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CINEMA PARADISO – Midiendo el mundo

Esta semana reseño “Midiendo el mundo”, una película alemana, estrenada en el año 2012 que trata la historia de dos de los científicos más importantes del planeta.

La película muestra la vida de Carl Friedrich Gauss, un brillante matemático y Alexander Von Humboldt, un geógrafo, naturalista y explorador, entre otras cosas, en la Alemania de comienzos del siglo XIX que tuvo gran influencia en diferentes vertientes tanto artísticas como científicas.

Dirigida por Detlev Buck y escrita por él mismo y Daniel Kehlman, autor al mismo tiempo de la novela del mismo nombre (2005) en la que está basada. Buck apoya su película en la forma en que Kehlman aborda la historia de dos de los científicos más importantes de la época, incluyendo también sus vidas personales.

Son destacables las actuaciones de los dos personajes protagonistas. Tanto Albert Schuch (Alexander von Humboldt) como Florian David Fitz (Carl Friedrich Gauss) hacen una magnífica interpretación de sus respectivos personajes, ambos con unas personalidades contrapuestas que chocan de manera indirecta a lo largo de toda la película. Además, la historia se desarrolla a lo largo de toda una vida por lo que podemos ver como sus pensamientos cambian a medida que adquieren edad y experiencia.

Otra de las actuaciones destacables es la de Michael Martens como el duque de Braunschweig; un personaje muy peculiar por su ostentosa vestimenta, sus excesivas costumbres y su caracterización y actitud contrapuesta a la de los científicos, en la que no es capaz de apreciar lo que ellos le transmiten. Además, nos encontramos con Aimé Bonpland (Jérémy Kapone), un botánico y médico francés, compañero de viaje de Humboldt que espera durante todo el viaje que su amigo reconozca su valía y sus logros. De nuevo, este personaje enfrenta su personalidad a la de su compañero; él le da la humanidad que a veces se le olvida al alemán.

Las escenas luminosas y los tonos claros nos sumergen en la travesía de Humboldt y nos transportan hasta su mismo viaje, pudiendo ver y sentir a través de sus ojos todo lo que a él le acontece. Por otro lado, los colores fríos y la ausencia de iluminación en muchas escenas, parece querer mostrar la locura que acechaba a Gauss. Todo ello de manera magistral acentuando la contraposición de los personajes.

Es de destacar también la banda sonora de Enis Rotthoff que refleja muy bien el espíritu de la película.

En conclusión, se trata de un film muy entretenido de ver, sorprende el tratamiento de los personajes, especialmente porque abunda en la contraposición de los mismos; está muy bien construida y también porque a todos nos gusta imaginar la vida de personas que han dejado una huella profunda en el mundo. Éste es un claro ejemplo, aunque ya, la historia de cada uno daría para una cinta por separado. Además, siempre es agradable ver un soplo de aire fresco en nuevas películas ajenas a las directrices de Hollywood.

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CINEMA PARADISO – Silencio

En contrapartida con la ligereza de la reseña de la pasada semana, en esta ocasión reseño una de las últimas películas del gran Scorsese y para mi gusto, una de las mejores, en donde Scorsese empieza a ser el que un día fue. Una película densa y profunda.

La trama sigue a dos sacerdotes jesuitas del siglo XVII que viajan de Portugal al Japón de Edo para localizar a su mentor desaparecido y difundir el cristianismo católico. La historia se establece en el tiempo en el que era común para los cristianos esconderse de la persecución después de la represión de los católicos japoneses durante la Rebelión Shimabara (1637-1638) contra el shogunato Tokugawa.

Se trata de un apasionado proyecto a largo plazo para Scorsese, que  desarrolló durante más de 25 años. La película tuvo su premier en Roma en  noviembre de 2016, y fue lanzada en los Estados Unidos en diciembre del mismo año. ​El American Film Institute seleccionó “Silencio” como una de sus diez películas del año. La película también recibió una nominación al Premio de la Academia de Mejor Cinematografía en su 89º edición. “Silencio” es la tercera de la  trilogía de Scorsese sobre figuras religiosas que luchan con desafíos a la fe, siguiendo a  “La Última Tentación de Cristo” y “Kundun”.

