritu, Mejor Actor para Leonardo di Caprio y Mejor Fotografía para Emmanuel Lubezki. También fue galardonada con cinco Premios Bafta y tres Globos de Oro entre otros muchos.

Se trata de una película semi-biográfica, con guion del propio director y de  Mark L. Smith, en una adaptación de una parte de la novela de Michael Punke, del mismo nombre y basada en un personaje histórico, Hugh Glass, trampero y explorador de inicios del siglo XIX.

Quizás lo más destacable de ésta película no sea la historia en sí misma, sino su realización técnica. Creo que en ese sentido estamos ante Cine con mayúsculas. La fotografía es absolutamente magistral y la cámara se mueve de esa manera que muy pocos directores dominan, entre ellos González Iñarritu. Ya desde el inicio, la película se muestra tremendamente brutal presentando a dos personajes en medio de una batalla entre indios y colonos en la que podemos apreciar que la violencia bien rodada también puede ser sinónimo de belleza.

Cabe destacar la interpretación de Leonardo Di Caprio con la que obtuvo un merecido Oscar a Mejor Actor . Papel en el que además, demuestra tener una potencia física impresionante al alcance de muy pocos actores. Refleja de manera magistral los sentimientos del personaje, sus ansias de venganza por encima de cualquier circunstancia, y todo ello a penas sin articular palabra.

En el otro extremo tenemos al villano, interpretado por Tom Hardy que lo borda haciendo de tipo despreciable y del que vale la pena no perderse la versión original para apreciar el acento que aporta a su interpretación para identificarse con un  paleto de principios del siglo XIX en la américa más profunda.

Dentro de los aspectos técnicos, como no, destacar la maravillosa fotografía de Lubezki que roza la perfección. Los bosques nevados, los ríos helados, los gélidos desiertos están magníficamente transmitidos. A esto le ayuda el sonido también excepcional y que contribuye a introducirnos por completo en la pantalla.

El director, como ya he comentado, es uno de los puntos fuertes de la película con su magistral manejo de la cámara. Iñárritu se recrea en cada detalle, en cada gota de agua, en cada chispa de fuego, para de esa manera, hacernos sentir casi lo que el protagonista siente en cada momento.

La película es una revisión del western con todos los elementos que lo caracterizan; la venganza, la violencia, la supervivencia, incluso la suciedad, y todo realizado en el momento actual pero sin perder un ápice de la esencia de los mejores tiempos del género. Lo que ocurre en la cinta es la vida propiamente dicha, no hay idealización de la existencia o de cómo debería de ser.

En definitiva creo que es una gran historia con una magnífica puesta en escena, algunas metáforas visuales de lo más acertado y todo ello en un guion en dónde se encumbran los silencios y no porque el texto sea malo sino porque los silencios son aún mejores y todo esto unido a unas interpretaciones magistrales.

En mi opinión es una película imprescindible en la historia de los Premios Oscar y que creo que nadie debería perderse. A mí me gustó mucho.

Si te apetece verla, ya sabes que no tienes más que pasar por la biblioteca y llevártela a casa en préstamo. DVD PE 4439

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CINEMA PARADISO – Tarde para la ira

El pasado fin de semana se entregaron los Premios Goya que concede la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas. El cine español está de fiesta y es por eso que esta semana quiero reseñar la cinta “Tarde para la ira”, un thriller dirigido por Raúl Arévalo y protagonizado por Antonio de la Torre entre otros, que obtuvo el galardón a Mejor Película en la edición del pasado año. Fue nominada para 11 categorías y se alzó con cuatro premios Goya; el ya mencionado a la  Mejor Película y además, Mejor Dirección Novel, Mejor Actor de Reparto para Manolo Solo y Mejor Guion Original para Raúl Arévalo y David Pulido.

La película se desarrolla en un ambiente rural de la España profunda, en cierta semejanza con la también premiada y protagonizada por el propio Raúl Arévalo, “La isla Mínima” y que responde al mismo tipo de cine, en donde el crimen, la venganza y la tragedia marcan el guion, muy influenciado por ese  tipo de cine que se hacía sobre todo en los años 70 en España y que nos recuerda nombres de directores como Pedro Olea, Mario Camus o Víctor Erice.

