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CINEMA PARADISO – Festival de Cannes

El pasado domingo, día 28, concluyó la 70 edición del Festival de cine de Cannes, uno de los  más emblemáticos a la vez que glamurosos de Europa, y por ende, del mundo.

El Festival de Cannes nació el año 1939 si bien no será hasta el año 1946 cuando celebre su primera edición efectiva. Hoy día el Festival de Cannes es la cita cinematográfica más prestigiosa y el evento cultural más mediático del mundo. Se ha convertido en imprescindible para los países productores de películas y esto es gracias a su historia, sus selecciones y sus galardones a la vez que uno de los más grandes honores en la industria del cine. Su seña de identidad es presentar películas más independientes y de enorme calidad.

Ajustándonos a las declaraciones de su actual presidente, Thierry Frémaux, el festival se fundó con la vocación de dar a conocer y respaldar obras de calidad para fomentar la evolución del cine, favorecer el desarrollo de la industria del cine en el mundo y proyectar el séptimo arte a nivel internacional. Todavía hoy, esta máxima sigue siendo el primer artículo del reglamento del Festival.

«El objetivo del Festival es fomentar el desarrollo del arte cinematográfico en todas sus formas, y crear y mantener un espíritu de colaboración entre todos los países productores de películas» (extracto del reglamento, 1948).

Se compone de diferentes secciones, que engloban toda la diversidad de creación cinematográfica y cada una de las cuales tiene su propia identidad.

El Festival está muy atento a descubrir nuevos talentos y a servir como trampolín a la creación. El trabajo más importante, pero también el menos visible, es el que realizan los cazatalentos del equipo, que recorren el mundo y los festivales cada año para detectar realizadores prometedores. A lo largo de la historia del Festival, se han desarrollado varias acciones destinadas a apoyar los talentos del futuro. Existe la Caméra d’Or, que recompensa la mejor ópera prima presentada en todas las secciones (Sección oficial, Quincena de Realizadores o Semana de la Crítica) o incluso la Cinéfondation, que presenta películas de escuelas de cine, y organiza la Résidence y el Atelier. El desarrollo de «Cannes Court Métrage» también tiene este propósito. Todas estas acciones combinadas le permiten al festival seguir siendo un observatorio sobre las tendencias del cine del futuro y ahí radica su importancia.

Su mítica “alfombra roja” ¡Es el buque insignia! Es la parte más mediática del evento y, para la organización, la oportunidad de recibir por primera vez y con los mismos honores a los artistas más importantes del cine mundial y a los talentos emergentes. También supone una ocasión para rendir homenaje a la creatividad de los artistas sobre la que descansa el prestigio del Festival.

La carrera de una película y la reputación de un autor descansan ante todo en su acogida en salas. A pesar de estar reservado a los profesionales, el Festival es consciente de esta realidad y de la importancia del acceso de los cinéfilos y por eso, desde el año 2012, la película inaugural se estrena en salas en Francia el día de su presentación en Cannes y la ceremonia de inauguración se proyecta en los cines para que los espectadores puedan vivir en directo la noche de inicio del Festival.

En Cannes, el Cinéma de la Plage, una sala al aire libre, ofrece cada noche una película (y desde 2010, en ocasiones, en primicia mundial), en el marco de una programación temática. Se trata de proyecciones al aire libre abiertas a todo el público.

El Festival está sólidamente anclado en su historia, pero se mantiene muy atento a acoger la novedad y la originalidad. Con el paso de los años, ha evolucionado tratando de conservar sus valores esenciales: la cinefilia, el descubrimiento de nuevos talentos, y la acogida de los profesionales y de los periodistas que acuden de todas partes del mundo para contribuir al nacimiento y a la difusión de las películas.

En cada nueva edición, nacen proyectos, se transmiten experiencias, se entrecruzan culturas: es también esta efervescencia la que convierte al Festival de Cannes en el reflejo de su época.

Su galardón más importante es la mítica “Palma de Oro”, además de otros menos conocidos como “Gran Premio” o “Premio del Jurado”.

En la edición de este año del 70 aniversario, muchos críticos han declarado que las películas que han participado en sección oficial, no estaban a la altura en cuanto a calidad y que por el contrario, ésta si se ha apreciado en películas fuera de la misma. No obstante, los galardonados éste año 2017 han sido:

Palma de Oro: “The Square” de Ruben Östlund.

