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CINEMA PARADISO – La entrega

Esta semana quiero recomendar una película un poco especial, se trata de “La entrega”, último trabajo y estreno póstumo, del gran James Gandolfini.

“La entrega” es un drama criminal que cuenta con un guión de Dennis Lehane, (autor así mismo de las novelas Suther Island o Mystic River y guionista de series tan prestigiosas como Boardwalk Empire o The Wire), basado en su relato corto “Animal Rescue”. Está dirigida por el belga Michael R. Roskam. Tom Hardy y Noomi Rapace forman junto a James Gandolfini  el trío principal de actores. Este último falleció antes de estrenar la película, por lo que también nos permite despedirnos del gran actor en cuya carrera ha destacado un papel recurrente,  el de mafioso que le iba como anillo al dedo.

La película nos muestra cómo el crimen organizado se vale de los bares de Brooklyn para actuar como intercambiadores para el blanqueo de dinero. No son lugares especiales sino cotidianos, a la vista de todos, en donde se reúnen los parroquianos para ver el fútbol o tomarse una copa a la salud de los que ya no están.

El punto de inflexión en la historia se produce cuando Bob Saginowski, al que interpreta Tom Hardy, un solitario barman que se gana la vida junto a su primo Marv (James Gandolfini), descubre un cachorro de pitbull maltratado en la basura y lo salva de una muerte segura, entrando así en contacto con Nadia (Noomi Rapace), que es una misteriosa mujer marcada por el pasado. Sin embargo descubre que el perro ya tiene dueño, un hombre desequilibrado y peligroso que ha estado en prisión y quien viene para reclamar lo que dice que es suyo.

El primer plano de la película es el puente de Brooklyn reflejado en el agua y bien podemos decir que esa misma imagen invertida es la que vamos descubriendo a medida que avanza la trama puesto que nada es lo que parece, y Roskam nos traslada ese mismo sentimiento mostrándonos en varias ocasiones giros de cámara que nos hacen recorrer 180 grados.

No se trata de un thriller de ritmo acelerado como el cine al que estamos acostumbrados últimamente. El director nos presenta la normalidad de un mundo que aparece como cotidiano gracias a sus correctísimos planos y a su acertado ritmo, no muy rápido precisamente para que no se escape la sensación de normalidad, y no muy lento para no desesperar a los espectadores más inquietos. Mientras que Lehane aporta una historia en la que una acción simple como es el rescate de un cachorro maltratado y tirado a un cubo de basura, aparece como el mayor conflicto al que se ha enfrentado Bob, el camarero que parece algo corto de entendimiento.

“La entrega” no es una película típica. En   ella, la trama se toma su tiempo para arrancar y llevarnos a situaciones límite hacia el final  a través de un crescendo de la tensión narrativa hasta llegar al clímax de la cinta, momento en el que los personajes se quitan las caretas como si de un baile de máscaras se tratara.

En definitiva, ‘La entrega’ es un thriller que prefiere construir la tensión a partir de las relaciones entre sus personajes, tomándoselo todo con calma, pero sin por ello sabotear una adecuada evolución de la historia. Y si algo hay que destacar es la calidad y la brillantez en la interpretación de sus protagonistas. Absolutamente recomendable. Y como siempre la podéis encontrar en la biblioteca DVD PE 4256.

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CINEMA PARADISO – El sueño de Ellis

La isla de Ellis, también llamada “la puerta del paraíso” es una isla situada junto a la Estatua de la Libertad en Nueva York, por la que millones de inmigrantes pasaban antes de iniciar una nueva vida en Estados Unidos, que no siempre fue mejor que la que dejaron en Europa. Movidos, unos por la aventura, otros por no pasar hambre…, todos compartían el mismo objetivo, tener más calidad de vida y un futuro para ellos y sus familias.

Apenas una hectárea de tierra fue la puerta del sueño americano de aproximadamente doce millones de europeos entre 1892 y 1954 y que ya en 1890 se había convertido  en el Centro Federal de Inmigración, el gran filtro para el flujo migratorio transatlántico.

