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CINEMA PARADISO – El ciudadano ilustre

Esta semana quiero reseñar una película de las que son poco habituales, de esas que cuando las ves no te dejan indiferente. Se trata de “El ciudadano ilustre”,  una película argentina del tándem Gastón Duprat y Mariano Cohn y que fue premiada en el Festival de Venecia como mejor película en la edición de 2016, además de otros muchos premios. Y es que los argentinos han demostrado ya sobradamente que saben hacer cine.

La película posee un humor negro implacable que te zarandea desde lo más profundo. “El ciudadano ilustre” es un escritor argentino que vive hace tiempo en Europa y gana el premio Nobel. A partir de ese momento empieza a recibir invitaciones de todo el mundo que rechaza sin pensar, pero entre ellas hay una que le llama la atención: la de su pequeño pueblo natal, que lo quiere homenajear. Aunque dice que lo único que ha hecho en su vida ha sido escapar de ese insignificante villorrio, él cree que esa es la oportunidad de superar un bloqueo creativo y decide aceptar. Pero su regreso no irá tan bien como  esperaba y la expresión “Nadie es profeta en su tierra” se hará presente. Después de ser recibido como un héroe, pronto pasará a convertirse en villano al emerger las envidias, las viejas rencillas y reproches que llevan acumulándose en el interior de todos durante los años de su ausencia en el pueblo.

“El ciudadano ilustre” posee un guion brillante y redondo, con diálogos inteligentes y punzantes, con una descripción muy certera tanto de personajes como de situaciones, manejando con pericia el equilibrio entre la comedia absurda con la profundidad temática y con un trasfondo de reflexiones severas sobre la vida y la muerte. Es una comedia amarga sobre la condición humana y sus miserias, sobre la dificultad de reconciliarse con el pasado e incluso sobre la corrupción que provoca la idiotez en nuestra sociedad.

En cuanto al protagonista, Oscar Martínez en el papel de Daniel Mantovani, creo que es uno de los mejores actores del panorama actual Argentino. Ya dio muestras de ello con sus magníficas  interpretaciones  en Relatos Salvajes o en Capitán Kóblic.

Una historia muy bien narrada, sin fisuras en el guion, con brillantes actuaciones y con una trama que atrapa de principio a fin. Sin embargo, lo que hace de “El ciudadano ilustre” una película realmente interesante es su habilidad para cargar contra toda la negatividad y la ira que lleva por dentro el ser humano sin que por ello tenga que pagar el peaje de resultar cargante. Uno de los puntos fuertes de la cinta es el de plasmar el pueblo de manera que el espectador nunca esté seguro de lo que va a venir a continuación. La cercanía que despiertan algunos ciudadanos contrasta con el rechazo a lo foráneo que muestran otros, pero ni siquiera los primeros tienen una actitud fácil de prever. Esta sensación de intriga, que irá tomando forma conforme avance la película, quizá sea el máximo acierto del film.

En ningún instante de sus dos horas de metraje dejas de sentir enorme curiosidad por los personajes que van apareciendo.

La obra es una verdadera inmersión en el comportamiento humano que, si bien toma un núcleo de personas pequeño, se convierte en universal cuando se acerca a sentimientos como  la envidia, los celos, la preponderancia social, incluso al reino de la estupidez, que a mucha gente le parece todo lo contrario y en realidad envuelve gran parte del comportamiento humano.

La película presenta lo que esperamos del buen cine argentino, unos personajes redondos, llenos de matices y de profundidad psicológica (que los actores, especialmente, Óscar Martínez, como Daniel y Daddy Brieva como Antonio, saben defender muy bien), así como interesantes reflexiones no solo sobre la literatura, sino también sobre los límites entre la realidad o la ficción o incluso sobre la inutilidad de volver sobre aquello que en el pasado rechazamos.

En definitiva, una compleja película sobre la condición humana y sus arduas relaciones. Altamente recomendable.

Y como siempre, podéis encontrarla en la biblioteca DVD PE 4551.