Muestra personajes profundos, complejos y muy bien dibujados, creando una atmósfera asfixiante y personalísima, sin trampas en el guion y con magníficas localizaciones que le dan a la película una personalidad propia. A eso ayuda también una magnífica banda sonora y unas interpretaciones de sobresaliente. Antonio de la Torre está magistral de principio a fin, Se adapta al personaje como a un guante, quizás porque Raúl Arévalo confesó que diseñó el personaje pensando en él.

Creo que es una película que habla de la muerte en vida, de la desesperación y el odio, y de cómo el rencor y la venganza forman parte del ser humano; es la sensación de que el tiempo nunca cura el dolor auténtico.  El debut de Raúl Arévalo como director seguro que no va a dejar indiferente a nadie. Creo que es una película emocionante, muy bien dirigida y con una narración muy limpia. El director utiliza muchos primeros planos para conseguir transmitir con más eficacia las emociones de los personajes. Esto unido al grano de la cinta, hacen que la atmosfera sea más opresiva y transmita calor.

El guion, a pesar de ser sencillo y nada novedoso, está muy bien construido y sin embargo podemos decir que éste sería el aspecto más flojo de la cinta, que es una de las mejores películas que se han hecho en España últimamente. Disfruté mucho apreciando el avance y la evolución de los personajes, especialmente del dúo  De la Torre y Calleja que se complementan a la perfección y que transmiten esa tensión opresiva en todo momento.

“La venganza se sirve fría” y “tarde es para la ira” pero la venganza viene cuando viene y vemos cómo los acontecimientos se precipitan mostrando un espectáculo frio y tenso en el que el director no se regodea sino que simplemente lo muestra.

Me parece una excelente película y fue una sorpresa para mí descubrirla. No falta ni sobra nada; ninguna escena que podría haberse suprimido. Es dura, arriesgada, precisa y desoladora al mismo tiempo. Altamente recomendable.

Y ya sabéis. Es tiempo de frio, es tiempo de cine y nada mejor que pasar la tarde con una película al calor del hogar. Pasa por la biblioteca y llévatela. DVD PE 4466

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CINEMA PARADISO – Blancanieves

Después de unas vacaciones en el mes de diciembre  y una baja por enfermedad durante el mes de enero, vuelvo a retomar mi actividad laboral y con ella la reseña semanal de cine como viene siendo habitual desde hace unos años.  Estoy feliz de poder hacerlo de nuevo.

El próximo fin de semana se van a fallar los Premios Goya, la fiesta del cine español por excelencia. Son los galardones que anualmente otorga la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España con el fin de premiar e incentivar  a los mejores profesionales y a los mejores trabajos de las distintas categorías  del sector durante el año anterior a la entrega del galardón. El nombre de “Goya” se debe a que la estatuilla con la que se premia es un busto de Goya pues se pensó que el genio había tenido un concepto pictórico muy cercano al cine ya que en muchas de sus obras se puede apreciar un tratamiento secuencial; además se trataba de un nombre corto, a semejanza de otros grandes premios del cine.

La primera edición tuvo lugar en marzo de 1987 en el teatro Lope de Vega de Madrid y desde entonces se ha celebrado cada año. Sólo un año la gala ha salido de Madrid para celebrarse en Barcelona pero salvo en esa ocasión, siempre se celebra en Madrid.

En el año 2012 obtuvo el galardón  en la categoría de “Mejor Película” precisamente la que quiero reseñar hoy como homenaje a los Premios Goya. Se trata de “Blancanieves”, una película muy peculiar sobre todo en su formato, pues se trata de una película muda, en blanco y negro y con la música como hilo conductor.

Su director, Pablo Berger, y en general todo el equipo se llevó un varapalo cuando, después de años de duro trabajo y estando la película a punto de presentarse, saltó la noticia de que The Artist, película también muda y en blanco y negro,  se había estrenado y con gran éxito, como luego demostró en los Oscar.

Lo cierto es que, tras su estreno, la película cautivó al público de las salas. Lluis Bonet Mujica, de La Vanguardia comentó de ella que: “Podía ser un disparate, más penoso que hilarante, pero aparte de su fascinante poder visual, la película combina maravillosamente el humor negro, la sátira social y un tono cercano al gran cine expresionista alemán”.

Su director dijo de ella que en Japón por ejemplo fue un acontecimiento inesperado y que la historia encontró sentido “al saber que es una historia que conecta, que habla de acciones, de sensaciones. Las pasiones no son tan lejanas entre nosotros”.