A principios del siglo XX, los emigrantes comenzaron a ser un negocio para las grandes compañías navieras que entraron en una competencia feroz por reducir el precio del pasaje. En 1904 el pasaje de tercera clase costaba sólo 10 dólares, por lo que viajar a América estuvo al alcance de los más pobres, aunque hubiera que sumarle dos dólares de “derechos de entrada”. Cientos de familias no dudaron en aventurarse a pesar de tener que vivir hacinados durante más de una semana de viaje en la cubierta y bodegas de los buques.

Aunque la Estatua de la Libertad era lo primero que veían los  inmigrantes, el trato a los viajeros de tercera clase dejaba mucho que desear. Colas de entre tres y cinco horas esperando la carta de admisión a una nueva vida que solo se concedía si se superaban los exámenes médicos, además de…”no ser un delincuente convicto ni retrasado mental, ni anarquista, ni epiléptico, ni promiscuo, ni mujer de mala reputación”.  En 1917 se impuso un nuevo filtro, había que saber leer y escribir. Y aun así, tanta restricción no pudo evitar la entrada masiva de inmigrantes de los que sólo uno de cada cien tomó el barco de vuelta. Estos inmigrantes contribuyeron en gran medida a la construcción de los Estados Unidos durante los siglos XIX y XX.

La película que recomiendo ésta semana, “La isla de Ellis” trata un tema de máxima actualidad en el mundo, de la mano de las medidas que la era TRUMP está imponiendo en el asunto de la inmigración en Estados Unidos. Narra la historia de algunos de estos inmigrantes de finales del siglo XIX y principios del XX y de las penalidades que hubieron de pasar precisamente en esta isla antes de entrar en la tan ansiada América. Me vuelvo a volcar en un tema histórico pues como muchos sabéis, me apasiona la historia.

Ewa, encarnada por Marion Cotillard, es una joven recién llegada a la isla de Ellis desde Polonia. La acompaña su hermana Magda, enferma de tuberculosis muy probablemente contraída en el barco, que es puesta en cuarentena antes de permitirle la entrada y Ewa hace lo que sea por salvarla, incluso depositar su confianza en Bruno (Joaquin Phoenix), un proxeneta a su manera, hasta que aparece Orlando ( Jeremy Renner), un mago primo de Bruno que le devolverá la esperanza de alcanzar algún día su sueño. Se trata de un melodrama que habla de prostitución y de engaño, de explotación y de salvación.

“El sueño de Ellis” utiliza recursos de un melodrama pero a ello le añade el gusto por los personajes imprevisibles y salvajes. De nuevo, el poco prolífico director James Gray (cinco películas en 20 años), le deja a uno con la sensación de estar ante un tipo de cine demasiado olvidado (en pro del desmesurado abuso de la acción y los efectos especiales en detrimento de un buen guión, de una buena historia); ese cine que solemos identificar con los grandes nombres de los setenta.

Tan sólo por eso, “El sueño de Ellis” vale la pena. Y como siempre, sólo tenéis que acercaros por la biblioteca para poder disfrutar de la película DVD PE 4264

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CINEMA PARADISO – El amor en los tiempos del cólera

El pasado domingo 23 de abril se celebró el Día Internacional del Libro, establecido por la UNESCO en el año 1995. Fue elegido el 23 de abril porque supuestamente fue la fecha de la muerte de dos genios de la literatura universal, Miguel de Cervantes y William Shakespeare y también del Inca Garcilaso.

Para celebrar el día del libro quiero recomendar una película que tiene mucho que ver con libros. Se trata de “El amor en los tiempos del cólera”, basada en la novela homónima del gran Gabriel  García Márquez, premio Nobel de literatura.

El amor en los tiempos del cólera fue la primera novela escrita por Gabriel García Márquez después de haber ganado el premio Nobel de Literatura en 1982. Los lectores estaban expectantes. Tal vez, el autor vivía con el temor de defraudarles, de no estar a la altura de sus anteriores obras que le habían llevado a ganar el codiciado galardón. Cuando por fin “El amor en los tiempos del cólera” se publicó en 1985, desde luego no defraudó ni un ápice ni a lector ni a escritor, de tal manera que aún sigue sin defraudar a todo aquel que lo lee, se ha convertido en lectura obligada y es un clásico de la literatura mundial.