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CINEMA PARADISO – La La Land – La ciudad de las estrellas

Esta semana quiero reseñar una película que arrasó el pasado año en todos los certámenes de cine del mundo. Se trata de “La La Land. La ciudad de las estrellas”,  una versión moderna de los musicales al más puro estilo de Hollywood. Obtuvo catorce nominaciones en los Premios Oscar y finalmente se alzó con seis galardones entre los que se encuentra Mejor Director, Mejor Actriz, Mejor Guión Original,  Mejor Banda Sonora o Mejor Canción Original. Igualmente triunfó en los Premios Bafta, o en los Globos de Oro en dónde obtuvo siete galardones. En el Festival de Venecia se alzó con el León de Oro a la mejor película y la Copa Volpi a la mejor actriz.

Protagonizan la cinta Emma Stone y Ryan Gosling y cuenta  la historia de Mía, una camarera de Hollywood y aspirante a gran actriz y Sebastian, un pianista de jazz desempleado con grandes ambiciones. A pesar de sus diferencias y de tener personalidades muy distintas, gracias a una serie de acontecimientos, sus caminos acaban entrecruzándose. Los dos protagonistas tienen formación musical y de danza desde pequeños y eso se nota a la hora de interpretar un musical como éste. Emma Stone estudió ballet  y música desde pequeña y en su vida real pasó por experiencias similares a la audición que le toca vivir en la película y eso hace que su interpretación sea magnífica. Ryan Gosling interpreta el papel de un pianista de jazz que se gana la vida tocando en fiestas y en bares de mala muerte y sueña con poder abrir su propio club y convertirse en un músico de éxito. A él también le ayudó su amplia experiencia en la vida real.

Dirige la película Damien Chazelle, quien también escribe el guion y que fue premiado como Mejor director por ésta película en tres de los Certámenes más reconocidos a nivel mundial Oscar, Bafta y Globos de Oro. Lo hace de manera magistral y los premios lo confirman como uno de los grandes talentos del cine actual con poco más de treinta años. El guion está muy bien construido e introduce varios géneros para culminar con una escena final absolutamente maravillosa.

La película es una historia clásica, de las que ya casi no se hacen, y tiene un toque a las grandes películas de antaño, aunque al mismo tiempo nos sorprende con una bocanada de aire muy fresco y ambas características la hacen muy diferente a lo que estamos acostumbrados a ver en el Hollywood de los últimos tiempos.

El amor es la temática central de la película, pero no solo el amor entre los protagonistas sino también el amor que sienten por sus sueños, por la ciudad y en general por todo lo que los rodea. El comienzo de la película ya es un canto a la ciudad de Los Ángeles, incluso el propio título es un homenaje a la misma.

La fotografía es única y maravillosa y potencia la magia que la película logra transmitir. Tiene escenas antológicas de las que se te graban en la retina y que crean escuela.

La música, de Justin Hurwitz, habla por sí sola. Es absolutamente magistral. Cada verso, cada nota cobran un significado especial en su relación con la trama y logra transmitir de forma muy directa las emociones que sienten los actores, tanto que a veces se siente que roza la perfección. Las escenas musicales fluyen de manera natural y se complementan bien, al tiempo que son un placer para la vista. Las luces, los colores, el movimiento, todo está dotado de una estética especial y absolutamente espectacular.

Bajo mi punto de vista se trata de una obra original de pies a cabeza, despojada de cualquier fórmula o cliché preestablecido. Funciona a la perfección en una mezcla ideal entre el diálogo, el drama y cómo no, la música maravillosa.

Para mí, lo mejor de la película es el principio y el final. El principio, el número musical que presenta la película, por la frescura que derrocha y  la parte final, el epílogo destaca por ser mágico e inigualable. Te hace enamorarte y sufrir al mismo tiempo. Y la mirada y la sonrisa final que se dedican Mía y Sebastian, pasará a la historia del cine. Emociona.

En definitiva creo que es un clásico de nuestros días, una obra de las que dejan huella en la historia del cine musical, de lasque, además transmiten y nos hacen creer de nuevo en el CINE, ya que a pesar de que las ilusiones se pierdan y determinados sueños fracasen siempre la tendremos ahí,  para hacernos soñar e ilusionarnos de nuevo.

