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PIRULETRAS – Don Quijote de la Mancha

Y después de este fin de semana…

¡Llega el día del libro!

Como dice la  Sra. Audrey Azoulay, Directora General de la UNESCO, cuando celebramos libros, celebramos actividades – escribir, leer, traducir, publicar – que ayudan a las personas a conocerse, a ser mejores y más libres. La lectura y la escritura son unas poderosas armas contra el analfabetismo y la pobreza. Son las únicas armas que luchan por la PAZ.

Yo sé que a vosotros, que os gustan tanto las historias, también os encanta este día: visitar las librerías y bibliotecas, seleccionar lecturas, regalar libros y que os los regalen… Y bueno, aunque siempre hay infinitas novedades apetecibles en estos días, no olvides que es muy recomendable darle una vueltecita al Quijote, que ya sabemos que lo has leído en una u otra versión, pero yo no voy a parar de recomendártelo nunca jamás, porque es una historia de historias, diferente cada vez que lo leas, es un libro que puedes leer, dejar en barbecho y releer cualquier pasaje un tiempo después, te aseguro que habrá cambiado y verás cosas que antes no viste.

¡Y bueno, no solo lo puedes leer, también lo puedes interpretar!

¿Te atreverías?

Hoy te recomendamos una osada adaptación teatral. Su autor ha intentado construir un texto original y divertido, con muchas sugerencias añadidas para llevar a cabo el montaje y la escenificación.

Carlos Álvarez-Nóvoa fue autor, escritor, profesor, actor  y director teatral. Y, además, uno de los fundadores del Centro Andaluz del Teatro, que siempre tuvo claro que su deber era estar ahí y darlo todo por el teatro. ¡Qué admirable espíritu de entrega!

Vamos, no os quedéis con las ganas y sacad al actor que lleváis dentro.

¡Por los libros!

¡Por la lectura!

¡Por el teatro!

¡Por Don Quijote!

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CINEMA PARADISO – Birdman

Acaba de celebrarse la tan esperada Gala de los Oscar para los amantes del cine y por eso sigo reseñando películas que triunfaron en anteriores ediciones. En esta ocasión, vuelve a coincidir el mismo director de la película que reseñé hace un par de semanas; se trata de Alejandro González Iñárritu. La película es “Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia)” del año 2014. Obtuvo 9 nominaciones y fue premiada con 4 estatuillas de las más importantes: Mejor Película; Mejor Director; Mejor Guion Original (el guion es también de Iñarritu entre otros)  y Mejor Fotografía para Enmanuel Lubezki. Curiosamente, al año siguiente, la película “El Renacido”, reseñada por mí recientemente y cuyo guion y dirección también es de Iñarritu, se alzó con el premio a la mejor fotografía en la misma persona, Enmanuel Lubezki, con el que habitualmente trabaja Iñarritu.

En general es considerada una de las mejores películas del año 2014 y cuenta la historia de Riggan Thomson, un decadente actor de Hollywood famoso por su papel del superhéroe Birdman, y su lucha por montar una adaptación teatral de un cuento de Raymond Carver, en la que ha invertido todo con la esperanza de ganar verdadero reconocimiento como actor.

La película tiene una peculiaridad y es que, a excepción de algunas de las tomas del inicio y el final, da la impresión de haberse rodado en una solo plano secuencia y esto no es nada habitual pero parece ser que el director lo concibió así desde el momento en que pensó en la película. Ya desde el principio, me llamaron mucho la atención los efectos de sonido y cómo se mueve la cámara por los pasillos, acercándose y alejándose del objetivo pero sin cambiar de plano. Me parece una forma muy original  e inteligente de abordar el rodaje.

A mi modo de ver  tiene un ritmo perfecto; nada es demasiado largo ni demasiado corto. Da la sensación de ser un torbellino, aunque  medido al detalle.

