Recordando a OCTAVIO PAZ

Difícilmente pasará hoy el día sin que te enteres de que hace 100 años que nació el mexicano universal Octavio Paz, Premio Nobel de Literatura en 1990. Poeta, ensayista, editor de varias revistas, siempre «atraido por el arte, la antropología, la artesanía, la ciencia, la política y la historia».

Ayer, además, moría su única hija, Helena Paz Garro. La relación entre ambos fue difícil y nula a veces, pero al final se reconciliaron. Quizás hoy estén juntos recuperando el tiempo perdido.
Numerosas instituciones y medios de información conmemoran hoy esta fecha, por lo que nada nuevo os puedo decir yo que no encontréis hoy en los medios de comunicación.

 
Y además, es que no quiero decir nada, porque poneros un resumen de su biografía sería un poco como llevarle la contraria, pues él dijo:

Los poetas no tienen biografía. Su obra es su biografía. Hablaba de Fernando Pessoa, pero igual podía servir para él.
Así que creo que el mejor homenaje que podemos hacerle nosotros, desde la biblioteca, es mostrar su obra para que ustedes puedan leerla.

Estos son los títulos que encontrarán en nuestras estanterías:
Tiempo nublado ………………………………………………………………….N PAZ Oct tie
Libertad bajo palabra(1935-1957)………………………………………….P PAZ lib
Primeras letras ……………………………………………………………………N PAZ Oct pri
El laberinto de la soledad; Posdata; Vuelta a “El laberinto de la soledad”…………………………… 1 PAZ lab
Jardines errantes: Cartas a J.C. Lambert: 1952-1992 ………………..N* PAZ Oct jar
Octavio Paz [Antología] ………………………………………………………..P PAZ ant

Y otros libros que hablan de él:
El filo del ideal: Octavio Paz en la Guerra Civil / Guillermo Sheridan 82.0 PAZ She
Memorias de España 1937 / Elena Garro N* GAR Ele mem

Además, el suplemento El Cultural del viernes 28 de marzo, le dedica varios artículos muy interesantes, y por supuesto puedes leerlos aquí, en tu biblioteca.

¿Os habéis fijado que no sólo escribió poesía? No dejéis pasar de largo sus ensayos, ni la obra de la que fue su mujer, Elena Garro, contando el viaje que por España hicieron juntos.

CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

EL PERFUME

El pasado día 26 de marzo fue el aniversario del nacimiento de Patrick Süskind (26 de marzo de 1949), escritor y guionista de cine alemán, de Baviera para más señas.
Su primera obra como escritor fue un monólogo teatral titulado El Contrabajo, estrenado en Múnich en 1981 y en la temporada 1984/1985 ofreció 500 representaciones convirtiéndose así en la pieza teatral de idioma alemán que más tiempo ha permanecido en cartel y hoy día es repuesta constantemente en teatros alemanes e internacionales. Pero el éxito con mayúsculas como escritor le llegó con El Perfume en el año 1985. Una novela que pertenece al género del realismo mágico, fue traducida a 46 idiomas y rápidamente se convirtió en un bestseller con aproximadamente 15 millones de ejemplares vendidos. Fue llevada al cine por el director Tom Tykwer tras 15 años de arduas negociaciones, pues Süskind pensaba que no era posible llevar su novela al cine y mantener todas las sensaciones que él con su pluma plasmó en ella. Fueron varios los productores, entre ellos un amigo suyo, los que le hicieron ofertas para adaptarla, y fue Constantin Film quien finalmente asumió los derechos y el coste de desarrollo. Se estrenó en Múnich en el año 2006.
No se conoce mucho de la vida personal de Patrick Süskind pues rara vez concede entrevistas, no aparece en público y ha rechazado varios reconocimientos como los premios de literatura Gutemberg, Tukan y FAZ. Tampoco asistió al estreno de la versión cinematográfica de su novela El Perfume.
Esta semana queremos recomendar precisamente ésta fascinante adaptación cinematográfica titulada El Perfume. Historia de un asesino.