Altamente recomendable para pasar una buena tarde. Y lo mejor de todo es que sólo tienes que pasar por la biblioteca y llevártela a casa. DVD PE 4545 y DVD PE 4546

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RECOLECTURAS – Un amor

PRIMERO LA VIDA. DESPUÉS UN AMOR

Hoy en nuestra sección, el último Premio Nadal, Un amor de Alejandro Palomas.

A Alejandro Palomas ya tuvimos la oportunidad de conocerle cuando vino a la biblioteca a presentar su novela Un hijo, además es un asiduo de nuestro blog, ya que además de la anterior novela, también reseñamos Una madre.

Un amor, cierra la trilogía (de momento) de la familia de Amalia, después de Una madre y Un perro. Nos volvemos a encontrar con aquellos entrañables personajes que ya tuvimos la ocasión de conocer y querer, aunque en palabras del propio Alejandro: «Lo bueno de esta novela es que si no has leído las anteriores el impacto que te provocan estos personajes se multiplica por diez. Me da mucha envidia la gente que llega a esta familia por Un amor porque creo que no hay entrada mejor que esta».  Le doy la razón, porque aunque me ha gustado, más conforme me iba metiendo en la historia, no he tenido el impacto que me provocó el leer Una madre, cuando me encontré con ese descomunal personaje de Amalia, con sus carencias y sus virtudes, un personaje nuevo para mí, al que amé, como ya comenté en la reseña.

Amalia, como es habitual, está acompañada de sus hijos: Silvia, Emma y Fer, además de su perrita Shirley. A este círculo familiar se le une Magalí, la novia de Emma con quien Amalia entabla una gran amistad («ellas han sido la sorpresa»), tía Inés, que después de 8 años «vuelve» para quedarse, y Oksana, «mujer-loba» rusa, encargada del mantenimiento de un complejo de turismo rural en los pirineos y que, gracias a la complicidad que surge entre Amalia y ella, termina siendo una especie de asistenta y «chica de los recados».  Oksana jugará también un papel fundamental en la vida de Fer y podríamos decir que, en cierto sentido sustituye a la abuela Ester, aunque la abuela siga estando muy presente a través de las frases sabias que Fer irá recordando.

Han transcurrido ya 8 años desde los acontecimientos acaecidos en Una madre, y en esta ocasión, el eje central de la trama es la boda de Emma con Magalí, que por circunstancias de agenda, coincide en el tiempo con el cumpleaños de Amalia. A esto se une una noticia inesperada, justo la noche antes de la boda, de la cual no sabremos el contenido hasta casi el final, y que planteará conflictos a la familia por el hecho de ocultársela a  Amalia. Como decimos este es el eje de la trama, pero yo casi me atrevería a decir que es la excusa de Alejandro para poner en primer término a estos personajes, porque los que hemos leído en varias ocasiones a Palomas, sabemos que es un escritor de personajes, de indagar en el alma humana, de las relaciones interpersonales, y muy especialmente, de las relaciones familiares, las que constituyen esta familia singular, que se ha tenido que reinventar después de la marcha del padre tras el divorcio.