Una de las cosas buenas de esta película es que no importa cuál sea tu fe ya que se trata de una película extraordinariamente humana, sin duda uno de los trabajos más personales del director, que también es coguionista. Se trata de cine comprometido, valiente y lleno de significado. Con cada plano se reafirma la maestría del director, el genio de un narrador genuino.

La trama en si puede ser sólo una excusa para que Scorsese dialogue sobre innumerables cuestiones como la duda, los remordimientos, la contradicción, la introspección, el modo de arreglar nuestros errores, etc. Pero también existen los villanos que en este caso son los japoneses a los que si bien no se les niega el derecho que pueden tener a defender su fe, sí que se les reprocha la irrespetuosa vanidad de sus posturas extremas que derivan en una gran violencia. Pero está claro que sólo pretende abordar una lucha religiosa entre lo eterno y lo terrenal. Es una película que o te gusta mucho o la odias. Se trata de un de los trabajos más polémicos de Scorsese. Sin embargo no puede negarse su poderío y su poder de conmover tan necesario en el mundo actual.

La película quizás peque de excesivo metraje pero está primorosamente realizada con una maravillosa y acertadísima recreación de la época y repleta de momentos mágicos que tan poco abundan en el cine comercial del momento. Resulta un retrato tanto de lo peor como de lo mejor de la condición humana.

Para destacar, las excepcionales  dirección, fotografía y música, además de unas magníficas interpretaciones, especialmente de un sorprendente Andrew Garfield,  un correcto y comedido Liam Neeson, un Adam Driver bastante solvente y un sobresaliente  Issei Ogata.

En definitiva, un impactante trabajo, un viaje metafísico a través del tiempo en una época convulsa en un territorio complicado para implantar la palabra del Señor.  Como he comentado antes, en una película como esta, la imparcialidad es un objetivo realmente complicado. Yo la disfruté muchísimo.

La podéis encontrar en la biblioteca DVD PE 4638

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CINEMA PARADISO – Lion

“Lion”,  basada en la novela  “Un largo camino a casa” de Saroo Brierley,  es la historia real de una vida perdida y encontrada. Es quizás una de las películas que más me han conmovido en los últimos tiempos.  Fue merecidamente nominada, en mi opinión,  en seis categorías a los Premios Oscar en la edición de 2017.

La película aborda por un lado, el largo periplo de un niño muy pequeño, perdido mientras, subido en un tren, acompañaba a su hermano mayor en busca de trabajo,  en la inmensidad de una India plagada de miseria y pobreza y por otro, un conflicto dramático que pocas veces hemos podido ver en el cine y es la crisis de identidad que sufre un hijo  adoptado entre la infancia y la madurez.

El viaje del pequeño Saroo incluye un trayecto de varios días encerrado en un ferrocarril, la pérdida por las calles sobrecargadas de Calcuta, el intento de secuestro por parte de una mujer que esconde horribles intenciones, el encierro en un orfanato demoledor y, finalmente, la adopción por parte de una pareja australiana. Cuando la posibilidad de volver con su familia se desvanece (el niño no conoce el apellido de su madre analfabeta, no habla bengalí y ni tan siquiera recuerda el nombre exacto de su pueblo), la acogida por parte de una pareja occidental ¿resulta el único final feliz posible?.

La película parece que contesta afirmativamente a esta pregunta hasta que Saroo se empieza a cuestionar su identidad, y esto queda perfectamente reflejado en el que es quizás el momento más dramático de la película, en la conversación que Saroo mantiene con su madre adoptiva respecto a la necesidad que él siente de reencontrarse con su madre biológica y aquí surgen varios temas interesantes.  Por un lado la idea de que un niño no es una página en blanco sobre la que sus padres adoptivos puedan escribir su historia ideal de familia feliz, y por otro el hecho de que la madre adoptiva confiese que su adopción no fue por necesidades biológicas sino por verdadera convicción moral.

El guion excelente de Luke Davis, nominado al Oscar, utiliza un recurso muy curioso y es hacer que a través de la comida, el pequeño Saroo reviva recuerdos e incluso  su propio origen. La comida está muy presente en la película.