La fotografía es sobresaliente y las interpretaciónes de Keaton  y Edward Norton  son excepcionales tal y como acostumbran, llenando por completo la pantalla;  pero quizás lo que más me ha atraído de la película es lo agridulce de la historia que cuenta, y tiene, a mi juicio, el don del encanto y por eso es fácil conectar con la chica que se sienta al borde de la azotea esperando que algo cambie,  con el padre que se resiste a considerarse fracasado o con ese actor que solo actúa cuando está fuera del escenario. Cada pequeño carácter está lleno de vida.

Muestra al ser humano en su desnudez bajo una luz desagradablemente familiar. Ver la película puede ser como mirarnos en el espejo con todas nuestras heridas, nuestras aspiraciones, nuestra indiferencia por los demás. Podría decir que se trata de una película sobre nuestras obsesiones y nuestros sueños y la delgada línea que los separa y sobre nuestra desesperada necesidad de seguir caminando.

En definitiva creo que es un gran espectáculo visual, muy atrevida en sus formas y que constantemente homenajea al cine. Posee una maravillosa manera de narrar que combina la dosis justa de drama y de comedia. Una película de nuestro tiempo pero que mira al futuro, al tiempo que ha de venir. Quizás una de las cosas que más destacaría de ella es que posee un “algo” abstracto, algo mágico que la impregna de principio a fin. Creo que es muy recomendable verla y como siempre, ya sabéis que podéis pasar por la biblioteca y llevárosla a casa. DVD PE 4249

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CINEMA PARADISO – Birdman

birdmanFin de semana de Oscar, y nada mejor para celebrarlo que hablar de películas premiadas, y una de ellas es Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia), la gran triunfadora de la edición del pasado año 2015.

Birdman nos revelaba ya al gran director que ha vuelto a triunfar en esta edición y que no es sino Alejandro González Iñárritu, director también de “El Renacido” que ha triunfado en esta edición.

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Birdman rezuma talento en todos sus aspectos. Goza de un magnífico  guión, interpretaciones de lujo con un humor corrosivo, especialmente sobre el mundo de la farándula en general y del cine y el teatro en particular. En el aspecto técnico cabe destacar el falso plano secuencia extensísimo y que te hace sumergirte mucho más en la historia.

Michael Keaton es un gran actor marcado por haber interpretado a un superhéroe en una saga cinematográfica. Con el paso del tiempo y en plena efervescencia de la fiebre de las franquicias, decide zafarse de su pasado montando un espectáculo en Brodway hipotecando hasta su casa para poder llevarlo a cabo. Pero la producción es un desastre y necesita una estrella para atraer al público:  Mike, (Edward Norton), un excéntrico intérprete narcisista, pero tremendamente mediático.

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En esta cinta da la sensación de que Iñárritu libera a la cámara y permite que se mueva en total libertad entre los intérpretes pasando de planos largos a primerísimos planos, exprimiendo toda la intensidad emocional de los personajes desde su vida real hasta  su forma de entender su trabajo y la forma en que éste les sacude a cada paso.

Igual nos movemos entre bambalinas  que nos sumergimos en el escenario y es que la adaptación que hace Riggan para las tablas, dialoga perfectamente con su vida personal y cuya finalidad es tratar de encontrar reconocimiento a su trabajo más allá de su endeble popularidad.

Frente a su afán por labrarse un nombre al margen  de las etiquetas que le ha otorgado su fama, contrasta la visión de su hija, (Emma Stone) inmersa en las redes sociales y con un esquema de valores que nada tiene que ver con los de su padre. A través de este personaje se canaliza buena parte de la crítica a la banalidad del mundo en que vivimos.

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Técnicamente, Birdman se asienta sobre dos pilares muy fuertes, por un lado una planificación del rodaje absolutamente impoluta y por otro lado un repertorio brillante de principio a fin. El guión coescrito por el director junto a Nicolás Giacobone, Alexander Dineralis y Armando Bo es audaz, impredecible, está cargado de ritmo y avanza velozmente desde sus primeros compases.

Tanto el lenguaje como el metalenguaje forman una simbiosis perfecta. Hablamos de teatro y estamos inmersos en una obra que a su vez podría definir mejor que la propia realidad el momento vital del protagonista en busca del “amor” del público.