SINOPSIS

Jean-Baptiste Grenouille (Ben Whishaw) nació en mitad del hedor de los restos de pescado de un mercado y fue abandonado por su madre en la basura. La autoridad se hizo cargo del bebé y sentenció a su madre a la horca. El chico creció en el ambiente hostil de un hospicio, nadie le quería e incluso sus compañeros intentaron asesinarle. Había algo que le hacía diferente: no tenía olor. Sin embargo, Jean-Baptiste poseía un olfato excepcional. A los 20 años consigue trabajar para el perfumero Baldini (Dustin Hoffman), quien le enseña a destilar esencias. Pero él quiere atrapar otros olores: el del cristal, el cobre… pero, sobre todo, el de ciertas mujeres. A cambio de un centenar de fórmulas de nuevas fragancias con las que Baldini podría hacerse rico, éste le escribe una carta de recomendación para que pueda aprender el arte de enfleurage en la capital mundial del perfume: Grasse. Una vez allí, conseguirá su objetivo: un magnífico perfume cuyo ingrediente es la esencia de jóvenes muchachas.

 

Se trata de una de las mejores adaptaciones literarias que se hayan llevado a cabo por parte del séptimo arte, un filme apasionante de una crudeza sin par, compensada por una belleza plástica de una fuerza asombrosa.

De hecho, si hay algo que sorprende es la singular maestría que el realizador demuestra a la hora de transmitir el olor a través de las imágenes de forma tan directa como Süskind conseguía hacer mediante el uso de la palabra.

A quien hubiera leído el libro con anterioridad a ver el filme, es muy probable que se le planteara la seria duda de si la traslación cinematográfica se atrevería o no a plasmar en imágenes tanto la orgía en la plaza de Grasse como el tétrico y desazonador final en el mercado de París: el atrevimiento necesario para ello parecía quedar muy lejos de lo que una cinta comercial osaría poner en pie, y de ahí que la sorpresa fuera mayúscula al comprobar cómo, no sólo aparecen rodadas, sino que hacen gala de una fidelidad asombrosa para con el texto original demostrando, si hasta ambos momentos no había sido demostrado hasta la saciedad, que ‘El perfume’ es un filme como pocos se han dado en la historia de las adaptaciones literarias, convirtiéndose por méritos propios tras sus dos horas y media de metraje en una apasionante y apasionada declaración de amor por el texto que le sirve de inspiración.

Pueden encontrar tanto la película como la novela en nuestra biblioteca.

RECOLECTURAS – Empieza la semana con un buen libro

Hoy traemos una novela de uno de los mejores autores norteamericanos del s.XX, Truman Capote.

Él mismo decía: «Empecé a escribir cuando tenía 8 años: de improviso, sin inspirarme en ejemplo alguno. No conocía a nadie que escribiese y a poca gente que leyese. Pero el caso era que sólo me interesaban cuatro cosas: leer libros, ir al cine, bailar claqué y hacer dibujos. Entonces, un día, comencé a escribir, sin saber que me había encadenado de por vida a un noble, pero implacable amo.»

Y a lo mejor, por eso de no conocer a nadie que escribiese y a pocos que leyesen, se inspiró para sus primeros cuentos en su propia historia y lo que le rodeaba. Dejando así en esta novela, la primera que publicó, un reflejo de la vida sureña, apacible pero llena de prejuicios, estereotipos y excentricidades.

Y volvía a explicar Capote: «Los escritos más interesantes que realicé en aquella época consistieron en sencillas observaciones cotidianas que anotaba en mi diario. Extensas transcripciones al pie de la letra de conversaciones que acertaba a oír con disimulo. Habladurías del barrio. Una suerte de reportaje, un estilo de ver y oír que más tarde ejercitaría verdadera influencia en mí, aunque entonces no fuera consciente de ello…»

Se trata pues de una novela iniciática, sorprendente para muchos y vaga para otros en comparación con sus obras posteriores. Pero sin duda digna de ser leída, en la que un joven protagonista busca a su padre desconocido y va formando por el camino su propia identidad.