El actor protagonista, Dev Patel  logra de forma brillante y convincente transmitir con una gran sensibilidad y delicadeza, esa sensación de frustración, confusión, y dolorosa pérdida de alguien separado de su familia sin previo aviso, además, realiza una interpretación tan magnífica, intensa y emotiva que consigue introducirnos con suma facilidad en el interior de su personaje, y hacernos sentir en primera persona la angustia asfixiante y el profundo sufrimiento de Saroo por buscar y encontrar sus verdaderos orígenes e identidad, mientras que Nicole Kidman, con este papel da la sensación de que  rejuvenece profesionalmente, con el retrato de un personaje perfectamente matizado de una madre cariñosa, comprensiva y con mucha paciencia. Una portentosa actuación  merecedora de una nominación al Oscar.

Además, hay que destacar la actuación del pequeño actor Sunny Pawar en el papel de Saroo de niño,  ya que directamente te toca el corazón.

El director Garth Davis y su responsable de fotografía, Greig Fraser, también nominado al Oscar, nos deleitan con amplios y hermosos paisajes, presentados a través de largos planos aéreos panorámicos, sobre todo, de las impresionantes llanuras secas de la India Central. Garth Davis encuentra una fantástica solución usando el ojo del mundo que todo lo ve, de la herramienta Google Earth, como inspiración. Así vemos como las grúas y las cámaras imitan la experiencia de desplazarse por Google Earth con lo que visualmente resulta bastante sorprendente. La nominación al Oscar a la Mejor Fotografía está más que justificada.

“Lion” plantea diferentes cuestiones de peso a lo largo de los 120 minutos que dura la cinta como la pobreza, la adopción, la explotación y la más poderosa, la identidad. La película reúne todos los ingredientes para ser un auténtico éxito, posee un toque algo edulcorado, quizás  para suavizar el duro trasfondo del tema. Está tratada con mucho tacto y delicadeza, y lleva el sello inconfundible de las grandes producciones de Hollywood: “Basado en Hechos Reales”, para dar mayor autenticidad, fuerza y emotividad a la narración. A pesar de saber eso, es inevitable que al finalizar la película uno tenga la sensación de haber visto una grandiosa, conmovedora y hermosa cinta que te llegará a lo más hondo del corazón.

Y al final, conviene no desconectarse durante los créditos para no perderse el emocionante encuentro de los verdaderos personajes en la vida real. Y como ya sabéis, pasad por la biblioteca,  llevadla a casa y disfrutadla. DVD PE 4542

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CINEMA PARADISO – El ciudadano ilustre

Esta semana quiero reseñar una película de las que son poco habituales, de esas que cuando las ves no te dejan indiferente. Se trata de “El ciudadano ilustre”,  una película argentina del tándem Gastón Duprat y Mariano Cohn y que fue premiada en el Festival de Venecia como mejor película en la edición de 2016, además de otros muchos premios. Y es que los argentinos han demostrado ya sobradamente que saben hacer cine.

La película posee un humor negro implacable que te zarandea desde lo más profundo. “El ciudadano ilustre” es un escritor argentino que vive hace tiempo en Europa y gana el premio Nobel. A partir de ese momento empieza a recibir invitaciones de todo el mundo que rechaza sin pensar, pero entre ellas hay una que le llama la atención: la de su pequeño pueblo natal, que lo quiere homenajear. Aunque dice que lo único que ha hecho en su vida ha sido escapar de ese insignificante villorrio, él cree que esa es la oportunidad de superar un bloqueo creativo y decide aceptar. Pero su regreso no irá tan bien como  esperaba y la expresión “Nadie es profeta en su tierra” se hará presente. Después de ser recibido como un héroe, pronto pasará a convertirse en villano al emerger las envidias, las viejas rencillas y reproches que llevan acumulándose en el interior de todos durante los años de su ausencia en el pueblo.