Y es que si de algo se habla en Birdman es del Ego, de la necesidad de alcanzar las metas que nos proponemos y de rozar con los dedos la gloria elevándonos al cielo con una buena dosis de hiperrealismo. Pero es que, además, visualmente es un dulce. La fotografía es un acierto, el juego con la luz es un ejercicio de búsqueda de la belleza constante.

Estamos ante la película más interesante, original, profunda, divertida e irreverente de González Iñárritu hasta el momento en que se rodó. Con sus cuatro películas anteriores ha alcanzado 10 nominaciones a los Oscar. Amores perros, 21 gramos, Babel o Biutiful tenían sus virtudes y sus defectos, pero la estilización formal de este relato es sobresaliente y el casting un ejercicio de idoneidad en el que brilla con luz propia el mismo Keaton y un magnífico (otra vez) Edward Norton, tan divertido como fácil de odiar y que aporta las notas más ácidas a la peli.

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Del mismo director es la película oscarizada de éste año, “El Renacido” que ha obtenido tres estatuillas, entre ellas, mejor dirección, para González Iñárritu y mejor actor para Leonardo DiCaprio, además de mejor fotografía.

La que nos ocupa hoy se  llevó 4 Oscar el pasado año, entre ellas mejor película y mejor director.

Espero que la disfrutéis y como siempre la podéis encontrar en nuestra biblioteca. DVD PE 4249

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Estamos en la semana de San Valentín, la semana del amor por excelencia. La publicidad nos inunda desde todos los frentes, Los escaparates muestran sus productos en todo su esplendor. A estas alturas ya todo el mundo habrá  pensado como va a sorprender a su pareja ese día,  pero por si a algún rezagado aún no se le ha ocurrido ningún plan, yo os quiero proponer uno, y como desde aquí no podía ser de otra manera, se trata de  un plan de cine. Una historia de amor. Películas de amor hay muchas, pero la que propongo hoy es de las que no nos deja indiferentes, de las que tocan, de las que llegan de verdad al corazón. Se trata de la película “Moulin Rouge”.

De esta película, su director Baz Luhrmann dijo “It’s a story about love” (es una historia sobre el amor) para resumir su espíritu. Pero en realidad Moulin Rouge es mucho más que eso.

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A partir de una trama muy simple, la película despliega una multitud de recursos cinematográficos que la convierten en abrumadora al principio, pero que se torna apasionante a medida que avanza  el relato. Todo lo que al principio resulta excesivo (el ritmo acelerado, los encuadres, la música, la iluminación, los efectos especiales, la puesta en escena en definitiva,), empieza a cobrar sentido.. El exceso nunca dismiuye,  pero funciona en favor de una narración que busca construir un ritmo mágico, casi surrealista. Retrata al pintor Toulouse-Lautrec con sus nuevas ideas bullendo de forma vertiginosa y su “revolución bohemia” y “ Moulin Rouge” corre al mismo tiempo de lo que retrata.

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Historia romántica en los bohemios ambientes de París, servida con dirección artística deslumbrante y música de quitarse el sombrero. Eso y mucho más da Moulin Rouge, a través del célebre garito nocturno parisino, mostrado ya en el cine en filmes tan clásicos como Moulin Rouge (1952) de John Huston o French Cancan de Jean Renoir.

La trama es sencilla, pero funciona a las mil maravillas. Christian es un joven artista con talento, amigo de gente tan interesante como el pintor Toulouse Lautrec. Él desearía escribir un maravilloso espectáculo musical a representar en el Moulin Rouge. Con lo que no cuenta es con enamorarse. Y lo hace de Satine, la bailarina más hermosa del local.

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Aunque la actividad de ella no puede definirse como exclusivamente artística, pues Satine es utilizada como objeto de placer, y concretamente es ofrecida al duque de Monroth, personaje que debe ser complacido para que invierta el dinero necesario para salvar al Moulin Rouge de la ruina económica. ¿Será imposible el amor de Christian y Satine?