Pero no sólo llegará a conocer a su padre, sino que también conocerá a un buen montón de personajes curiosos. Lo que Joel, el protagonista, descubre gracias a ellos, cambiarán su visión del mundo y de su destino.

No dejéis pasar esta novela en la que la realidad deja algo de margen a la imaginación, leed entre líneas, poneos en la piel de un chico en esa edad tan difícil, y disfrutad.

CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca.

CINE JAPONÉS

Éstos días podemos disfrutar en el Museo de Fuengirola de una exposición muy interesante, que con el nombre de  “Japón. Honor y Tradición”, nos acerca a ésta cultura, tan distinta a nosotros y tan atractiva y atrayente a la vez.

 

Una parte importante de la cultura es el cine y por eso mi reseña de hoy está dedicada al cine japonés.

El cine japonés es una de las vertientes más especiales de la historia del séptimo arte. Sus temas se alimentan de su historia épica y trágica, de su espiritualidad ancestral o de su nueva realidad presente en los últimos tiempos.

En Japón, éste espectáculo se instaló tempranamente y su aceptación fue creciendo hasta alcanzar niveles de fanatismo, superiores incluso a los de occidente. Éste cine nacional se alimentó de los hábitos, costumbres y tradiciones de un país dos veces milenario. Bebió también en las fuentes del drama Kabuki.

En los años 20 y tras la catástrofe del terremoto de 1923, la industria del cine se recompuso y la producción llegó a superar los 700 films en la segunda mitad de la década.

Su producción se centró en las películas de época, feudales sobre todo, que convivieron durante mucho tiempo con películas que miraban más a las clases populares, a la vida contemporánea, entre la comedia y el drama.

Todos los directores evolucionaron durante los años 30 y 40 sobre estos modelos temáticos, pero sólo se dará a conocer a fondo en occidente a partir de los años 50.

Los principales festivales internacionales de cine abrieron las puertas al cine japonés concediendo importantes premios a películas como “Rashomon” del gran Akira Kurosawa, “Cuentos de la luna pálida” y “El intendente Sansho” de Kenji Mizoguchi o “La puerta del infierno” de Teinosuke Kinugasa.

Se descubrió en ellas una estructura narrativa muy evolucionada, con muchos puntos de contacto con la producción de occidente, así como la magnífica interpretación de actores como Toshiro Mifune, Chishu Ryu o Takasi Simura entre otros.

El más conocido en occidente fue sin duda Akira Kurosawa, que sorprendió a lo largo de su vida con  títulos como “Vivir”, “Los siete samuráis”, “Derzu Uzala”. “Kagemusa” o “Ran”. Algunas de sus obras son adaptaciones al mundo japonés de obras sobre todo de escritores rusos como Dostoyevski.

Destaca también Kon Ichikawa con “El arpa birmana”, soberbio trabajo sobre el horror de la guerra.

Años después llegaron de forma aislada películas que continúan llamando la atención por la crudeza de las historias y la reflexión continuada de los directores sobre temas arraigados en la tradición japonesa como las obras de Nagisha Oshima con “El imperio de los sentidos” o Shoei Imamura con “La balada de Narayama”, adentrándose en el mundo de los sentimientos de la realidad cotidiana.

El mundo del comic, tan importante en Japón se proyecta internacionalmente tanto en el cine de adultos como en el infantil con películas como Akira del maestro del manga Katsuhiro Otomo.

En general, si algo se puede destacar del cine japonés, en cualquiera de sus épocas o de sus géneros es su gran plasticidad.