“El ciudadano ilustre” posee un guion brillante y redondo, con diálogos inteligentes y punzantes, con una descripción muy certera tanto de personajes como de situaciones, manejando con pericia el equilibrio entre la comedia absurda con la profundidad temática y con un trasfondo de reflexiones severas sobre la vida y la muerte. Es una comedia amarga sobre la condición humana y sus miserias, sobre la dificultad de reconciliarse con el pasado e incluso sobre la corrupción que provoca la idiotez en nuestra sociedad.

En cuanto al protagonista, Oscar Martínez en el papel de Daniel Mantovani, creo que es uno de los mejores actores del panorama actual Argentino. Ya dio muestras de ello con sus magníficas  interpretaciones  en Relatos Salvajes o en Capitán Kóblic.

Una historia muy bien narrada, sin fisuras en el guion, con brillantes actuaciones y con una trama que atrapa de principio a fin. Sin embargo, lo que hace de “El ciudadano ilustre” una película realmente interesante es su habilidad para cargar contra toda la negatividad y la ira que lleva por dentro el ser humano sin que por ello tenga que pagar el peaje de resultar cargante. Uno de los puntos fuertes de la cinta es el de plasmar el pueblo de manera que el espectador nunca esté seguro de lo que va a venir a continuación. La cercanía que despiertan algunos ciudadanos contrasta con el rechazo a lo foráneo que muestran otros, pero ni siquiera los primeros tienen una actitud fácil de prever. Esta sensación de intriga, que irá tomando forma conforme avance la película, quizá sea el máximo acierto del film.

En ningún instante de sus dos horas de metraje dejas de sentir enorme curiosidad por los personajes que van apareciendo.

La obra es una verdadera inmersión en el comportamiento humano que, si bien toma un núcleo de personas pequeño, se convierte en universal cuando se acerca a sentimientos como  la envidia, los celos, la preponderancia social, incluso al reino de la estupidez, que a mucha gente le parece todo lo contrario y en realidad envuelve gran parte del comportamiento humano.

La película presenta lo que esperamos del buen cine argentino, unos personajes redondos, llenos de matices y de profundidad psicológica (que los actores, especialmente, Óscar Martínez, como Daniel y Daddy Brieva como Antonio, saben defender muy bien), así como interesantes reflexiones no solo sobre la literatura, sino también sobre los límites entre la realidad o la ficción o incluso sobre la inutilidad de volver sobre aquello que en el pasado rechazamos.

En definitiva, una compleja película sobre la condición humana y sus arduas relaciones. Altamente recomendable.

Y como siempre, podéis encontrarla en la biblioteca DVD PE 4551.

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CINEMA PARADISO – La La Land – La ciudad de las estrellas

Esta semana quiero reseñar una película que arrasó el pasado año en todos los certámenes de cine del mundo. Se trata de “La La Land. La ciudad de las estrellas”,  una versión moderna de los musicales al más puro estilo de Hollywood. Obtuvo catorce nominaciones en los Premios Oscar y finalmente se alzó con seis galardones entre los que se encuentra Mejor Director, Mejor Actriz, Mejor Guión Original,  Mejor Banda Sonora o Mejor Canción Original. Igualmente triunfó en los Premios Bafta, o en los Globos de Oro en dónde obtuvo siete galardones. En el Festival de Venecia se alzó con el León de Oro a la mejor película y la Copa Volpi a la mejor actriz.

Protagonizan la cinta Emma Stone y Ryan Gosling y cuenta  la historia de Mía, una camarera de Hollywood y aspirante a gran actriz y Sebastian, un pianista de jazz desempleado con grandes ambiciones. A pesar de sus diferencias y de tener personalidades muy distintas, gracias a una serie de acontecimientos, sus caminos acaban entrecruzándose. Los dos protagonistas tienen formación musical y de danza desde pequeños y eso se nota a la hora de interpretar un musical como éste. Emma Stone estudió ballet  y música desde pequeña y en su vida real pasó por experiencias similares a la audición que le toca vivir en la película y eso hace que su interpretación sea magnífica. Ryan Gosling interpreta el papel de un pianista de jazz que se gana la vida tocando en fiestas y en bares de mala muerte y sueña con poder abrir su propio club y convertirse en un músico de éxito. A él también le ayudó su amplia experiencia en la vida real.