Gran Premio del Jurado: “120 battments par minute” de Robin Campillo.

Premio del Jurado: “Lovelless” de Andrey Zuyagintser

Premio a la Mejor Dirección: Sopía Coppola por La seducción (The Beguiled)

Premio a la mejor interpretación masculina: Joaquin Phoenix por You Were Never Really Here.

Premio a la mejor interpretación femenina: Diane Kruger por In The Fade

Premio especial del 70 aniversario del Festival: Nicole Kidman (con dos películas en Sección Oficial: The Killing of a Sacred Deer y La seducción)

Cámara de Oro (Mejor debut): Jeune Femme, de Léonor Serraille

FIPRESCI: BPM (Beats Per Minute), de Robin Campillo

Y ya estamos impacientes por verlas.

A lo largo de todos estos años han sido muchas las películas que se han alzado con estos importantes galardones , tales como:

Esto es sólo un ejemplo. Todas estas y muchas más os están esperando en la biblioteca. ¡No dejéis de verlas!

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CINEMA PARADISO – Mujeres y cine

Hoy día 8 de marzo se celebra el día internacional de la mujer trabajadora y desde aquí quiero rendir homenaje a todas las mujeres del mundo, las que trabajan fuera de casa y también a las que lo hacen desde su hogar, y quiero hacerlo con cine. Películas sobre la situación de la mujer en el mundo hay muchas, por eso no puedo reseñar una en concreto, cada una desde su perspectiva particular y todas igualmente válidas para reivindicar que la mujer esté visible siempre en nuestra sociedad, y no sólo un día al año.

Debemos recordar las reivindicaciones de todas aquellas mujeres que han defendido sus derechos desde hace siglos. Es un día para recordar a mujeres como Olympe de Gouges y Mary Wollstonecraft, a Christine de Pizan y a Émilie du Châtelet, a Sor Juana Inés de la Cruz y a Santa Teresa de Jesús, a Sojourner Truth y Emmeline Pankhurst, a Rita Mae Brown, Emma Goldman y Bell Hooks, a Iris Pavón y Clara Zetkin, a Adelita del Campo y Elizabeth Cady Stanton, a Marisela Escobedo y Betty Friedan, a Emilia Pardo Bazán y a un larguísimo etcétera.

A Lilith, la primera que se opuso al orden patriarcal; a las que murieron en la hoguera acusadas de brujería en plena Edad Media para arrebatarles todo su saber; a las sufragistas que nos consiguieron el derecho a votar; a las obreras de la fábrica de camisas Triangle Shirtwaist de Nueva York; a todas las mujeres anónimas, mujeres sin nombre  que día a día luchan para que sus derechos y los de las que vendrán se vean reconocidos en igualdad con los de los hombres, que trabajan cada día por un mundo más justo, igualitario y libre.

Visibilizar las vidas de las mujeres en el cine, y en general en los medios de comunicación, es esencial para contravenir el discurso patriarcal dominante. Si a esto añadimos el aumento de la representación de mujeres que no se correspondan con los estereotipos tradicionales que perpetúan la desigualdad y la discriminación y se propugna la creación de nuevos modelos de socialización de género, estaremos avanzando hacia una nueva cinematografía que no infravalore a las mujeres como personas.

Por eso, para seguir conmemorando el trabajo hecho, para seguir recordando que aún nos enfrentamos a múltiples desigualdades y violencias, y para visibilizar el papel de las mujeres que protagonizan sus propias vidas de forma independiente y que luchan por un mundo mejor, quiero recomendar algunas películas que al tiempo que nos harán pasar un buen rato, servirán de  reflexión sobre la situación de las mujeres en el mundo, en una agradable tarde de sofá y mantita.

Estas son sólo algunas de una larguísima lista que como siempre podéis encontrar en la biblioteca.

 

 

 

 

 

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PIRULETRAS – Cine

¡VIVA LA FIESTA DEL CINE!

Que estupenda me parece esta iniciativa que lleva a tanta gente a los cines ¿Cuál habéis ido a ver vosotros?

Ains el cine, el SEPTIMO ARTE, tantos momentos agradables que nos hace pasar, o angustiosos, o graciosos, o románticos…Y es que hay películas de todos los géneros, en todos los idiomas, de todas las épocas y colores.