Baz Luhrmann sabe dar peso específico a la sensual historia de amor que centra el film.. También trata la cuestión de la integridad de la obra del artista, cuando se le requiere que modifique su trabajo para complacer al “productor” de turno. A esto se suma una coreografía maravillosa (recordemos que el australiano también dirigió El amor está en el aire (1992), servida con un eficaz y endiablado montaje. O la audacia de usar música moderna y variada, y darle un sentido unitario. El espectador sufre inevitablemente con los protagonistas y su mal de amores. La pareja protagonista, Nicole Kidman y Ewan McGregor, sobre todo ella, están maravillosos, y hasta cantan y se mueven como los actores de los musicales de antaño.

El Moulin Rouge es de uno de los garitos nocturnos más célebres de París. Charles Zidler (interpretado en la película por Jim Broadbent) es un personaje real, fundador del lugar junto a Joseph Oller. Este local, existente todavía en la actualidad, abrió sus puertas al público en 1889, con ocasión de la celebración de la Exposición Universal en la capital francesa. En un provocativo ambiente de juerga y francachela se daban la mano burguesía y el pueblo, con un colorido espectáculo que buscaba satisfacer las fantasías sexuales de su público masculino, y que pronto incluiría el cancan de las bailarinas y las atenciones de las cortesanas. También acudían allí los artistas bohemios, representantes de la literatura y la pintura, que se encontraban a gusto en un lugar cuya decoración revelaba exóticas influencias orientales.

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En cuanto a los personajes, Nicole Kidman interpreta a Satine, una cortesana que trabaja en el Moulin Rouge. Tiene un pasado sórdido y pobre. Pero ella no quiere ser una bailarina de cancan toda la vida, su sueño es convertirse en actriz. Está bastante curtida y es muy hábil a la hora de proyectar diversas imágenes de sí misma, de crear fantasías en su trabajo. Pero cuando Christian derrama su magia en ella con la música, le hace creer que podría tener algo más. Saca a relucir su convicción de que es posible hacer realidad sus sueños.

Ewan McGregor no había interpretado un personaje que tuviera más relación con el amor en su  vida. Christian está absolutamente impulsado por el amor, de la forma más descarada. Después de conocer a Satine, es de ella de lo único que habla. No hay nada más que no sea el amor.

De la música podemos  decir que tras Bailar en la oscuridad, Moulin Rouge supone un nuevo look para el musical moderno. Luhrmann mezcla aspectos de los grandes clásicos de Hollywood con coreografías delirantes y montajes vertiginosos. Pero además imprime a las canciones una importancia capital: “Moulin Rouge es fundamentalmente un musical, quizás una ópera, pero en definitiva es una historia contada a través de las canciones”. Ésa es la clave, que los actores cuando cantan, actúan. No hay discontinuidad. Y, junto a ello, la película es una colección inmejorable de versiones de grandes éxitos de música pop. Aquí cabe todo, desde temas de Lennon y McCartney hasta conocidas canciones de Sting, David Bowie o Elton John. El director musical Marius de Vries afirma: “No teníamos límites o barreras a la hora de escoger la música. Nuestro propósito era ser tan impredecibles como pudiéramos”.

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Es en definitiva una maravillosa historia de amor, de amor con mayúsculas. Al respecto se me quedó grabada una frase de esta película, que el protagonista dice cuando escribe su historia. Es una frase que puede resumir lo que para muchas personas significa el amor, y con ella me despido deseando ¡Feliz  día de San Valentín!

“LO MEJOR QUE TE PUEDE SUCEDER, ES AMAR Y SER CORRESPONDIDO”

DVD PE 1914

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RECOLECTURAS – Empieza la semana con un buen libro

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Hoy en nuestra sección Farándula de Marta Sanz.

Valeria Falcón es una actriz de cierta notoriedad que cada jueves visita a una vieja gloria del teatro, Ana Urrutia. La Urrutia padece el síndrome de Diógenes y no tiene dónde caerse muerta. Su ocaso se solapa con la eclosión de un capullo en flor, Natalia de Miguel, una joven aspirante que enamora al cínico Lorenzo Lucas, álter ego de Addison DeWitt. Nadie tendrá derecho a destrozar la felicidad de Natalia de Miguel, una chica muy delgada que en pantalla da gordita. Por su parte, el ganador de la copa Volpi, Daniel Valls, confronta su éxito, su dinero y su glamour con la posibilidad de su compromiso político. A menudo llega a una conclusión: «Soy un débil mental.» Charlotte Saint-Clair, su esposa, lo cuida como una geisha y odia a Valeria, gran amiga de Daniel. Un ictus, el montaje teatral de Eva al desnudo y la firma de un manifiesto descubrirán al lector: Una historia sobre el miedo a perder un sitio.