Dirige la película Damien Chazelle, quien también escribe el guion y que fue premiado como Mejor director por ésta película en tres de los Certámenes más reconocidos a nivel mundial Oscar, Bafta y Globos de Oro. Lo hace de manera magistral y los premios lo confirman como uno de los grandes talentos del cine actual con poco más de treinta años. El guion está muy bien construido e introduce varios géneros para culminar con una escena final absolutamente maravillosa.

La película es una historia clásica, de las que ya casi no se hacen, y tiene un toque a las grandes películas de antaño, aunque al mismo tiempo nos sorprende con una bocanada de aire muy fresco y ambas características la hacen muy diferente a lo que estamos acostumbrados a ver en el Hollywood de los últimos tiempos.

El amor es la temática central de la película, pero no solo el amor entre los protagonistas sino también el amor que sienten por sus sueños, por la ciudad y en general por todo lo que los rodea. El comienzo de la película ya es un canto a la ciudad de Los Ángeles, incluso el propio título es un homenaje a la misma.

La fotografía es única y maravillosa y potencia la magia que la película logra transmitir. Tiene escenas antológicas de las que se te graban en la retina y que crean escuela.

La música, de Justin Hurwitz, habla por sí sola. Es absolutamente magistral. Cada verso, cada nota cobran un significado especial en su relación con la trama y logra transmitir de forma muy directa las emociones que sienten los actores, tanto que a veces se siente que roza la perfección. Las escenas musicales fluyen de manera natural y se complementan bien, al tiempo que son un placer para la vista. Las luces, los colores, el movimiento, todo está dotado de una estética especial y absolutamente espectacular.

Bajo mi punto de vista se trata de una obra original de pies a cabeza, despojada de cualquier fórmula o cliché preestablecido. Funciona a la perfección en una mezcla ideal entre el diálogo, el drama y cómo no, la música maravillosa.

Para mí, lo mejor de la película es el principio y el final. El principio, el número musical que presenta la película, por la frescura que derrocha y  la parte final, el epílogo destaca por ser mágico e inigualable. Te hace enamorarte y sufrir al mismo tiempo. Y la mirada y la sonrisa final que se dedican Mía y Sebastian, pasará a la historia del cine. Emociona.

En definitiva creo que es un clásico de nuestros días, una obra de las que dejan huella en la historia del cine musical, de lasque, además transmiten y nos hacen creer de nuevo en el CINE, ya que a pesar de que las ilusiones se pierdan y determinados sueños fracasen siempre la tendremos ahí,  para hacernos soñar e ilusionarnos de nuevo.

Altamente recomendable para pasar una buena tarde. Y lo mejor de todo es que sólo tienes que pasar por la biblioteca y llevártela a casa. DVD PE 4545 y DVD PE 4546

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RECOLECTURAS – Un amor

PRIMERO LA VIDA. DESPUÉS UN AMOR

Hoy en nuestra sección, el último Premio Nadal, Un amor de Alejandro Palomas.

A Alejandro Palomas ya tuvimos la oportunidad de conocerle cuando vino a la biblioteca a presentar su novela Un hijo, además es un asiduo de nuestro blog, ya que además de la anterior novela, también reseñamos Una madre.

Un amor, cierra la trilogía (de momento) de la familia de Amalia, después de Una madre y Un perro. Nos volvemos a encontrar con aquellos entrañables personajes que ya tuvimos la ocasión de conocer y querer, aunque en palabras del propio Alejandro: «Lo bueno de esta novela es que si no has leído las anteriores el impacto que te provocan estos personajes se multiplica por diez. Me da mucha envidia la gente que llega a esta familia por Un amor porque creo que no hay entrada mejor que esta».  Le doy la razón, porque aunque me ha gustado, más conforme me iba metiendo en la historia, no he tenido el impacto que me provocó el leer Una madre, cuando me encontré con ese descomunal personaje de Amalia, con sus carencias y sus virtudes, un personaje nuevo para mí, al que amé, como ya comenté en la reseña.