Como todo el mundo sabrá ya a estas alturas, se trata de una versión bastante especial del cuento del mismo nombre de los hermanos Grimm, en la que no faltan los enanitos, la madrastra o el padre engañado y cómo no, Blancanieves. Se desarrolla en España en los años veinte del pasado siglo en un  país lleno de tópicos.

Posee un enorme poder visual con una magnífica fotografía y es una de las películas más sorprendentes de los últimos años; una audaz apuesta que primero sorprendió y después convenció. A mí personalmente me encantó.

La interpretación de Maribel Verdú como la malísima madrastra o Macarena García como la inocente Blancanieves son dignas de reseñar. Así mismo se han cuidado todos los detalles y posee una  plástica abrumadora, fruto del gran equipo técnico que la llevó a cabo, no sin dificultades ya que les costó mucho encontrar la financiación suficiente para la que se consideraba una apuesta arriesgada y que gracias al empeño de su director, consiguió ver la luz.

No en vano fue nominada en su día en 18 categorías para los premios Goya, ganando 10 de las mismas, entre ellas Mejor Película, Mejor Actriz Protagonista o Mejor Actriz Revelación, Mejor Música Original o Mejor Canción Original  entre otras.

Así mismo obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de cine de San Sebastián, así como la Concha de Plata a la Mejor Actriz para Macarena García.

En la edición de ese mismo año de los Premios José María Forqué obtuvo dos importantes galardones y así un largo etcétera. Cuando  una película es merecedora de tal cantidad de premios, lo más probable es que sea buena de verdad, y ese es su caso. Por lo tanto estamos ante una buena película que merece la pena ser vista.

Y como siempre, es tan fácil como pasar por la biblioteca, sacarla en préstamo y disfrutarla en casa. DVD PE 3781

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CINEMA PARADISO – La modista

Un pueblucho polvoriento y aparentemente vacío, luces escasas y amarillentas, una mujer encara la calle desierta, sin asfaltar, cual vaquero dispuesto a disparar al bandolero que tiene enfrente, ella también lleva un arma: una Singer. Y piensa usarla. Va a disparar a base de puntadas, ha planeado su venganza, pero antes necesita información. Fácil, sólo tiene que amenazar sutilmente a algunas personas, ¿Quieres uno de mis vestidos? Tendrás que pagarlo y cuesta cierta información.

Parece que de nuevo tenemos una película de una mujer que regresa a su pueblo natal. Es  curioso lo poco originales que podemos ser, si vamos a la esencia de las cosas, no existen tantos temas sobre los que contar algo, lo único que cambia es la forma de contarlo. Aquí el regreso a los orígenes no está justificado por una enfermedad familiar, como ocurría en la película de la semana pasada (Brooklyn), aunque también haya un familiar enfermo, si no por el deseo de venganza de la protagonista.

A esta película australiana, dirigida por Jocelyn Moorhouse, la han etiquetado como batiburrillo de géneros, estilos y formas. Y sí, es así.  Aunque no sé si quienes la critican de esto saben coser, pues al fin y al cabo un vestido no es más que el resultado final de mezclar papeles, medidas, patrones, telas, adornos… Después de trabajar con todos ellos, haciendo y deshaciendo pruebas, combinando materiales, se logra dar con el resultado final satisfactorio. En este sentido, es cierto que esta cinta tiene ecos de películas del oeste, de dibujos (la figura de Jessica Rabbit me ha venido varias veces a la cabeza), de comedia a veces negra y otras cómica sin más, de romanticismo, de aventuras, de cine social, de drama… Distintos géneros, pero todos usados para lo mismo, porque al fin y al cabo una misma cosa puede contarse de muchas maneras ¿no decíamos eso un poco más arriba?

Quizás sea verdad, como dicen los que realmente saben de esto, que esta amalgama provoca una distancia insalvable que no permite al espectador meterse en ella. No sé, será porque yo sé bastante menos, pero no me ha resultado tan difícil. Puedes ver un vestido acabado o puedes ver más allá si conoces los procedimientos de fabricación, y  de una forma u otra, no dejas por ello de ver el vestido, o la película.

Pero vamos a la historia, ¿qué se cuenta aquí realmente y dejando a un lado los géneros? Pues la historia de una chica que durante su infancia fue maltratada por la mayoría de sus vecinos y compañeros y obligada a abandonar el pueblo después una extraña muerte.