Aquí en este blog nos encanta el cine, aunque he de confesar que yo voy poco a poco poniéndome al día, hay tantas cosas que saber del cine. Cuando yo estudiaba la carrera, tenía dos asignaturas de cine, no es que estuvieran genial, es que dábamos CINE. Aprendí mucho entonces, y aunque nunca fui muy cinéfila, conocer las artes del cine me llevó a verlo de otra manera, a ver más de lo que hay a simple vista, a fijarme en los detalles, a contextualizar mejor las películas… En fin, es como todo, mientras más aprendes sobre algo, más aún te queda por descubrir.

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Por eso os traigo hoy este libro, un libro sobre cine, para que sepáis más sobre este moderno arte. Si hasta ahora os sonaban las palabras rodaje, bandas sonoras, voz en off, encuadre, trávelin… ahora podréis saber a qué se refieren exactamente.

Y lo mejor de lo mejor, que en las bibliotecas te ofrecemos teoría y práctica:

Coge una película

Llévatela a casa para verla

Echa un vistazo a este libro

Reposa lo que has aprendido y mañana vuelve a ver la película

¿A qué has percibido otras cosas nuevas?

 

Este libro pertenece a una colección llamada ¿Qué es el arte?, así que si quieres saber más sobre pintura, música, escultura… no lo dudes, pásate por cualquiera de nuestras bibliotecas, en todas lo encontrarás.

Otros datos de este libro:

Autora: Nuria Roca

Título de la colección: ¿Qué es el Arte?

Editorial: Molino

Año: 2003

Signatura (o dónde encontrarlo): I-79, en la zona de materias, al final. Recuerda que en el 7 colocamos Arte. Y la “I” se refiere a Infantil, o sea que es perfecto para los que tienen entre 3 y 6 años.

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Esta semana quiero reseñar una película de gran belleza. Se trata de la adaptación cinematográfica de la novela homónima de Arthur Golden “Memorias de una geisha”. Una película exquisita dirigida por Rob Marshall que viene a confirmar lo que ya se dedujo al leer la novela; su hermosura.  Es un fiel reflejo de la obra literaria en la que se basa y por lo tanto con todo su esplendor.

Se trata de una historia que nos transporta al lejano y misterioso oriente cien años antes. Un mundo floreciente, cautivador y repleto de vida. El libro fue publicado en el año 1997 y la película se estrenó en 2005. Producida por Steven Spielberg.

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La novela estuvo rodeada de polémica desde el mismo momento de su publicación, pues si bien Golden no menciona los nombres reales de los personajes en los que se documentó, sí que fue demandado por la geisha Mineko Iwasaki, que acusaba al escritor de difamación e incumplimiento de contrato por revelar información confidencial sobre su vida como geisha. No obstante y sea como fuere, lo indudable es que Memorias de una geisha es una novela fascinante por muchos motivos, no solo por la calidad con  la que está escrita, el increíble magnetismo de los protagonistas o la dulzura que desprenden cada una de sus páginas, sino también por transmitir una crónica desgarradora y al mismo tiempo veraz acerca de unas mujeres para las que el amor es solo una ilusión.

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La película es también muy buena aunque sin llegar a la altura de la novela, si bien se adapta tan fiel al libro que quizás comete los mismos errores como puede ser el escaso contacto que el espectador mantiene con los personajes que siempre son un misterio, ya que lo que realmente sabemos de ellos es una muy pequeña parte de su vida. Es decir que a pesar de que sabemos que Hatsumomo es una de la geishas más famosa de aquellos tiempos y que solamente Mameha le podría hacer frente, a pesar de las constantes suposiciones que se dan en la película, en ningún momento conocemos de verdad su vida, nunca más allá del maquillaje blanco y de las lecciones que le da una hermana mayor.

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Nos referimos por supuesto no solo a la vida misteriosa de las geishas sino a todo el conjunto de personajes, hombres especialmente que las rodean., todo pertenecientes a un mundo desconocido; al igual que la vida misma “Memorias de una geisha” es un reflejo de lo mística e incomprensible que puede llegar a ser la vida de tu vecino.

La película está llena de detalles que si bien el libro describe con precisión, aquí deja abierta la puerta a la imaginación del espectador como el arreglo de la nuca, el obi, el kimono, los adornos para el cabello, en definitiva todo un ritual de sofisticación y misterio.