Amalia, como es habitual, está acompañada de sus hijos: Silvia, Emma y Fer, además de su perrita Shirley. A este círculo familiar se le une Magalí, la novia de Emma con quien Amalia entabla una gran amistad («ellas han sido la sorpresa»), tía Inés, que después de 8 años «vuelve» para quedarse, y Oksana, «mujer-loba» rusa, encargada del mantenimiento de un complejo de turismo rural en los pirineos y que, gracias a la complicidad que surge entre Amalia y ella, termina siendo una especie de asistenta y «chica de los recados».  Oksana jugará también un papel fundamental en la vida de Fer y podríamos decir que, en cierto sentido sustituye a la abuela Ester, aunque la abuela siga estando muy presente a través de las frases sabias que Fer irá recordando.

Han transcurrido ya 8 años desde los acontecimientos acaecidos en Una madre, y en esta ocasión, el eje central de la trama es la boda de Emma con Magalí, que por circunstancias de agenda, coincide en el tiempo con el cumpleaños de Amalia. A esto se une una noticia inesperada, justo la noche antes de la boda, de la cual no sabremos el contenido hasta casi el final, y que planteará conflictos a la familia por el hecho de ocultársela a  Amalia. Como decimos este es el eje de la trama, pero yo casi me atrevería a decir que es la excusa de Alejandro para poner en primer término a estos personajes, porque los que hemos leído en varias ocasiones a Palomas, sabemos que es un escritor de personajes, de indagar en el alma humana, de las relaciones interpersonales, y muy especialmente, de las relaciones familiares, las que constituyen esta familia singular, que se ha tenido que reinventar después de la marcha del padre tras el divorcio.

Vamos a seguir conociendo e indagando en estos personajes. Veremos a una Emma mucho más luminosa, «en la que la sonrisa es cada vez más parte de ella desde que llegó Magalí. Es como si después de años bregando por encontrar la buena compañía, la vida se hubiera acordado de ella y ella se lo agradeciera así, con esa sonrisa que no sabe contener, y en la que todos nos sentimos incluidos, porque en Emma hay siempre espacio para todos». A una Silvia mucho más tóxica, «siempre cerca y vigilante, sufriendo por anticipado el dolor de los demás para no hacerle sitio al propio…», y cuyo dolor se hace insufrible para sus seres queridos, que si no fuera porque saben que existe otra Silvia que a veces se intuye, y que es parte integrante de ese círculo familiar, ya la hubieran apartado de sus vidas. A Fer, testigo y narrador de la historia familiar, el pequeño y el único hijo varón, y que como casi todos los personajes arrastra un secreto que le crea mala conciencia, porque «nuestra casa está donde no necesitamos mentir». Y por supuesto Amalia, el alma-mater, la mamma, con sus torpezas y debilidades, sus complejos, su ternura, sus problemas físicos, al que por fin le damos respuesta al conocer que es albina, y que produce más de una situación hilarante. Una Amalia más «empotrada» que nunca, si si, «empotrada», porque Amalia adapta el lenguaje a su propio estilo, utiliza «empotrada» en vez de empoderada, que para ella es estar «mejor que bien». Una Amalia que tuvo que reinventarse a los 65 tras su divorcio:«lo que más miedo me da es no saber vivir sin tener que pedir permiso», con la que es difícil no perder los nervios, pero a la que se la quiere, se la quiere mucho; porque es la amalgama de esta familia, la mecánica que los une desde que el padre desapareció, «el retal más grande de este patchwork que tejemos y destejemos desde que lo hacemos juntos y desde aquí». Y como no, los personajes secundarios, que ya veremos que no lo son tanto: «tía» Inés «el genio, el carácter, la ausencia de concesiones», contrapunto a la suavidad y a la conciliación de Amalia, y la mejor y única amiga que le queda a Amalia de su círculo compartido con su ex-marido; Magalí, que crea desconfianza en la familia, excepto en Amalia, porque nunca quiere hablar de su pasado: «eres parte pero nunca serás miembro, porque no sabes compartirte», y Oksana, de la que ya hablamos anteriormente.