Tras vivir en varias partes del mundo y convertirse en una modista reconocida, Tilly (Kate Winslet) vuelve buscando respuestas, sabe que todos la consideran culpable, pero ella no está del todo segura. Y ya no es una niña asustada, ahora es una mujer segura de sí misma, fuerte, que ha sabido sobreponerse a todos ellos. ¿Algo desequilibrada? Como para no estarlo con semejante pasado.

A su regreso encuentra que hay muchas cosas que no han cambiado. Y tendrá que hacer un gran esfuerzo para conservar la calma más de una vez, según vaya conociendo algunos datos, hasta que pueda por fin llevar a cabo su venganza. Pero hasta entonces el amor se cruzará en su vida y también el miedo, la maldad y la tragedia.

Hay personajes odiosos desde el principio (el farmaceútico, el “alcalde”, la maestra…) y hay también otros magníficos, especialmente la madre, Molly, interpretada por Judy Davis, disparatada y divertida a parte iguales. Teddy (Liam Hemsworth), el honrado y trabajador chico guapo. Y por supuesto el sargento Farrat, un tipo curioso al que la moda vuelve loco y a quien para nada esperas encontrar en un lugar así, aportando el toque más frívolo, magnífico ante el árbol de espejos o cuando abandona el cargo como un auténtico matador typical spanish.

Así que ya sabes, si quieres ver algo diferente, alocado y fresco, puedes encontrar esta película en la Biblioteca Miguel de Cervantes con la signatura DVD PE 4440.

Espero que os guste.

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CINEMA PARADISO – Begin again

Hoy os traigo una película muy musical, de la mano del director de Once (una de mis películas favoritas, por cierto), John Carney. La película se llama Begin again, que podíamos traducir como empezar de nuevo, y sí, se puede decir que es una película de segundas oportunidades.

Os cuento un poco de qué va la cosa: Gretta (Keira Knightley) y Dave (Adam Levine), son una pareja enamorada a la par que compañeros compositores, que llegan a Nueva York cuando él firma un acuerdo con un importante sello discográfico. Pero su recién adquirida fama pronto tienta a Dave y deja de lado a Gretta, cuyo mundo se viene abajo. Cuando Dan (Mark Ruffalo), un ejecutivo discográfico en horas bajas, descubre a Gretta durante una actuación en los escenarios del East Village, queda cautivado al instante por su talento y le propone empezar a trabajar juntos. Una colaboración que les transformará a ambos, a la vez que compondrá la banda sonora de un maravilloso verano neoyorkino.

Bueno, os suena la historia ¿verdad? Otro tipo al que se le ha subido la fama a la cabeza y deja «tirada» a su preciosa novia. Pues sí, un poco de esto tiene, pero aunque ya nos sepamos un poco de qué va, la película funciona, y funciona por dos motivos: por un lado, por su magnífica banda sonora, y por otro, por el elenco de actores. Decir que el papel de Dave está interpretado por el cantante de la banda Maroon 5, así que el chaval prácticamente sólo tuvo que interpretarse a sí mismo. Pero si hay que destacar a algunos de los personajes, estos son los que interpretan Keira Knightley y Mark Ruffalo, Gretta y Dan en la película (quiero hacer un apunte para decir que Keira pone su voz a las canciones, y por cierto, no lo hace nada mal). La química que existe entre ellos es evidente y sobre sus actuaciones recae el peso de la película, ya que realmente podríamos decir que el argumento se centra sobre todo en la amistad que surge entre ambos, en cómo esta amistad hace de amortiguador para los duros momentos que está pasando Gretta, y al mismo tiempo es un reconstituyente para Dan, personaje en el que vemos una evolución espectacular en la película, tanto en lo profesional como en lo familiar. El camino que recorren ambos a lo largo del metraje, les hace madurar. Maravillosas también las actrices secundarias Hailee Steinfeld y Caherine Keener, que interpretan a la hija y la «ex-mujer» de Dan, respectivamente.

Como dije antes, uno de sus fuertes es la banda sonora (fue nominada a mejor canción tanto en los Oscars de 2014 como en los Critics Choice Awards). Danielle Brisebois, Nick Lashley, Rick Nowels y Nick Southwood trabajaron juntos en la elaboración de la misma, además de contar con la participación de artistas como John Carney, director de la cinta, y Glen Hansard, actor/cantautor protagonista de la celebrada Once.  La película podríamos decir que es muy similar a Once: dos apasionados de la música, chica joven y hombre maduro, que arrastran heridas, y cuyo encuentro será beneficioso para ambos, con la diferencia de que aquí los actores protagonistas son estrellas mediáticas, al contrario que en Once, dos desconocidos que prácticamente se interpretaban a ellos mismos, y el escenario pasa de Dublín a Nueva York. Observen el cartel de ambas, muy similares ¿no?