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Cabe destacar también los magníficos aspectos técnicos de la película como el maquillaje que es espléndido o los preciosos paisajes. Otro  elemento a destacar es la música de John Williams. De mucha sensibilidad, pausada, apacible, pero sobre todo humilde.

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La interpretación de los actores, especialmente las actrices cumple con las expectativas. Michelle Yeoh como Mameha, tan perfecta como en el libro, Gong Li como Hatsumomo, soberbia y tal vez no tan malvada como en el libro y Ziyi Zhang en la piel de Sayuri, exactamente como la imaginación lo exigía.

Una película muy recomendable si se quiere disfrutar de la hermosura y la belleza que irradia. Y lo mejor, como siempre es que la podéis encontrar en la biblioteca DVD PE 4040 así como la novela.

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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El próximo sábado 24 de octubre se celebra en España el Día de las Bibliotecas. Este día nació como una iniciativa de la Asociación Española del Libro Infantil y Juvenil , apoyada por el Ministerio de Cultura en recuerdo de la destrucción de la Biblioteca de Sarajevo, incendiada en 1992 durante el conflicto balcánico.

La iniciativa surgió para trasladar a la opinión pública la importancia de la biblioteca como lugar de encuentro de los lectores de todas las edades con la cultura en todas sus vertientes, y como un instrumento de mejora de la formación y de la convivencia. El objetivo es el de concienciar a la sociedad de la importancia de la lectura y como homenaje y reconocimiento a la labor de los biblitoecarios/as. Se pretende educar con ello a niños y mayores en los valores de la lectura y la cultura y son de destacar las bibliotecas como centros socializadores e integradores demostrando que los libros están hoy al alcance de todo el mundo.

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No ocurría así en la época medieval, como muestra la película que hoy reseño “El nombre de la rosa” y que tiene mucho que ver con las bibliotecas. Entonces el saber sólo estaba al alcance de unos pocos privilegiados y como factorías de la sabiduría se encontraban los monasterios en dónde se copiaban, ilustraban y guardaban los libros y que funcionaban como verdaderos guardianes y depositarios del saber, especialmente en Europa.

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La película es una adaptación de la novela de Umberto Eco del mismo nombre. El éxito que obtuvo la novela precedió a la película e indudablemente esto contribuyó al éxito de la misma, si bien hubo críticas también negativas alegando que la película perdía el espíritu de la novela y que al resaltar, para crear expectación, los pasajes más impactantes de la película, la convertía así en una historia de crímenes y detectivesca en torno a una biblioteca perdiendo así el espíritu que Umberto Eco había querido dar a la novela. Excluye el laberinto de historias derivadas de las múltiples conjeturas que hace el investigador a raíz de los misteriosos sucesos de la biblioteca.

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La película es la proyección en la pantalla de una lectura de la novela, la del director. Ciertamente la trama detectivesca se impone en la película pero ésta no es sino un pretexto en la novela para el desarrollo de otras historias fundadas o derivadas de las conjeturas.
Al margen de todos los temas y tramas que se desarrollan en la película, todas muy importantes, quizás el más interesante sea el que subyace entre todos. El miedo a lo desconocido y al rechazo de lo que no se puede llegar a comprender desde un punto de vista teológico. Dos personajes se enfrentan adquiriendo dos roles completamente distintos, Jorge de Burgos y Guillermo de Baskerville. El primero considera que la biblioteca, un elemento que está presente durante toda la película, debe de tener un rol de conservación. Según su particular punto de vista, todo lo que está escrito debe conservarse y los monjes no deben aventurarse a investigar nada más. Por otro lado, fray Guillermo es un hombre de ciencia, un aspecto que esconde para no ser considerado un brujo, que no tiene miedo a la hora de enfrentarse a la verdad aunque eso signifique hacer tambalear las Sagradas Escrituras.