Vamos a seguir conociendo e indagando en estos personajes. Veremos a una Emma mucho más luminosa, «en la que la sonrisa es cada vez más parte de ella desde que llegó Magalí. Es como si después de años bregando por encontrar la buena compañía, la vida se hubiera acordado de ella y ella se lo agradeciera así, con esa sonrisa que no sabe contener, y en la que todos nos sentimos incluidos, porque en Emma hay siempre espacio para todos». A una Silvia mucho más tóxica, «siempre cerca y vigilante, sufriendo por anticipado el dolor de los demás para no hacerle sitio al propio…», y cuyo dolor se hace insufrible para sus seres queridos, que si no fuera porque saben que existe otra Silvia que a veces se intuye, y que es parte integrante de ese círculo familiar, ya la hubieran apartado de sus vidas. A Fer, testigo y narrador de la historia familiar, el pequeño y el único hijo varón, y que como casi todos los personajes arrastra un secreto que le crea mala conciencia, porque «nuestra casa está donde no necesitamos mentir». Y por supuesto Amalia, el alma-mater, la mamma, con sus torpezas y debilidades, sus complejos, su ternura, sus problemas físicos, al que por fin le damos respuesta al conocer que es albina, y que produce más de una situación hilarante. Una Amalia más «empotrada» que nunca, si si, «empotrada», porque Amalia adapta el lenguaje a su propio estilo, utiliza «empotrada» en vez de empoderada, que para ella es estar «mejor que bien». Una Amalia que tuvo que reinventarse a los 65 tras su divorcio:«lo que más miedo me da es no saber vivir sin tener que pedir permiso», con la que es difícil no perder los nervios, pero a la que se la quiere, se la quiere mucho; porque es la amalgama de esta familia, la mecánica que los une desde que el padre desapareció, «el retal más grande de este patchwork que tejemos y destejemos desde que lo hacemos juntos y desde aquí». Y como no, los personajes secundarios, que ya veremos que no lo son tanto: «tía» Inés «el genio, el carácter, la ausencia de concesiones», contrapunto a la suavidad y a la conciliación de Amalia, y la mejor y única amiga que le queda a Amalia de su círculo compartido con su ex-marido; Magalí, que crea desconfianza en la familia, excepto en Amalia, porque nunca quiere hablar de su pasado: «eres parte pero nunca serás miembro, porque no sabes compartirte», y Oksana, de la que ya hablamos anteriormente.

En definitiva una novela muy tierna y de gran sensibilidad, que mezcla humor y drama, y con un lenguaje sencillo que hace  que conecte con cualquier lector. Puro Palomas.

alejandro

Alejandro Palomas (Barcelona, 1967) es licenciado en filología inglesa y tiene un máster en poética por el New College de California. Ha compaginado sus incursiones en el mundo del periodismo con la poesía y la traducción de importantes autores. Como novelista ha publicado, entre otras, El tiempo del corazón, El secreto de los Hoffman, El alma del mundo y El tiempo que nos une, que le han valido importantes premios. En 2016 su novela Un hijo recibió el Premio Nacional de Literatura Juvenil. Con sus novelas más recientes Una madre y Un perro, dio arranque a una serie de personajes que ha enamorado a miles de lectores y que continúa con Un amor, Premio Nadal 2018. Su obra, llevada al teatro y próximamente al cine, ha sido traducida a quince idiomas. (La mayoría de su producción literaria la podéis encontrar en la biblioteca, también como traductor).

Si os habéis quedado con ganas de saber más, os invito al encuentro que este viernes, 6 de abril, vamos a tener en nuestras instalaciones con el autor a partir de las 19.00 horas. Un momento único para acercarnos a su obra. Os espero.

Os dejo con esta entrevista: http://www.elcultural.com/noticias/letras/Alejandro-Palomas-Un-amor-es-el-reflejo-de-como-estoy-en-el-mundo/11747

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CINEMA PARADISO – La habitación

La Habitación es una película del año 2015 que, a pesar de haber sido galardonada con el Oscar a la Mejor Actriz para Brie Larson, ha pasado en cierto modo un poco desapercibida y sin embargo creo que merece la pena ser reseñada.

Dirigida por Lenny Abrahamson y escrita por Emma Donoghue, está basada en  la novela del mismo nombre de la propia Emma Donoghue.

Creo que es una de las mejores películas de 2015 a pesar del comienzo nada halagüeño de una chica secuestrada en un zulo con la única compañía de su hijo pequeño y, por supuesto, del secuestrador. Cabría pensar que se trata de algo sumamente deprimente, morboso e insano, pero nada más lejos de la realidad. No se recrea en lo escabroso de la situación. Es precisamente la sencillez y hasta cierto punto la “normalidad” con la que Lenny Abrahamson retrata la vida cotidiana de madre e hijo en su encierro, lo que la convierte en una magnifica experiencia cinematográfica.