 

Es cierto que se pueden parecer, pero yo me sigo quedando con Once. Supongo que no me la esperaba, quizás nadie se la esperaba, por el enorme éxito que cosechó. Tal vez, por ser actores anónimos, la sentimos más real, más nuestra, y por supuesto, por esa banda sonora brutal (si queréis saber más sobre Once podéis pinchar aquí y leer la reseña que ya le hice  en su día).  Aunque sienta cierta debilidad por Once, esta película también me gustó mucho, rezuma frescura y naturalidad, y tiene un cierto grado de optimismo muy reconfortante (a todos nos gustan las historias que acaban bien). A esto tengo que añadir que me gustan todos los actores (bueno el cantante de Maroon 5 por el papel que tiene que interpretar, un poco menos), y todos están maravillosos. Una película muy indie, de esas que te dejan un buen sabor de boca, y que te gusta volver a ver (yo de hecho creo que la voy a ver esta noche). Así que ya sabes, una magnífica elección para estos días de lluvia.

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CINEMA PARADISO – Una pastelería en Tokio

Esta semana le toca el turno al cine japonés, concretamente a una de las últimas películas de la reputada cineasta Naomi Kawase. Desde su comienzo, la película ya va desvelando las señas de identidad que presentará a lo largo de sus 113 minutos de duración: un ritmo pausado, una profunda caracterización de los personajes, un estilo narrativo casi sacado de un cuento y, sobre todo, una atmósfera muy íntima en la que es muy difícil no verse atrapado.

Mediante lo que no deja de ser una historia pequeña y simple sobre las tribulaciones de un pastelero malencarado, una sabia anciana especialista en la elaboración de pasta de alubias de la que van rellenos los Dorayaki, y una estudiante taciturna, la cineasta ha hecho con uno de los dulces más populares de la gastronomía japonesa lo que mejor se le da: señalar la profunda importancia de los aspectos más sencillos y cotidianos de la existencia; algo que conecta perfectamente con su faceta como narradora de extraordinaria sensibilidad y delicadeza  para las historias humanas.

Los Dorayaki funcionan como el elemento común que une a estos personajes de tres generaciones en una tragicomedia de cocción lenta y sabor dulzón con su puntito de amargura (esto último, una vez llegado el momento de revelar la misteriosa procedencia de la anciana,  que desde su primera aparición ya se intuye “impactante”). No obstante, pese a distraerse con imágenes recurrentes de cerezos en flor y cigarrillos en la azotea, Kawase sabe modular las dosis para no empalagar; al contrario, deja con ganas de un bocado más.

 

Esta facilidad que tiene “Una pastelería de Tokio” para hacernos entrar en su dinámica argumental tiene su razón en el respeto con el que Kawase se dirige al relato que está  basado en la novela original de Durian Sukegawa. No es demasiado lacrimógena aunque tampoco leve ni superficial. La historia está estructurada de una manera clara, sin demasiados alardes formales, algo clásica en su desarrollo pero muy lejos de resultar previsible, ya que cada escena siempre aporta algo diferente al conjunto.

Cada personaje está muy bien definido;  nada sobra y poco se echa en falta. Kawase huye de los tópicos para realzar el  oscuro pasado de los personajes y la triste realidad que les acecha; no quiere dar nada por sabido pero tampoco pretende abrumarnos con flash-backs o explicaciones innecesarias. La cineasta pretende sensibilizar a través de lo que no se ve en lugar de explicitar demasiado las reacciones de sus protagonistas, lo cual redunda en un completo éxito a la hora de que la  película sepa transmitir un torrente de emociones.

Quizás el aspecto menos satisfactorio gira en torno a Wakana, cuyo papel promete ser muy relevante conforme avanza la primera mitad de la película pero que finalmente no termina de despegar. Aunque su personalidad está trazada de un modo más que correcto, ciertos detalles que Kawase nos enseña acerca de la relación con su ¿madre? y compañeras de clase, terminan por alejarse del terreno del suave misterio para caer en un pozo, ya que da la sensación de que el carácter de la chica en las escenas finales es demasiado similar al que contemplamos en un principio. En cualquier caso, no deja de ser una cuestión menor dentro de una acertada obra.