El libro perdido, envenenado y que desencadena todas las muertes dentro de la abadía, el Segundo libro de poética de Aristóteles, significa para Jorge un ataque frontal a lo que él cree: “Los hombres no deben reír, ya que ese acto deforma la cara de los hombres y los convierte en monos”. Guillermo, en la discusión con Jorge dentro del Scriptorium, no duda en debatir esa idea diciendo que la risa es un elemento humano, no animal. Jorge afirma que la risa es un elemento diabólico, que Jesucristo nunca rió, a lo que Guillermo responde de una forma opuesta, señalando que en la Biblia tampoco se dice que no lo hiciera. Por otro lado, Guillermo asevera que el humor había sido utilizado por los mártires para enfrentarse y ridiculizar a los paganos a lo que añade que Aristóteles escribió su libro para ilustrar que el humor podía ser utilizado como un instrumento de la verdad. Jorge le pregunta entonces si ha leído ese libro, a lo que Guillermo admite que no lo ha hecho puesto que ese libro se perdió hace mucho tiempo. Jorge asegura entonces que el libro no se perdió, sino que nunca fue escrito… Aunque, en realidad, sea él el que guarde una copia del documento que envenena a todo aquel que osa leerlo.

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De este modo, tenemos que la esencia de la historia es que el libro mata por el conocimiento que atesora. Un conocimiento que para los ilustrados es muy interesante y que todos desean poseer. De esta forma, los primeros en morir, por desear su contenido, son dos monjes Adelmo de Otranto y Venancio de Salvemec, sin embargo sus siguientes víctimas son Berengario, el ayudante del bibliotecario, y el mismísimo bibliotecario Malaquías. Otra de las víctimas, Severino, el herbolario, es asesinado por Malaquías tras descubrir la localización del libro que había escondido Berengario mientras moría sufriendo los efectos del veneno.

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Por otro lado, más allá de un único libro, el acceso a la información también está restringido en esta biblioteca. Sólo el bibliotecario y su ayudante tienen acceso garantizado a los fondos, mientras que Jorge gracias a su veteranía y su liderazgo, además de conocer los secretos de toda la abadía, tienen acceso a los documentos originales. Guillermo de Baskerville durante sus indagaciones se percata que todo el misterio se resume en la posesión de un libro, un libro del que desconoce casi todo, pero del que es consciente que o mata o se mata por él. La obtención de distintas claves, la investigación para descubrir cómo se accede a la biblioteca para evitar el candado del bibliotecario, sirven para aumentar los grados de interés sobre esta historia hasta el desastre final, cuando Jorge acaba con el libro tratando sin conseguirlo de envenenar a Guillermo y a su novicio Adso después.

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Frustrado, Jorge huye con el libro a través del laberinto que constituye la biblioteca, pero desgraciadamente en la persecución uno de los candiles de los monjes cae sobre unos rollos y el fuego destructor acabará con la práctica totalidad de sus fondos. Es en este momento, durante el incendio de la biblioteca más grande de toda la cristiandad, como Guillermo la define, cuando se nos muestra que los libros no son importantes si no se pueden salvar antes las vidas humanas. Guillermo ordena a Adso que huya de las llamas y será el propio Adso quien temerá por la vida de su maestro cuando vea que el fuego lo ha destruido casi todo.

Sirva ésta reseña para ilustrar el día de las bibliotecas, tan importante para nosotros. Y como siempre, la podéis encontrar en nuestra biblioteca DVD PE 3978

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Se acabaron las vacaciones y ya estamos de vuelta en nuestra sección Cinema Paradiso. Queremos celebrarlo dedicándole la entrada a una de las estrellas que más ha brillado en el universo cinematográfico, y esa no es otra que la gran Ingrid Bergman, ya que este año 2015 se cumplen 100 años de su nacimiento.

Nació el 29 de agosto de 1915 en Suecia y murió el mismo día que cumplía 67 años en Londres. En palabras de su propia hija, sería como una forma de perfecta de cerrar el círculo de su vida.

La actriz sueca, uno de los grandes mitos de la época dorada de Hollywood, es recordada especialmente en estas fechas  en todo el mundo. Suecia y Estados Unidos le dedican un sello de correos; en Estocolmo se ha estrenado, con la presencia de sus cuatro hijos, un documental sobre su vida con material inédito, y en el MoMA neoyorquino se ha inaugura un ciclo de proyecciones de sus películas. También se hace, en Madrid, en el Circulo de Bellas Artes y  entre las que figuran algunos de los títulos míticos de la historia del cine: «Encadenados», «Sonata de otoño», «Luz que agoniza», «Juana de Arco» y, sobre todo, «Casablanca».