Está inspirada en la historia de los amores contrariados de los padres de Gabriel García Márquez, y gracias a esos amores, los lectores podemos disfrutar de la auténtica poesía hecha prosa, de emocionarnos con cada palabra del señor Ariza e incluso del propio doctor Urbino. Sería un sacrilegio criticar la narración, la estructura o los personajes, que a mi modo de ver, rozan la perfección. Y por eso, simplemente me gustaría comentar la sensación indescriptible que me acompañó durante toda la lectura del libro. Una sensación que estuvo presente durante todo el tiempo,  Me sentía espectadora en el libro, vivía allí, sufría el cólera por otros y sentía los  amores de otros tantos, era capaz de ver y sentir hasta la pintura de las paredes, el movimiento de los árboles y  los sonidos del violín. Lloré con la muerte y con el desengaño y fui partícipe de todos los comentarios que allí se vertieron, hasta de miradas que insinuaban amor, odio e incluso, celos. “El amor en los tiempos del cólera” es una obra maestra y lo es tanto por la historia como por la forma de contarla, sumergiendo al lector totalmente, no sólo en su lectura, sino en lo que allí acontece. Todo esto es lo que la hace grande.

Me disculpo por hablar tanto de la novela y aún no haber empezado a comentar la película pero es mi homenaje al día del libro y creo que lo merece.

La película me fascinó, tanto en lo cinematográfico como en la actuación y en el guion, Sobre todo el guion. El genial  Ronald Harwood tomó una obra que es arte literario del más puro y escribió una versión que permitió realizar una película del más puro arte cinematográfico. El guion recoge con fidelidad y fervor el espíritu de la novela de García Márquez, y eso es todo lo que se necesita.

Si bien cubre períodos muy largos de la vida de los personajes, gracias a la atemporalidad creada en la obra, en ningún momento se produce nostalgia por algo que ya ha terminado, más bien lo que hay es añoranza por el futuro, por un futuro que cada día se confirma que no es como se desea que fuera aunque pudiera serlo. Florentino no perdió la esperanza durante 51 años de que al fin sucediera.

Mike Newell desarrolla cinematográficamente este planteamiento literario de forma exquisita, tanto en los diálogos como en las imágenes. Es una historia que estuvo muy bien contada por G.G.M., que ha sido inevitablemente abreviada pero certeramente recontada por Newell, con un magnífico guion.

Podéis disfrutarla, como siempre, acudiendo a la biblioteca a buscarla. DVD PE 3972

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CINEMA PARADISO – Hacia rutas salvajes

Esta semana quiero reseñar una película de hace 10 años pero una película de esas que dejan huella. Está basada en el libro de Jon Krakauer, del mismo título.

La película está magníficamente realizada e impecablemente interpretada. Su director, Sean Penn agita nuestro espíritu y nos hace reflexionar sobre nuestra propia existencia. Es una película en mi opinión, muy completa. Una estética perfecta, un guion a medida de los vagamundos de mente y conciencia libres y espíritu de optimismo en una sociedad que se lo lleva todo por delante. Es algo parecido a una oda a la vida, proponiendo la búsqueda de un camino propio lejos de modas y de sinsentidos, de vaivenes o de un nihilismo encubierto.

Otra de las constantes sobre las que reflexiona la película es la máscara, la apariencia, esa necesidad de ser otro para poder vivir en sociedad; una vida teñida de mentiras y secretos de la que su protagonista decide huir.

La historia de Cristopher nos ofrece un marco de reflexión que nos permite contemplar su peripecia desde distintas perspectivas y puntos de vista. Más allá del marco psicológico que, desde luego tiene su lugar, la historia nos ofrece otro marco de reflexión que se enmarca dentro del conflicto entre Civilización y Naturaleza y el alejamiento progresivo que para el ser humano implica la una de la otra. Se ha clasificado la aventura de Cristopher como una tontería sin sentido o una locura de un joven arrogante enfrascado en una loca y peligrosa aventura, de la misma manera que ha despertado la admiración por las motivaciones que parecía tener. La exaltación del mundo de la Naturaleza por encima de la Civilización aparece en muchas ocasiones como una compensación de la locura que nuestro mundo civilizado también imprime al ser humano. Las reflexiones de filósofos como Rousseau o Thoreau, o escritores como Tolstoi o Jack London (frecuentados por el joven Cristopher)  se han desplazado por esta tensión existente con la que el hombre vive dicho conflicto.