Más deliciosa incluso que los Dorayaki, sobre los que gira la película, “ Una pastelería en Tokio” permite ser saboreada al estilo de un dulce que debe comerse muy despacio; algo necesario para saber degustar cada detalle que Kawase nos ofrece  con esta obra. Quizá aquellos que tengan un particular interés por la cultura japonesa y, en general por la vida en Japón, puedan apreciar las virtudes de la película por encima  de lo que realmente se merecería, pero como el cine muchas veces no entiende tanto de cuestiones racionales sino de la transmisión de puros sentimientos, no hay motivos de peso para rechazarlos, sobre todo cuando estamos hablando de una cineasta que sabe transmitir tantas cosas a través de su obra. Es, por tanto, una de esas películas que te hacen levantarte del asiento con una sonrisa de oreja a oreja.

Y ya sabéis, como siempre, dónde podéis encontrarla. No tenéis más que pasar por la biblioteca. DVD PE 4415

 (Fuentes: www.cinemaldito.comcinemania.elmundo.es)

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CINEMA PARADISO – Carol

Película basada en la novela homónima de la gran Patricia Highsmith,  con 6 nominaciones a los Oscar, actriz principal, actriz secundaria, guion adaptado, fotografía, banda sonora y vestuario, todas ellas muy merecidas. Muy aclamada en Cannes, sin embargo no le fue igual de bien en los Bafta.

Bajo mi punto de vista “Carol” es una buena película, de esas películas atemporales que están por encima de cualquier galardón mutado en algo decorativo, la mayoría de las veces, como la historia ha demostrado sobradamente, con valor nulo más allá del populismo. Se trata de una  película que tiene un poco de todo.

En ella se pone de manifiesto el amor de su director por el cine clásico. Carol es una declaración de amor a un cine de otra época pero desde una perspectiva actual que intenta recuperar un cine de antes pero con la visión de hoy.

Es una película minuciosa hasta el último detalle, incluso su director se permite bajar la calidad de 35 milímetros a 16 para conseguir un efecto más de los años 50. Todd Haynes prefiere priorizar lo sutil sobre lo evidente, de ahí su mimo desde el acabado de la película, la  composición de los planos, hasta el vestuario, la fotografía u otros aspectos  técnicos. Por eso cuesta mucho encontrar el más mínimo defecto a “Carol”, ya que no solamente sirve para realzar la delicadeza del relato, sino que también dota a la película de una belleza visual indiscutible.

Ya desde la primera escena muestra la enorme elegancia de Haynes, cuando partiendo de una alcantarilla hace un largo e intenso plano de travelling descriptivo, siguiendo a un personaje que entra en un local en el que se encuentran las protagonistas de la historia, haciendo así un símil con la oscuridad de la homosexualidad en la época en la que dicho comportamiento era casi peligroso.

La historia de amor las cambia a ambas; son muy diferentes desde su primer encuentro en una tienda de juguetes al último en el restaurante. Si al inicio dela película Therese cree ver a Carol y ello desencadena el flashback, en el último tramo es Carol quien ve a Therese a través de la ventanilla de un coche; más tarde en la mesa en la que las vemos por primera vez le soltará un contundente y sincero “te amo”.

El peso del paso del tiempo entre dos personas enamoradas y distanciadas también se hace evidente en ésta cinta. No sólo se dan cuenta de que las dos han mejorado como personas durante el tiempo que han estado separadas sino que también ambas salen fortalecidas.

El final es igual que el de la novela, pero con los recursos del cine, alcanza niveles mucho mayores. Haynes corta en el momento adecuado, les ha concedido el mejor instante de sus vidas, aquel en el que todas las cartas se han puesto sobre la mesa. No es necesario que veamos lo que ocurre porque todos ya lo conocemos, sea bueno o malo, hayan vivido la mejor de las vidas o no, eso sólo les corresponde a ellas. La mirada final entre las dos, con un sencillo plano y un leve movimiento de cámara, eleva emocionalmente el instante y lo dice absolutamente todo.

En definitiva, “Carol” es un perfecto ejemplo de belleza audiovisual. Altamente recomendable.

Y como siempre, no tienes más que pasar por la biblioteca y llevártela a casa. DVD PE 4461

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