Sin necesidad de mostrar ninguna violencia o escena desagradable, logra transmitir una tensión asfixiante y casi inaguantable a veces, especialmente cuando el secuestrador está presente y nos hace sentir que lo que intuimos es sin duda mucho peor que lo que vemos.

Se trata de una película muy bella a pesar de ser una historia terrible y abrumadora, llena de amor y buenos sentimientos y sobre todo de reflexiones acerca de lo que hace que la vida valga la pena, y de cómo se puede reconstruir una vida rota por una experiencia absolutamente demoledora.

La interpretación de Brie Larson es absolutamente impecable. Muestra un aplomo increíble y una muy alta capacidad para emocionar. Su presencia, su mirada y su fuerza en la pantalla son sensacionales. Merecidísimo el Oscar. A su lado, el pequeño Jacob Tremblay, uno de los mejores niños actores en muchos años y que no desmerece en absoluto la brillante interpretación de Larson.

La primera hora de la película es una auténtica obra maestra que te toca en lo más profundo; una maravilla. La segunda parte es más convencional aunque no por ello infravalora la película.

Es muy interesante ver cómo la película nos da una visión del mundo a través de los ojos del pequeño Jack, especialmente cuando tiene miedo a la libertad y se siente perdido en un mundo que no entiende e incluso que se niega  a aceptar.

Es una película que se mide a través de las emociones. La banda sonora es sencilla pero perfectamente integrada en el todo. El guion está magníficamente hecho, por la misma autora de la novela en la que lo basa, y eso se nota.

En definitiva, “La habitación” es una película totalmente recomendable por su fuerza, su intriga y sobre todo por sus valores. Es una película que puede parecer pequeña, pero que gracias a sus magníficas interpretaciones y a la forma de contarnos la historia, se convierte en grande.

Y lo mejor de todo es que la podéis encontrar en la biblioteca. ¡Ven y llévatela a casa!. DVD PE 4399

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CINEMA PARADISO – Birdman

Acaba de celebrarse la tan esperada Gala de los Oscar para los amantes del cine y por eso sigo reseñando películas que triunfaron en anteriores ediciones. En esta ocasión, vuelve a coincidir el mismo director de la película que reseñé hace un par de semanas; se trata de Alejandro González Iñárritu. La película es “Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia)” del año 2014. Obtuvo 9 nominaciones y fue premiada con 4 estatuillas de las más importantes: Mejor Película; Mejor Director; Mejor Guion Original (el guion es también de Iñarritu entre otros)  y Mejor Fotografía para Enmanuel Lubezki. Curiosamente, al año siguiente, la película “El Renacido”, reseñada por mí recientemente y cuyo guion y dirección también es de Iñarritu, se alzó con el premio a la mejor fotografía en la misma persona, Enmanuel Lubezki, con el que habitualmente trabaja Iñarritu.

En general es considerada una de las mejores películas del año 2014 y cuenta la historia de Riggan Thomson, un decadente actor de Hollywood famoso por su papel del superhéroe Birdman, y su lucha por montar una adaptación teatral de un cuento de Raymond Carver, en la que ha invertido todo con la esperanza de ganar verdadero reconocimiento como actor.

La película tiene una peculiaridad y es que, a excepción de algunas de las tomas del inicio y el final, da la impresión de haberse rodado en una solo plano secuencia y esto no es nada habitual pero parece ser que el director lo concibió así desde el momento en que pensó en la película. Ya desde el principio, me llamaron mucho la atención los efectos de sonido y cómo se mueve la cámara por los pasillos, acercándose y alejándose del objetivo pero sin cambiar de plano. Me parece una forma muy original  e inteligente de abordar el rodaje.

A mi modo de ver  tiene un ritmo perfecto; nada es demasiado largo ni demasiado corto. Da la sensación de ser un torbellino, aunque  medido al detalle.