Isabella Rossellini, la más popular de sus hijas, ha dicho de ella por su parte que «gustaba a las mujeres porque veían en ella su misma naturalidad». Su hermano Roberto la ha definido así: «Fue una mujer libre, independiente, valiente y muy moderna. Rendirle homenaje a ella es rendírselo a todas las mujeres».

Son dos testimonios cercanos e íntimos sobre una mujer que se alejaba del canon de las grandes estrellas de Hollywood, que ofrecía a las cámaras la serenidad de su mirada y la sencillez de su gesto; de una actriz que enamoró a directores como Alfred Hitchcock -con el que trabajó en tres ocasiones-, Víctor Fleming, Stanley Donen o Michael Curtiz; que rodó en cinco idiomas (sueco, alemán, inglés, italiano y francés) y que obtuvo tres Oscar, por «Luz que agoniza» (1974), «Anastasia» (1956) y «Asesinato en el Oriente Express» (1974). Según el American Film Institute, es la cuarta estrella de Hollywood más importante, solo por detrás de Katharine Hepburn, Bette Davis y Audrey Hepburn.

Ingrid Bergman tenía una sonrisa tibia y una mirada transparente, a la que se asomaba con frecuencia la melancolía. Tal vez eran las huellas de su infancia: perdió a su madre cuando apenas tenía dos años y a su padre una década después. Elegante, sincera y sin pretensiones, hizo que la interpretación pareciera tan fácil como respirar. Siempre quiso ser actriz: «Cuando salí del escenario, yo estaba de luto, estaba en un funeral. El mío. Fue la muerte de mi ser creativo», contaba al recordar su primera audición en la Royal Dramatic Theater School de su ciudad natal, Estocolmo. Tras una docena de películas en Suecia el productor David O. Selznick la llevó a Estados Unidos en 1939 para una nueva versión de «Intermezzo». Y solo tres años más tarde, llegó «Casablanca». la historia de amor imposible con Humphrey Bogart -«siempre nos quedará París»- hizo que Ingrid Bergman se convirtiera en una estrella.

Su carrera tomaría un nuevo giro en 1949. Fascinada por el cine de Roberto Rossellini, le escribió diciéndole cuánto le gustaría trabajar con él. Lo hicieron en la película «Stromboli»… Y se enamoraron. Ambos estaban casados pero hicieron público su amor y anunciaron que la actriz estaba  embarazada, y Hollywood la repudió -Ingrid Bergman ya estaba casada con un médico sueco-; el asunto se trató incluso en el Senado de Estados Unidos, que la calificó como «una influencia poderosamente maligna». «La gente veía en mí a Juana de Arco y me convirtió en una santa. No lo soy, solo soy una mujer, otro ser humano», declaró.

Tras siete años de matrimonio llegó el tercer cambio en su vida. La actriz sueca retomó su carrera en Estados Unidos, donde el escándalo que la obligó a emigrar se había ido diluyendo como un azucarillo. Alternó el cine con el teatro, Hollywood con Europa, y se casó por tercera vez. Su último papel fue el de la histórica líder israelí Golda Meir, por el que ganó su segundo Emmy, ya a título póstumo. Un cáncer de mama terminó con su vida en Londres el 29 de agosto de 1982, justamente 67 años después de su nacimiento.

Podemos seguir disfrutando de sus magistrales interpretaciones a través de su obra con películas como: Encadenados DVD PE 317, Casablanca DVD PE 918, Recuerda DVD PE 954, Atormentada DVD PE 993 y 1113, Luz que agoniza DVD PE 947, Stromboli DVD PE 3917, Indiscreta DVD PE 2360, Flor de Cactus DVD PE 3736, Juana de Arco DVD PE 4112.y desde luego, como siempre, podéis encontrarlas en nuestra biblioteca. ¡¡¡Disfrutemos del buen CINE CLÁSICO!!!

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Bajo la apariencia de un melodrama sencillo, la película que reseño hoy, “Slumdog Millionaire”, del año 2008, esconde una conmovedora y emocionante historia con cierto aire a Dickens y decorada al más puro estilo Bollywood. Sin embargo, bajo esa apariencia  convencional encontramos una película impresionante, con una narración ágil y vibrante. Las aventuras, o mejor desventuras de un joven desgraciado que está a punto de lograr el máximo premio de un conocido concurso de televisión consiguen contagiar una buena dosis de optimismo.