Quiero recomendar especialmente la obra de Kenji Mizoguchi “El intendente Sansho”, del año 1954. Un drama feudal del siglo XII  que obtuvo el León de Plata en el Festival de Venecia, nominada también al León de Oro.

 

Mizoguchi nos ofrece un implacable retrato del Japón feudal, aquél estructurado en ciudadanos de primera -esos gobernadores exentos de compasión, con Sansho como el máximo exponente– y los de segunda -la plebe, los esclavos, los súbditos. Pero lo que realmente  hace grande al relato, es que, a pesar de que su acción transcurre hace casi diez siglos, los temas que aborda son tan universales y atemporales -tiranía, corrupción, incompetencia de los gobernantes, desigualdades sociales, inmoralidad – que podrían extrapolarse a nuestros días. Por encima de todo, estamos ante una historia que ofrece un descarnado retrato del dolor, ese que remueve las entrañas y que llena de impotencia al espectador. Quizá porque sabe que está asistiendo a un espectáculo, en efecto, más cerca de la realidad que de la ficción. 

Se trata de un film pausado, decididamente contemplativo y con suaves o directamente inexistentes movimientos de cámara, como si cada fotograma fuese una pieza de orfebrería que rebosa autenticidad por los cuatro costados. 

Si bien el nivel que la película mantiene durante sus más de dos excesivas horas de duración roza la perfección, es en su tramo final -unos diez minutos considerados uno de los mejores finales jamás rodados, cuando alcanza todo su esplendor.  Muy recomendable.

RECOLECTURAS – Empieza la semana con un buen libro

Es curioso esto de los libros, a veces los eliges tú y otras veces ellos te eligen a ti. Es como si te buscaran; hace tiempo que pensaba hacer una reseña sobre libros de arte, no exactamente los libros que tenemos en el 7 (para los no aficionados a las bibliotecas, en este número colocamos los libros sobre ARTE), sino hacer un catálogo con novelas en las que el arte es protagonista, o tiene al menos un papel importante en la historia. Pero siempre, por unas cosas u otras, lo voy posponiendo.

Hoy la entrada iba a ser otra y no ésta, pero buscando información sobre ella fui saltando de una autora a otra, de una ciudad a otra, de una época a otra, de un título a otro, y mira tú por donde, el arte volvió a aparecer, así, porque sí, con la única relación “ilógica” y arbitraria que se forma en la cabeza de cada cual.

Así que decidí no posponerlo más y hablar de Arte…y más, de pasiones, de crímenes, de todo lo que rodea a los procesos creativos, de ideas, de traiciones, de misterio, de robos, porque el arte está en todas partes, aunque algunas veces no lo entendamos.

De todos esos libros que tenemos las bibliotecas para acercaros a este tema, la recomendación de esta semana es

 Todo cuanto amé, de Siri Hustvedt:

El aprecio por un cuadro de Bill Wechsler lleva al historiador de arte Leo Hertzberg a querer conocer a su autor. Una profunda amistad, basada por igual en afinidades y contrastes, los unirá desde entonces, e incluirá asimismo a sus familias. A lo largo de los años tres mujeres orbitan en su universo: Erica, la hermosa profesora casada con Leo, y las dos esposas del pintor. La primera, Lucille, es una hermética y perfeccionista poeta; la segunda, Violet, antigua modelo, se dedica a la investigación psicológica. Pero cuando una muerte trágica sacude inesperadamente el mundo de estos personajes, entre ellos surge un nuevo orden, bajo el que late un oscuro engaño que acabará por erigirse en una amenaza de imprevisibles consecuencias. En esta ocasión la autora muestra su exquisita sensibilidad, su agudeza analítica y su maestría literaria en un apasionante estudio sobre las relaciones humanas y el proceso de la creación artística.