La fotografía es sobresaliente y las interpretaciónes de Keaton  y Edward Norton  son excepcionales tal y como acostumbran, llenando por completo la pantalla;  pero quizás lo que más me ha atraído de la película es lo agridulce de la historia que cuenta, y tiene, a mi juicio, el don del encanto y por eso es fácil conectar con la chica que se sienta al borde de la azotea esperando que algo cambie,  con el padre que se resiste a considerarse fracasado o con ese actor que solo actúa cuando está fuera del escenario. Cada pequeño carácter está lleno de vida.

Muestra al ser humano en su desnudez bajo una luz desagradablemente familiar. Ver la película puede ser como mirarnos en el espejo con todas nuestras heridas, nuestras aspiraciones, nuestra indiferencia por los demás. Podría decir que se trata de una película sobre nuestras obsesiones y nuestros sueños y la delgada línea que los separa y sobre nuestra desesperada necesidad de seguir caminando.

En definitiva creo que es un gran espectáculo visual, muy atrevida en sus formas y que constantemente homenajea al cine. Posee una maravillosa manera de narrar que combina la dosis justa de drama y de comedia. Una película de nuestro tiempo pero que mira al futuro, al tiempo que ha de venir. Quizás una de las cosas que más destacaría de ella es que posee un “algo” abstracto, algo mágico que la impregna de principio a fin. Creo que es muy recomendable verla y como siempre, ya sabéis que podéis pasar por la biblioteca y llevárosla a casa. DVD PE 4249

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CINEMA PARADISO – El renacido

En este mes de premios cinematográficos, seguimos recordando películas que triunfaron en los Premios Oscar y esta semana quiero reseñar “El Renacido”, película estrenada en diciembre de 2015, que fue nominada en doce categorías a los Premios Oscar y que finalmente obtuvo el Oscar a Mejor Director para Alejandro González Iñárritu, Mejor Actor para Leonardo di Caprio y Mejor Fotografía para Emmanuel Lubezki. También fue galardonada con cinco Premios Bafta y tres Globos de Oro entre otros muchos.

Se trata de una película semi-biográfica, con guion del propio director y de  Mark L. Smith, en una adaptación de una parte de la novela de Michael Punke, del mismo nombre y basada en un personaje histórico, Hugh Glass, trampero y explorador de inicios del siglo XIX.

Quizás lo más destacable de ésta película no sea la historia en sí misma, sino su realización técnica. Creo que en ese sentido estamos ante Cine con mayúsculas. La fotografía es absolutamente magistral y la cámara se mueve de esa manera que muy pocos directores dominan, entre ellos González Iñarritu. Ya desde el inicio, la película se muestra tremendamente brutal presentando a dos personajes en medio de una batalla entre indios y colonos en la que podemos apreciar que la violencia bien rodada también puede ser sinónimo de belleza.

Cabe destacar la interpretación de Leonardo Di Caprio con la que obtuvo un merecido Oscar a Mejor Actor . Papel en el que además, demuestra tener una potencia física impresionante al alcance de muy pocos actores. Refleja de manera magistral los sentimientos del personaje, sus ansias de venganza por encima de cualquier circunstancia, y todo ello a penas sin articular palabra.

En el otro extremo tenemos al villano, interpretado por Tom Hardy que lo borda haciendo de tipo despreciable y del que vale la pena no perderse la versión original para apreciar el acento que aporta a su interpretación para identificarse con un  paleto de principios del siglo XIX en la américa más profunda.

Dentro de los aspectos técnicos, como no, destacar la maravillosa fotografía de Lubezki que roza la perfección. Los bosques nevados, los ríos helados, los gélidos desiertos están magníficamente transmitidos. A esto le ayuda el sonido también excepcional y que contribuye a introducirnos por completo en la pantalla.

El director, como ya he comentado, es uno de los puntos fuertes de la película con su magistral manejo de la cámara. Iñárritu se recrea en cada detalle, en cada gota de agua, en cada chispa de fuego, para de esa manera, hacernos sentir casi lo que el protagonista siente en cada momento.