Si en algo ha acertado Sean Penn con su película ha sido en otorgarle un aura de grandiosidad que nadie podrá negarle. La majestuosidad con la que graba a Alexander Supertramp dentro de la naturaleza, quita el hipo. No cabe más que rendirse ante su poderío visual.

Da a entender que ha nacido porque quería contar esta historia, como si todo su empeño lo hubiese depositado en Alaska, como si los kilos que pierde el personaje también los perdió él en la elaboración de esta película. Sean Penn quiso que entráramos en la naturaleza con él.

La historia trata sobre un universitario prometedor de 22 años que decide un día dejar atrás a su familia en búsqueda de aventuras, pero sobre todo de libertad. Chris viajará sin dinero, buscándose la vida para ir de un lugar a otro y conociendo por el camino a otras personas que al igual que él no terminan de encajar en la sociedad.

El personaje principal está interpretado por el entonces prácticamente  desconocido, Emile Hirsch, un actor que con esta película da  toda una lección de interpretación. Su actuación sostiene todo el rato la película y lo hace de una manera magistral y ejemplar, realmente llega en algunos momentos a emocionar. Los secundarios también están fantásticos, desde Vince Vaughn a Hal Holbrook pasando por Catherine Keener.

En definitiva, se trata de  una de las mejores películas que se estrenaron en 2007. Sean Penn nos brinda una película brillante, única y con mucha personalidad propia y que le revalida una vez más como  un cineasta de prestigio. Lo mejor es verla sin saber mucho sobre su trama y dejarse llevar porque “Hacia rutas salvajes” es mucho más que una película, es una experiencia.

  

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CINEMA PARADISO – Dos días y una noche

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Después de mucho tiempo alejada de este foro, vuelvo de nuevo con una película que vi hace un par de años y que me gustó mucho por varias razones, pero la principal y más importante, es que aborda un tema muy en boga hoy día, como es la inseguridad laboral y los efectos que el capitalismo más desaforado tiene en la vida más íntima de los trabajadores.

Se trata de le película belga “Dos días y una noche”. La dirigen los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne, que representan el realismo cinematográfico contemporáneo. Está magistralmente interpretada por Marion Cotillard, nominada al Oscar a la mejor actriz por este trabajo y que da vida a Sandra, una mujer que trabaja en una compañía de energía solar y que se ve obligada a coger una baja por problemas de salud. Cuando se incorpora de esa baja, descubre que su empleo ha quedado en manos de sus compañeros  a quienes la empresa les ha dado la oportunidad de votar si aceptar de nuevo a su compañera o repartirse sus tareas y poder conservar así sus bonos de 1000 euros. Sandra tiene dos días para convencer a sus colegas de que le ayuden a conservar su trabajo, yendo de casa en casa, tragándose su orgullo y pidiendo la solidaridad de sus compañeros  en un intento desesperado por conservar su puesto.

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Se trata de una historia brillante, al límite de la ética, con muchísimos altibajos emocionales; una situación tremendamente difícil, tanto para Sandra que pierde su puesto de trabajo y por lo tanto su medio de vida, como para los compañeros que ven en riesgo un ingreso extra. Esta incomodidad se instala también en el espectador. En un principio, y sin implicarnos demasiado diríamos, que la solidaridad es lo primero, pero si uno se detiene a pensar en las propias necesidades y ambiciones en una situación similar, quizás cambie de opinión y aflore el egoísmo.

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“Dos días y una noche” es cine cotidiano, sencillo pero transcendental al mismo tiempo; una revisión de la naturaleza humana hacia lo bueno y también hacia lo malo, a nuestra doble moralidad. Puede resultar dolorosa, incluso escalofriante y sin embargo transmite  esperanza. Es emotiva, reflexiva, intensa y compleja pero con un contundente mensaje a cerca de la DIGNIDAD;  una magnífica opción para llevarnos a casa y disfrutar.