De ella dijo Salman Rushdie que era “la novela más ambiciosa y más gratificante de Siri Hustvedt. Fascina, apasiona e inquieta. Hustvedt es una artista singular, una escritora dotada de considerable inteligencia, profunda sensualidad y una cualidad difícilmente definible para la cual sólo se me ocurre una palabra: sabiduría”

CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

 “300”

 Éste fin de semana, coincidiendo con el estreno en cines de la segunda entrega de la saga, queremos recomendar una película especialmente dedicada a los amantes de la aventura y del comic. Nos referimos a “300”.

Basada en la épica obra gráfica de Frank Miller del mismo nombre, narra de manera espectacular la batalla de las Termópilas (año 480 a. C.), en la que el rey Leónidas, junto con sus 300 espartanos, luchó a muerte contra el emperador Jerjes y su gran ejército persa.

Haciendo frente a insuperables adversidades, el valor y el sacrificio de éstos hombres inspiró a toda Grecia para unirse contra el enemigo persa.

Así mismo muestra con su acertada voz en off cómo debió de ser la vida en Esparta en éste momento e impresiona cómo era la formación de los niños destinados a ser soldados, desde muy temprana edad.

La aclamada obra gráfica de Miller cobra vida en las pantallas con un feroz estilo visual que combina la acción real con espectaculares fondos digitales.

Misteriosos, feroces, extraordinarios. Los espartanos pertenecen a una de las culturas más enigmáticas de la historia. Entrenados para no retirarse ni rendirse jamás, son los guerreros perfectos.

Dice Frank Miller: ”Los espartanos siguen siendo un misterio para todos. Podría decirse que son excepcionales porque son una cultura eminentemente bélica, dedicada por entero a la guerra. Poseen un código de honor de lo que significa ser espartano y de él surge una clase heroica como jamás se ha visto antes en todo el mundo”.

El co-guionista y director Zack Snyder añade: “Los espartanos viven para la batalla, la adoran. Pelean como uno solo, creando una falange en la que el escudo de cada soldado protege al hombre que hay a su lado. Es una visión impresionante e intimidatoria, incluso para los ejércitos persas. Aunque los espartanos tenían muy pocas probabilidades de éxito debido a su escaso número de soldados, su forma de luchar hizo que vencieran a un ejército monumental como el de los persas”

Se trata en cualquier caso de un film innovador por su utilización de todos los recursos de la tecnología digital para evocar un pasado inexistente, un universo imaginario, que asombra por su concepción dinámica y plástica.

Resulta fascinante así mismo el diseño de los títulos de crédito finales y su forma de romper con la tradición bidimensional de los comics.

En definitiva, vais a revivir la historia a punta de espada y a experimentar un nuevo y vanguardista concepto de la realización cinematográfica

 

MESA TEMÁTICA JAPÓN

El viernes pasado inauguramos nueva MESA TEMÁTICA, esta vez nuestra atención se centra en JAPÓN. Encontraréis en ella libros de cocina, jardinería, poesía, religión, de arte y manualidades, novelas, películas, guías de viaje… Tenemos como veis mucho material para acercaros a este país y su cultura centenaria.

 Y de aquí sacamos la recomendación para esta semana, El Japón heroico y galante, de Enrique Gómez Carrillo. Porque, si no puedes viajar allí, no hay nada mejor que te lo cuente alguien que ha estado, por eso elegimos esta novela de viaje, para disfrutar con las experiencias reales de un personaje además muy peculiar, que tuvo una vida errabunda y pintoresca de escritor, diplomático y periodista. Aunque este libro se escribió hace poco más de un siglo, las leyendas que recogen no han cambiado, aunque sí lo ha hecho el país en otras muchas facetas. Pero E. Gómez Carrillo, además de reflejar la cultura popular y lo más conocido, habla también de las cosas que no agradan tanto, el mal estado de las calles, la miseria, los barrios marginales, el harakiri, los prostíbulos. Y todo ello sin pensar que pueda ofender a nadie, sin ser políticamente correcto, lo dicho, como nos lo contaría un amigo que hubiera estado allí.