Reconozco que tenía muchas ganas de leer Farándula. Yo, que soy muy de listas, vi que había sido elegida por los críticos de Babelia entre los 10 mejores libros de 2015 y, nada más y nada menos, que en el puesto número 2; y, yo, que soy muy de premios (menos de El Planeta que es otra historia), vi que había sido galardonada con el Premio Herralde de Novela. Así que nada, con estas premisas me embarqué en la lectura del libro. Y ahora qué; pues nada, ahora os voy a hablar de lo que me ha parecido.

Estamos ante una novela coral, en el que de una manera u otra están representados los diferentes estratos de la profesión: la actriz de ideales férreos, la jovencita con ganas de triunfar, el triunfador desasosegado, las viejas glorias…El libro está bien escrito, los personajes bien definidos y la trama discurre de manera ágil, pero no sé por qué, me ha dejado un gustillo amargo. Quizás no era el momento, quizás lo he leído demasiado deprisa o quizás esperaba más. Me he encontrado con demasiados clichés del mundo del espectáculo. ¿De verdad son todos tan egocéntricos, tan superficiales y banales? Quitando una pareja de actores de los de toda la vida, de los que aman la profesión y que, por supuesto, son pobres, otro cliché: los buenos actores, los que tienen los ideales intactos, los que van a los colegios a representar obras, terminan sin un duro, friendo papas con huevos en un piso pequeño de un barrio obrero, porque claro, para llegar a ser alguien te tienes que corromper, tienes que vender tu alma al diablo, o al mundo de los realities, o tener una mujer que te mantenga, y si no, ya están ahí la casa del actor, que por cierto tampoco funcionan, para que terminen las viejas glorias como el personaje de Ana Urrutia, sin un duro también, por supuesto.

Los actores son atormentados, díscolos, sufridores, intratables, egoístas, por Dios, ¡Qué horror! Supongo que la autora ha querido retratar la cara menos amable de la profesión, porque desde luego si todos son así, nadie querría formar parte de ese circo. Y para terminar este mundo de los clichés, todo libro, película que se precie que trate del mundo de la interpretación, no es completo si no sale una representación de Eva al desnudo, magnífica película por cierto. Toda actriz de teatro que quiere llegar a ser alguien tiene que tener en su currículum a una Margo Channing (Veáse además Todo sobre mi madre de Pedro Almodóvar).

Otra cosa que no me ha gustado mucho del libro es el lenguaje que emplea la escritora. A veces escoge, entre todas los posibles sustantivos o adjetivos, aquel que nadie usa. No sé por qué, la imagino entrando en la RAE buscando una palabra y, de todas las  posibles, escoger la menos común; o que es muy versada, que indudablemente lo será, pero el lector no tiene por qué saberlo. Con este tipo de cosas hay que tener cuidado, porque no resulta creíble en boca de quien las ponga, el lenguaje se tiene que adaptar al personaje, usar el lenguaje de la calle si así lo requiere. También me han resultado pesadas sus reiteradas enumeraciones, con las que se puede tirar entre 2 y 3 hojas.

La autora hace una crítica despiadada de aquellos famosos que ponen su rostro para obras solidarias. Entre otros, pone el ejemplo de Angelina Jolie, conocida por todos. Yo en estos casos tengo un poco de controversia. ¿El fin justifica los medios? Yo creo que sí.