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Ya sabéis que podéis venir a buscarla a la biblioteca:   DVD PE 4312

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CINEMA PARADISO – Atando cabos. The shipping news

Espero que esta semana de puentes hayáis podido ver y leer bastante. Mi intención también era esa y por eso el lunes me fui a casa con dos películas y dos libros (por supuesto de la Biblioteca). Mala suerte, ninguna de las películas me gustó, así que llegó el miércoles y no tenía nada que ofreceros.  Con un poco de mala conciencia decidí llevarme otras dos, ver una esa noche y hacer la recomendación un día después…tampoco me gustó. Así que ayer vi la última, que es la que os traigo hoy,  ¡con dos días de retraso!

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Según la sinopsis, bajo este título se encuentra esta historia:

Cuando Quoyle (Kevin Spacey), un solitario y desventurado habitante de Nueva York, pierde a su

 esposa en un accidente de coche, su vida cambia para siempre. Abatido por el dolor y la nostalgia, se retira junto a su tía (Judi Dench) y a su joven hija a Terranova, el misterioso hogar de sus ancestros. En el pequeño pueblo pesquero Killick-Claw, Quoyle consigue un trabajo como reportero en el periódico local. Con cada artículo que escribe, se acentúa su percepción de esta peculiar comunidad, junto a la propia percepción de sí mismo. De forma gradual, iniciará un romance con Wayne (Julian Moore), una mujer que vive con sus propios demonios personales. Mientras empieza su nueva vida en Terranova, su pasado se funde con su presente y Quoyle se transforma.

Pero por supuesto en la película hay mucho más, ya que su ex esposa no era ningún dechado de virtudes, su tía esconde también cicatrices de antiguas heridas, a sus ancestros no se les recuerda con cariño precisamente y Wayne no es la damisela desvalida que pueda parecer. De hecho, ni siquiera la casa en la que van a vivir es lo que parece, una casa atada, desubicada, sin una base sólida…Y es que las casas son como las personas que las habitan.

El viaje a Terranova no deja de ser el viaje hacia el interior de uno mismo, hacia las herencias y las vivencias que conforman quienes somos. Algo que a cualquiera puede provocarle miedo, hay que ser muy valientes para enfrentarnos con nosotros mismos y sacar a la luz lo que permanece ahogado en las profundidades. Y así, nudo a nudo, tirando cada vez un poco más de cada cabo, no sólo Quoyle, sino también su tía y Wayne, irán desentrañando sus secretos. Y él además irá entendiendo la historia y la vida de la gente de una peculiar tierra donde aún se cree en viejas leyendas y fantasmas. De hecho, la niña, las apariciones en las ventanas y otros aspectos de la película, me recordaron la novela Otra vuelta de tuerca de Henry James, cuyos fantasmas sí puedo soportar.

Esta película está basada en la novela homónima con la que Annie Proulx ganó en 1994 el Premio Pulitzer y que atrapó al director Lasse Hallström. De cómo la adaptó a la gran pantalla y cuáles fueron los retos más difíciles tenéis una información magnífica en esta entrada de La Butaca, que no ha hecho más que contribuir a mis ganas de leer la novela, porque ya viéndola tuve la sensación de que la hondura de los caracteres es mucho más compleja de lo que se percibe en la película (es decir, todavía más), lo mismo que ocurre con el ambiente que los rodea.

No me imagino disfrutando igual de esta película durante el calor del verano, así que aprovechad que el tiempo está como está para pasar por la Biblioteca Lope de Vega (Boquetillo) o Francisco de Quevedo (Los Boliches), para haceros con ella y disfrutarla este fin de semana.

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CINEMA PARADISO – Shame

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Hoy os traigo una producción británica de 2011, Shame, del director Steve McQueen.