La película es una revisión del western con todos los elementos que lo caracterizan; la venganza, la violencia, la supervivencia, incluso la suciedad, y todo realizado en el momento actual pero sin perder un ápice de la esencia de los mejores tiempos del género. Lo que ocurre en la cinta es la vida propiamente dicha, no hay idealización de la existencia o de cómo debería de ser.

En definitiva creo que es una gran historia con una magnífica puesta en escena, algunas metáforas visuales de lo más acertado y todo ello en un guion en dónde se encumbran los silencios y no porque el texto sea malo sino porque los silencios son aún mejores y todo esto unido a unas interpretaciones magistrales.

En mi opinión es una película imprescindible en la historia de los Premios Oscar y que creo que nadie debería perderse. A mí me gustó mucho.

Si te apetece verla, ya sabes que no tienes más que pasar por la biblioteca y llevártela a casa en préstamo. DVD PE 4439

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CINEMA PARADISO – Tarde para la ira

El pasado fin de semana se entregaron los Premios Goya que concede la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas. El cine español está de fiesta y es por eso que esta semana quiero reseñar la cinta “Tarde para la ira”, un thriller dirigido por Raúl Arévalo y protagonizado por Antonio de la Torre entre otros, que obtuvo el galardón a Mejor Película en la edición del pasado año. Fue nominada para 11 categorías y se alzó con cuatro premios Goya; el ya mencionado a la  Mejor Película y además, Mejor Dirección Novel, Mejor Actor de Reparto para Manolo Solo y Mejor Guion Original para Raúl Arévalo y David Pulido.

La película se desarrolla en un ambiente rural de la España profunda, en cierta semejanza con la también premiada y protagonizada por el propio Raúl Arévalo, “La isla Mínima” y que responde al mismo tipo de cine, en donde el crimen, la venganza y la tragedia marcan el guion, muy influenciado por ese  tipo de cine que se hacía sobre todo en los años 70 en España y que nos recuerda nombres de directores como Pedro Olea, Mario Camus o Víctor Erice.

Muestra personajes profundos, complejos y muy bien dibujados, creando una atmósfera asfixiante y personalísima, sin trampas en el guion y con magníficas localizaciones que le dan a la película una personalidad propia. A eso ayuda también una magnífica banda sonora y unas interpretaciones de sobresaliente. Antonio de la Torre está magistral de principio a fin, Se adapta al personaje como a un guante, quizás porque Raúl Arévalo confesó que diseñó el personaje pensando en él.

Creo que es una película que habla de la muerte en vida, de la desesperación y el odio, y de cómo el rencor y la venganza forman parte del ser humano; es la sensación de que el tiempo nunca cura el dolor auténtico.  El debut de Raúl Arévalo como director seguro que no va a dejar indiferente a nadie. Creo que es una película emocionante, muy bien dirigida y con una narración muy limpia. El director utiliza muchos primeros planos para conseguir transmitir con más eficacia las emociones de los personajes. Esto unido al grano de la cinta, hacen que la atmosfera sea más opresiva y transmita calor.

El guion, a pesar de ser sencillo y nada novedoso, está muy bien construido y sin embargo podemos decir que éste sería el aspecto más flojo de la cinta, que es una de las mejores películas que se han hecho en España últimamente. Disfruté mucho apreciando el avance y la evolución de los personajes, especialmente del dúo  De la Torre y Calleja que se complementan a la perfección y que transmiten esa tensión opresiva en todo momento.

“La venganza se sirve fría” y “tarde es para la ira” pero la venganza viene cuando viene y vemos cómo los acontecimientos se precipitan mostrando un espectáculo frio y tenso en el que el director no se regodea sino que simplemente lo muestra.

Me parece una excelente película y fue una sorpresa para mí descubrirla. No falta ni sobra nada; ninguna escena que podría haberse suprimido. Es dura, arriesgada, precisa y desoladora al mismo tiempo. Altamente recomendable.

Y ya sabéis. Es tiempo de frio, es tiempo de cine y nada mejor que pasar la tarde con una película al calor del hogar. Pasa por la biblioteca y llévatela. DVD PE 4466

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