Después de todo lo dicho pensaréis que no me ha gustado el libro, es cierto que esperaba más, pero no sería justa si no reconociera el buen hacer de la autora, la técnica y el disfrute, porque el libro se lee rápido y logra uno de los objetivos que a mi parecer debe cumplir un buen libro, entretener. Yo no lo pondría entre los 10 mejores libros de 2015, pero es mi humilde opinión de lectora aficionada. Me ha parecido que va un poco en la línea de Belén Gopegui, ella por cierto también tiene un libro sobre el mundo de la interpretación: “Tocarnos la cara” que, por cierto, también está en la biblioteca y, que por cierto, a mí me gustó más, pero es que yo soy más de la Gopegui.

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Después de estos días festivos, esta semana quiero recomendar una ópera. Sí, una ópera en formato DVD de la colección Gran Historia de la Música. Se trata de “La Flauta Mágica”, la última ópera del gran Mozart, en dos actos, cantada en alemán.

Su título en este idioma Die Zauberflöte, es sin duda una de las creaciones más enigmáticas, fascinantes y alegres de todo el repertorio operístico.

Representa no solo la perfección en la corta y genial carrera de Mozart, sino también la síntesis universal de la variedad de géneros músico teatrales  conocidos hasta la fecha. El oratorio, el lirismo italiano, la ópera bufa, la tradición folclórica alemana, el vodevil… todo unido magistralmente en un cuento de hadas que supera, como ninguna otra obra, las diferencias ancestrales entre la música y el teatro.

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Y como todo cuento bien escrito tiene diferentes lecturas, la infantil, y más obvia, es el triunfo del bien sobre el mal; la más profunda es el camino hacia la iluminación, hacia el conocimiento, y es aquí donde entra todo el simbolismo masónico que posee esta ópera.

Fue sin duda un momento difícil para Mozart, por varios motivos. Su salud  empeoraba sensiblemente, su situación financiera se hacía cada día más precaria, y es en ese delicado periodo tanto física como psicológicamente, Schikaneder le encarga componer un Singspiel, una especie de zarzuela alemana con texto hablado sobre el libreto que él mismo había escrito basado en la historia de “Lulu oder die Zauberflöte” de Jacob Liebeskind.

Schikaneder fue un curioso personaje, amigo personal u compañero masón de Mozart, empresario de un pequeño teatro popular en los suburbios de Viena, el teatro Freihaus. Como actor fue considerado excelente interprete de Shakespeare. Como hombre llevó una vida un tanto disoluta, libre de ataduras y convenciones, y quizás por eso precisamente Mozart le tenía un especial aprecio. No fue sólo el autor del libreto, sino que también fue el primer Papageno.

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Muchas de las dudas relacionadas con la génesis y el proceso creativo de esta única obra de arte siguen sin resolverse, de manera que sólo se puede elucubrar sobre cómo un cuento de hadas se convirtió en un panfleto propagandístico masónico con rito de iniciación incluido. Y en esto parece que algo tuvo que ver Ignaz von Born , gran maestre de la logia y claro alter ego de Sarastro.

Pero lo que nos importa realmente es la música,  a parte de la escenografía, para eso, nada mejor que escucharla y ver el montaje que nos ofrece esta colección y la interpretación que da esta versión sobre el simbolismo descrito.

Sobre esta obra se ha escrito mucho y especialmente recomendable es la obra de Jan Assmaann en donde se desgranan todos los enigmas de la ópera.

El argumento es bastante simple si no se entra en detalles. El príncipe Tamino perseguido por una serpiente se adentra en los dominios de la Reina de la Noche quien se le aparece enseñándole  un retrato de su hija Pamina secuestrada por el malvado Sarastro. Tamino se enamora al ver el retrato de la joven y la Reina le promete la mano de su hija si la rescata. Junto con Papageno se adentra en el territorio de Sarastro, pero pronto se da cuenta de que el mal lo encarna realmente la Reina de la Noche y no Sarastro. Pero para quedarse lejos de la Reina con su amada tiene que superar una serie de pruebas. Una vez superadas éstas los amantes se reúnen y el bien triunfa sobre el mal.

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Probablemente Mozart escribió ésta ópera sin pensar que sería su gran obra maestra, pensando solamente en divertir y entretener a las clases más humildes que poblaban el teatro de su amigo.