Pertenece a la colección Los viajeros de la editorial Renacimiento, según la cual “su autor, siendo siempre escritor no deja nunca de ser periodista, atento siempre al detalle feliz y curioso que logre hacerse ameno a sus lectores.

En un tiempo, el anterior a la Primera Guerra Mundial, en el que cuando los hispanoamericanos viajaban a París y los españoles ni eso, Gómez Carrillo acertó a darnos noticia curiosa de Rusia, Grecia, Turquía o Egipto.

Este libro, El Japón heroico y galante es la versión definitiva de su viaje a ese país, que ya había sido abocetado en dos libros anteriores: “De Marsella a Tokio” y “El alma japonesa”. Gracias a Gómez Carrillo, el primer viajero hispánico moderno, podemos vislumbrar lo que ha permanecido y lo que ha cambiado en la siempre incógnita alma japonesa, que felizmente aun habita estas páginas.”

Os dejamos además un catálogo con otras obras que podéis encontrar

CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

 Steve McQueen

Acaba de celebrarse la gala de los Oscar en su 86 edición y la película “12 AÑOS DE ESCLAVITUD” , del director Steve McQueen ha logrado la estatuilla más importante al triunfar como mejor película del año en los premios de la Academia de Hollywood, celebrada en el teatro Dolby de Los Ángeles.

 

 
Basada en el libro de Solomon Northup, «12 años de esclavitud», recibió también el Oscar al mejor guión adaptado para John Ridley y a mejor actriz de reparto para Lupita Nyong’o . Es el mejor testimonio sobre la época más sombría de la historia estadounidense a través de las desgarradoras memorias de Solomon Northup, un afroamericano nacido como hombre libre en Nueva York. Estas memorias las escribió después de haber pasado doce años esclavizado en varias plantaciones de Luisiana. Corría el año 1841 cuando fue engañado, secuestrado y vendido. Desapareció sin dejar rastro.

Su relato es sobrecogedor y su punto de vista, inusual, pues Northup conoció de primera mano qué significaba ser un hombre libre y ser víctima de la esclavitud. Su valioso libro ha perdurado por ser una crónica sobre el mal y el lado oscuro del ser humano, pero nos lega asimismo un bello tratado acerca de la amistad y de la superación.

Steve McQueen, director de esta adaptación, ha dicho que es «un libro tan importante como el Diario de Ana Frank, pero publicado casi cien años antes.»

Steve Rodney McQueen, más conocido por Steve McQueen es un cineasta, fotógrafo y escultor británico, aunque es más conocido por sus películas. Ha ganado los premios Turnes, Bafta y el Festival de Venecia en 2011 por su película Shame. También ha ganado los Globos de Oro y Bafta, además de los Oscar por su última película “12 años de esclavitud”.

Ha hecho cine mudo y en blanco y negro en sus orígenes. Después experimentó con el “cine-escultura”, es decir, proyectar la película filmada con varias cámaras distintas, sobre tres paredes blancas al mismo tiempo, en un espacio cerrado de una galería de arte.

A partir de 2008 se ha dedicado más al cine comercial y ese mismo año triunfó con la película “Hunger”, sobre la huelga de hambre irlandesa de 1981, que significó una de las más enérgicas irrupciones de talento que el panorama cinematográfico reciente recuerda. Con ella recibió el premio Camera D’or en el festival de Cannes, entre otros.

En el año 2011, con su segundo largometraje “Shame”, fue seleccionado para representar al Reino Unido en la Bienal de Venecia y ganó el premio FIPRESCI en el Festival de Venecia. Con ésta película, todas las expectativas que se crearon con “Hunger” quedaron sobradamente confirmadas.

Ahora ha ganado el Oscar a la mejor película con su último largometraje “12 años de esclavitud” y con ella está cosechando numerosos premios, entre otros el Globo de Oro, etc.