Su director, Danny Boyle ha planteado en esta película una historia de amor imposible, con momentos muy tristes de la vida en los arrabales del fascinante Mumbai, pero con la enorme virtud de contarla de una manera espléndida. Sin caer en un simple estereotipo del reflejo de la pobreza para conmover al espectador, ni en una falsa glorificación de la miseria, sino con el enorme acierto de narrar la historia con profunda humildad, aproximándose al realismo y huyendo de efectos moralizantes y doctrinas.

Resulta curioso que haya sido un británico el que haya logrado mostrar mejor y engrandecer un relato propio de Bollywood, aunque sin abusar de sus esquemas convencionales (a excepción del espléndido número musical de los créditos finales), y lo consiga con tanta relevancia. Hay que recordar que, poco a poco, con un presupuesto ajustado ha ido cautivando a crítica y público, así como acaparando múltiples premios, no obstante, se convirtió en el título revelación de la temporada y todo un fenómeno que arrasó en sus estrenos.

La clave de su éxito radica en su sencillez y sobre todo en la forma en  que se  narra. El guión de Simon Beaufoy está milimétricamente diseñado y Danny Boyle ha sabido extraer el máximo partido de la historia de Jamal Malik.

A través del metraje vamos conociendo a Jamal , junto a su experiencia vital, y todo ello nos va a hacer comprender su inesperado éxito en el concurso de televisión en el que participa. A través de  flashbacks cargados  de ritmo y emoción, descubrimos su pasado como niño huérfano, ingenioso y pícaro, que subsiste junto a su hermano y la fascinante muchacha Latika en las calles de Mumbai y todos los peligros de la dura vida en la miseria.

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Todos estos episodios conforman la columna vertebral del filme, donde vemos como Jamal, que nunca se queja de su asquerosa existencia, no cree en el destino escrito y demuestra como él mismo se lo ha ido configurando, a base de dosis de bondad, amor y positivismo. Y, en los últimos minutos de la película, en su mensaje final, transmite la esperanza de que el futuro siempre puede ser mejor, de que el amor verdadero siempre triunfa.

Este relato, aderezado con elementos al más puro estilo Dickens (niños desgraciados en peligro, villanos crueles que los persiguen, …) está planteado sin fisuras, lleno de dinamismo, como un juego del pasado y del presente, y con los momentos justos de humor, romance y drama. Y lo más importante es que contagia emoción, pero con situaciones que no buscan la lágrima fácil y sin embargo sí que consiguen gran empatía con su protagonista. Todo ello producto de un guión inteligente y hábilmente estructurado por Simon Beaufoy y del que su realizador ha sabido sacar el máximo provecho (como ya hicieran ambos trabajando juntos en ‘Full Monty’).

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No obstante y a pesar de todo lo dicho, “Slumdog Millionaire” no es una película perfecta. Se le pueden achacar ciertas carencias y en su último tercio, a medida que los episodios de su protagonista se aproximan al presente, pierde fuerza y podemos decir que quizás peque de blanda en su resolución. Sin embargo, la vida del joven desgraciado que encuentra de golpe y por azar, la suerte que no ha tenido ya ha cautivado al espectador y tan sólo se desprende el deseo de conocer la resolución del concurso y de la historia de amor de Jamal. Sus detractores señalan que resulta artificiosa, poco creíble y efectista, pero no se puede negar que Boyle creía en la historia, que puso lo mejor de sí, y sin duda alguna desprende esa mágica sensación de las buenas películas, de las que gustan y hacen sentir, muy por encima de sus defectos.

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No en vano se alzó con nada menos que 8 Premios de la Academia entre ellos Mejor Película y Mejor Director, 4 Globos de Oro, 7 Premios Bafta, etc. El gran mérito de Boyle es que consigue contar con ingenio y cautivadora emoción un relato intenso, apoyado en una fotografía sublime de colores saturados y una banda sonora exótica y acertada, además de unos actores de rostros desconocidos a los que saca magníficas  interpretaciones (destacando Dev Patel). “Slumdog Millionaire” conmueve, entretiene y al final te deja una sonrisa. Eso, en el cine de hoy en día, es mucho. Así es que sólo nos queda disfrutar de ella y como siempre, la podéis encontrar en nuestra  biblioteca DVD PE 4073

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