Es una obra genial, llena de contradicciones pero que ensalza el amor por la verdad, la solidaridad mutua, la justicia, la fraternidad y la tolerancia. Es en esencia y una historia maravillosa con una música igualmente maravillosa en la que triunfa la luz y la verdad sobre el oscurantismo.

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La salud de Mozart empeoró gravemente y el 5 de diciembre, pasados solamente dos meses del estreno y con la ópera todavía en cartel, murió con sólo 35 años de edad. Pero “La Flauta Mágica” , después de siglos, sigue y seguirá por muchos más, llenando de diversión y entretenimiento y sobre todo del genio de Mozart los teatros del mundo.

Podéis, como siempre, encontrarla en nuestra biblioteca. DVD DO 3450

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Hoy quiero reseñar una película española, “Pájaros de papel”, del año 2010; una película muy emotiva y con una gran historia de las que transcienden.

Con dos nominaciones a los premios Goya del año 2010, su director,  Emilio Aragón buscó la complicidad de un gran guionista, Fernando Castets que se dio a conocer por “Luna de Avellaneda” o “El hijo de la novia”, con quien, sin conocerlo personalmente compartía inquietudes, año de nacimiento y a partir de ese momento, amistad.

“Pájaros de papel” es un homenaje al vodevil y a la generación de artistas que sufrió en sus carnes el hambre y la dictadura franquista.

Se trata de una buena historia que sorprende al tiempo que nos muestra varios ambientes paralelamente. Por un lado los artistas que preparan canciones, trucos de magia, interpretaciones, etc. en lo que bien podría ser un musical, ya que la música es uno de sus puntos fuertes y va desde los temas populares, destacando el ritmo del babalú, a melodías casi exquisitas creadas por el mismo Emilio Aragón y su padre Emilio Aragón Bermúdez, Miliki. Y por otro lado la situación política y la represión del régimen justo después de la guerra.

El guion transcurre en dos momentos diferentes, primero a lo largo de 1939, hasta el final de la Guerra Civil y por otro, un año después. Bascula entre el drama y la comedia y huye del maniqueísmo mostrando situaciones cotidianas.

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Recuerda un poco en cuanto al estilo a “El viaje a ninguna parte” de Fernando Fernán Gómez o a la más reciente “El secreto de sus ojos”. Relata las penurias de una compañía de variedades en la que hay una curiosa familia formada por un niño huérfano, un homosexual y el protagonista principal que ha sufrido una gran tragedia y que es el mentor del niño.

Cabe destacar Imanol Arias en una de sus mejores interpretaciones, un personaje de héroe con una vida interior muy complicada. Todo el reparto está muy bien dirigido, destacando las interpretaciones así mismo de Lluis Homar, Carmen Machi y Roger Prince p como el niño. Los secundarios también tienen escenas de lucimiento y todos lo hacen francamente bien, especialmente Luis Varela, Fernando Cayo, Lola Baldric, Concha Hidalgo, Diego Martín y Emilio Aragón Bermúdez en un papel pequeño pero que consigue emocionar. Todos aportan cuerpo a la película.

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Destaca la impecable fotografía y así como el armónico montaje. Se trata de una historia creada con el corazón, en la que nada es superfluo y como bien dijo su guionista Fernando Castets, los grandes guiones están en las pequeñas historias.

El director emplea perfectamente los elementos narrativos así como los recursos para emocionar. Su ambientación y su realización son puro clasicismo y también, por qué  no decirlo, oficio (generaciones haciendo televisión dan una experiencia). El desarrollo de la historia es fluido y mantiene un ritmo que la hace avanzar sin detenerse, combinando las anécdotas  con un hilo argumental algo somero pero muy bien encauzado.

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El hecho de compararla, por lo que las recuerda a veces, a “El viaje a ninguna parte” o “Ay Carmela”, hace que pierda la brillantez que hubiera tenido si hubiese sido única.

Pájaros de papel quizás toca demasiado la fibra sensible, pero quien no esté muy alerta a los mecanismos narrativos, se encontrará con una película muy efectiva, muy bien hecha y con interpretaciones bastante persuasivas.

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Y como siempre, podéis disfrutar de ella si os acercáis a la biblioteca. DVD PE 3691

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