Es la primera vez que una película dirigida por una persona de color gana la estatuilla principal.

Steve McQueen ha dicho en alguna entrevista que “el cine ha ignorado por sistema el tema de la esclavitud. La segunda guerra mundial duró 5 años y hay miles de películas sobre ella y el holocausto, y sin embargo la esclavitud duró 400 años a apenas hay 20. Ya es hora de equilibrar esas cifras”.

Otras películas antirracistas de la historia reciente del cine y que pese a haber sido nominadas en varias ocasiones no han obtenido premio, y de las que algunas podéis encontrar en nuestras bibliotecas son:

• “Django desencadenado”(2012)

 

 

 

 

 

 

DVD PE 3790 en Biblioteca “Miguel de Cervantes”

 

 

• “Criadas y señoras”(2011)

DVD PE 3753 en Biblioteca “Miguel de Cervantes”

 

 

 

 

 

 

• ”Amistad”(1997)

• Arde Mississippi”(1988) y

• “El color purpura”(1985)

DVD PE 463 en Biblioteca “Lope de Vega”

 

 

 

 

 

 

 

 

 Así mismo podéis encontrar en nuestra biblioteca “Miguel de Cervantes”la película déste director Steve McQueen “Shame”

 

 

 

DVD PE 3757.

 Así mismo, sobre el tema de esclavitud, en la biblioteca tenéis obras como La Cabaña del tío Tom; La biografía de Abraham Lincoln; El mundo conocido; Esclavos en España: las mafias del estrecho; Historia de la esclavitud; La isla Bajo el mar; El jinete del silencio; La música del viento, etc.

A disfrutar del buen cine, y desde aquí nuestra humilde, aunque no menos sentida enhorabuena para el galardonado director Steve McQueen.

 

RECOLECTURAS – Empieza la semana con un buen libro

Hace un par de semanas, la autora original de este blog se despedía de todos vosotros por un tiempo, el motivo: iba a prepararse para ser mamá… Ya es MAMÁ!

La entrada de hoy va por ella y por su bebé. Es un libro que en nada se parece a lo que normalmente se recomienda en este blog, pero la ocasión permite una excepción.

La maternidad es algo maravilloso.

La maternidad es lo mejor de nuestra vida.

La maternidad nos hace mejores.

La maternidad bla, bla, bla.

¿Perdona? ¿Así de bonito? ¿Siempre?

Oigo desde aquí el grito de muchas madres maravillosas contestando: NOOOOOOOOOO

Y perdonad, padres, que no os incluya, pero el embarazo y el parto y el postparto son nuestros, ojalá los pudiéramos delegar en vosotros, tan fuertes y valientes, ¿tendríamos entonces más de un hijo?

Y perdonad, madres que no os reconocéis en ese grito, me alegro de corazón de que lo llevarais tan bien. Esta entrada tampoco es para vosotras.

En este libro se cuenta lo que pensamos y no decimos: que la maternidad no es un paraíso de madres perfectas y serenas; vale, tampoco es el peor de los infiernos. Pero sí tiene sus momentos difíciles, incómodos, llenos de insomnio y de carreras.

Una madre muy sabia que yo conozco bien, dice que le dan pena las mujeres de hoy, que trabajan el doble de las de antes, pero disfrutan de su casa y su familia la mitad. Bueno, quizás no haya que llegar a sentir pena, quizás no estemos tan mal, pero vamos a permitirnos decir las cosas sin temor a quedar como como madres sin corazón.

Porque todas somos geniales, porque hay tantos tipos de madre como tipos de mujer y las comparaciones son odiosas, porque podemos (aunque es mejor que no nos mande Dios todo lo que podemos soportar, como dice una amiga también muy sabia) y, en definitiva, porque nadie te enseña a ser madre y hay que aprender cada día y resulta que al final no lo hacemos tan mal como pensamos.

¡Vivan las perfectas-madres-imperfectas!