Según el  Collins Dictionary, Shame  es un sentimiento incómodo que tienes cuando haces cosas equivocadas o vergonzosas. Este es quizás el sentimiento que tiene nuestro protagonista, inconmensurable Michael Fassbender, en el papel de Brandon, un joven de treinta y tantos obsesionado con el sexo. Veamos la escena inicial, una de las mejores, tal vez la mejor, para que vayáis abriendo boca:

Brandon Sullivan vive y trabaja en Nueva York y, como dijimos anteriormente, es un adicto al sexo. Tiene todo para ser feliz: un buen trabajo, un físico portentoso…, y sin embargo, no lo es. Su obsesión por el sexo le condiciona enormemente, es incapaz de tener relaciones continuadas y de comprometerse. Busca satisfacer este deseo en cualquier momento y lugar, estableciendo encuentros fortuitos en bares, visionando pornografía, contratando prostitutas, a través del onanismo… Su vida gira por, y para el sexo, cualquier mujer puede ser  potencialmente una presa y, gracias a que tiene un físico espectacular, no tiene problema para ello. En este punto me planteo una cuestión: ¿Es el físico un condicionante positivo o negativo para su adicción? Me explico, ¿El ser tan atractivo le facilita su adicción? ¿Sería más sencillo si no lo fuera? Supongo que el adicto es igualmente adicto independientemente de su físico, pero creo que en este caso su físico le ayuda a satisfacer su adicción, igual que un cocainómano con dinero lo tiene más fácil que uno sin. Lejos de disfrutar de su adicción, el sentimiento de culpa lo arrastra a una vorágine sin salida, se encuentra enfrascado en su enfermedad.

El caso es que la vida de Brandon se ve alterada cuando entra en escena su hermana Sissy, interpretada magistralmente por Carey Mulligan, actriz que tuvimos en esta sección  la semana pasada y, que por cierto, nos encanta. Sissy tiene problemas, es emocionalmente inestable, aún más si cabe que su hermano, y la relación entre ellos no es sana. El hecho de que aparezca en escena, y que en cierto modo “tenga que hacerse cargo de ella”, papel que por cierto no le gusta nada, hace que se replantee algunas cosas de su vida, como la posibilidad de mantener una relación más estable con una compañera de trabajo. Una de las escenas que más me gusta de la película es la de Sissy interpretando New York, New York. Aquí la podéis ver.

La relación entre ellos es extraña, con algunas escenas que crean confusión y que incluso te incitan a pensar en relaciones incestuosas. Creo que en su entorno familiar, y en el ambiente en que se criaron, está la clave de sus complejas e inestables personalidades. Personajes atormentados y dolientes.

La película es perturbadora, claustrofóbica, sientes el sufrimiento del protagonista e incluso empatizas con él, yo de hecho empaticé tanto que no me hubiera importado ser la chica del metro, pero para irme con él claro. Bromas a parte, Michael Fassbender, está espectacular; no obstante, por esta interpretación se llevó la Copa Volpi al mejor actor en el Festival de Venecia  y fue nominado en multitud de festivales. Creo que este papel estaba escrito para él, de otro modo la película no funcionaría igual. Para Steve McQueen, Fassbender es su actor fetiche, con el que ya trabajó en Hunger, y posteriormente en 12 años de esclavitud. Mencionar también la magnífica banda sonora a cargo de Harry Escott.

Como habréis notado soy super fan de este actor, al que descubrí hace mucho tiempo ya. Quitando lo que salta a la vista, que es evidente, es un actorazo. Me sorprende su manera de transformarse, de meterse en el personaje. En el biopic de Steve Jobs está que lo borda, y muchos expertos opinan que huele a Oscar, y cierto, este chico se lo merece. En este caso además la réplica se lo da una magnífica actriz, que también está entre mis favoritas.

Chicas, desde aquí os hago un llamamiento, la película es muy buena, pero creedme, sólo por ver a Michael merece la pena, sino mirad esta foto:

Como sabéis, la función de un blog es aportar algo diferente, una mirada distinta. Copiar y pegar de otros blogs no tiene sentido y, si además no citas las fuentes, me parece una falta de respeto para el autor de la entrada que ha invertido su tiempo en ella. Por ese motivo, como no soy experta en cine y quizás mi entrada adolezca de aspectos más técnicos, os invito a que visitéis otros blog, como por ejemplo, la entrada que sobre esta película se hizo en blogdecine.com.

Esta película la tenéis en las tres bibliotecas de Fuengirola, y si os gusta Fassbender tanto como a mí, hay muchas más películas de él Así que ya sabes, pásate por nuestras bibliotecas y disfruta del buen cine.

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