En definitiva una novela muy tierna y de gran sensibilidad, que mezcla humor y drama, y con un lenguaje sencillo que hace  que conecte con cualquier lector. Puro Palomas.

alejandro

Alejandro Palomas (Barcelona, 1967) es licenciado en filología inglesa y tiene un máster en poética por el New College de California. Ha compaginado sus incursiones en el mundo del periodismo con la poesía y la traducción de importantes autores. Como novelista ha publicado, entre otras, El tiempo del corazón, El secreto de los Hoffman, El alma del mundo y El tiempo que nos une, que le han valido importantes premios. En 2016 su novela Un hijo recibió el Premio Nacional de Literatura Juvenil. Con sus novelas más recientes Una madre y Un perro, dio arranque a una serie de personajes que ha enamorado a miles de lectores y que continúa con Un amor, Premio Nadal 2018. Su obra, llevada al teatro y próximamente al cine, ha sido traducida a quince idiomas. (La mayoría de su producción literaria la podéis encontrar en la biblioteca, también como traductor).

Si os habéis quedado con ganas de saber más, os invito al encuentro que este viernes, 6 de abril, vamos a tener en nuestras instalaciones con el autor a partir de las 19.00 horas. Un momento único para acercarnos a su obra. Os espero.

Os dejo con esta entrevista: http://www.elcultural.com/noticias/letras/Alejandro-Palomas-Un-amor-es-el-reflejo-de-como-estoy-en-el-mundo/11747

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CINEMA PARADISO – La habitación

La Habitación es una película del año 2015 que, a pesar de haber sido galardonada con el Oscar a la Mejor Actriz para Brie Larson, ha pasado en cierto modo un poco desapercibida y sin embargo creo que merece la pena ser reseñada.

Dirigida por Lenny Abrahamson y escrita por Emma Donoghue, está basada en  la novela del mismo nombre de la propia Emma Donoghue.

Creo que es una de las mejores películas de 2015 a pesar del comienzo nada halagüeño de una chica secuestrada en un zulo con la única compañía de su hijo pequeño y, por supuesto, del secuestrador. Cabría pensar que se trata de algo sumamente deprimente, morboso e insano, pero nada más lejos de la realidad. No se recrea en lo escabroso de la situación. Es precisamente la sencillez y hasta cierto punto la “normalidad” con la que Lenny Abrahamson retrata la vida cotidiana de madre e hijo en su encierro, lo que la convierte en una magnifica experiencia cinematográfica.

Sin necesidad de mostrar ninguna violencia o escena desagradable, logra transmitir una tensión asfixiante y casi inaguantable a veces, especialmente cuando el secuestrador está presente y nos hace sentir que lo que intuimos es sin duda mucho peor que lo que vemos.

Se trata de una película muy bella a pesar de ser una historia terrible y abrumadora, llena de amor y buenos sentimientos y sobre todo de reflexiones acerca de lo que hace que la vida valga la pena, y de cómo se puede reconstruir una vida rota por una experiencia absolutamente demoledora.

La interpretación de Brie Larson es absolutamente impecable. Muestra un aplomo increíble y una muy alta capacidad para emocionar. Su presencia, su mirada y su fuerza en la pantalla son sensacionales. Merecidísimo el Oscar. A su lado, el pequeño Jacob Tremblay, uno de los mejores niños actores en muchos años y que no desmerece en absoluto la brillante interpretación de Larson.

La primera hora de la película es una auténtica obra maestra que te toca en lo más profundo; una maravilla. La segunda parte es más convencional aunque no por ello infravalora la película.

Es muy interesante ver cómo la película nos da una visión del mundo a través de los ojos del pequeño Jack, especialmente cuando tiene miedo a la libertad y se siente perdido en un mundo que no entiende e incluso que se niega  a aceptar.

Es una película que se mide a través de las emociones. La banda sonora es sencilla pero perfectamente integrada en el todo. El guion está magníficamente hecho, por la misma autora de la novela en la que lo basa, y eso se nota.

En definitiva, “La habitación” es una película totalmente recomendable por su fuerza, su intriga y sobre todo por sus valores. Es una película que puede parecer pequeña, pero que gracias a sus magníficas interpretaciones y a la forma de contarnos la historia, se convierte en grande.

Y lo mejor de todo es que la podéis encontrar en la biblioteca. ¡Ven y llévatela a casa!. DVD PE 4399

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