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CINEMA PARADISO – La comunidad de los corazones rotos

“La comunidad de los corazones rotos” es una película escrita y dirigida por Samuel Benchetrit y es una de esas películas de relaciones humanas. Es una comedia surrealista sobre 6 seres solitarios unidos por un gran sentimiento de ternura, respeto y compasión. Está basada en una obra literaria del mismo director titulada Crónicas del asfalto en la que relata sus andanzas de juventud relacionándolas con las vidas de los que fueron sus vecinos.

Pudiera parecer que se trata de una película más en las que se cuentan las vidas de los personajes como algo empalagoso, reconfortante y ñoño pero no es el caso. Es una película que tiene cierta capacidad para sorprender porque muestra situaciones muy poco convencionales y a personajes solitarios y desorientados que parecen habérselas apañado para vivir al margen de sus circunstancias. Personajes anodinos, cada cual diferente, que por un motivo o por otro se encuentran solos, estancados en la cotidianidad del día a día, sin saber muy bien cómo seguir. Una actriz retirada, un  adolescente que siempre está solo, un hombre poco solidario, una mujer abstraída, una madre con cariño acumulado y un astronauta perdido conforman esta comunidad de corazones rotos;  algo fuera de lo común.

El gran mérito de la película, el eje que la mantiene es, sin duda alguna  el trabajo de los actores. La soberbia interpretación de cada uno de ellos es lo que sostiene la película. La fotografía también es sorprendentemente buena, con imágenes sencillas y claras, en el rango más oscuro de los tonos pastel. A pesar de estar adornada con una comicidad de lo más excéntrica y una sucesión de situaciones surrealistas que desatan alguna que otra carcajada, es una película que a su vez consigue transmitir una constante sensación de inquietud que mantiene al espectador pegado a la pantalla como si de un imán se tratara, esperando una respuesta, aunque la verdadera respuesta no se encuentre en la trama sino en reflexión interior de cada uno.

La película es una oda a la buena compañía, a la necesidad que tenemos los seres humanos de que alguien nos escuche, de importarle a alguien y de que alguien nos importe a nosotros. Los personajes de la película llegan los unos  a los otros como botes salvavidas en el momento justo. Afortunadamente para el espectador, nos llegan para sacarnos de los tópicos con los que normalmente se bombardean las pantallas y de esa manera mostrarnos algo distinto, otro tipo de relaciones humanas y sobre todo para transmitirnos valores de solidaridad y empatía tan ausentes y a la vez tan necesarios en los tiempos que corren.

Para verla solo tienes que pasar por la biblioteca: DVD PE 4623

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Esta semana quiero recomendar un clásico, un clásico español. Se trata de la película española “Amanece que no es poco” publicada en 1989 y que a pesar de ser relativamente reciente, se ha convertido en todo un clásico, en un referente del cine de humor absurdo. Se trata sin duda de una de las mejores comedias hechas en nuestro país. En el cuarto de siglo transcurrido desde su estreno se ha convertido en todo un mito del cine de humor absurdo en el cine español.

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Se trata de una película coral, dirigida por José Luis Cuerda que cuenta en su reparto con rostros tan conocidos y reconocidos como Antonio Resines, Cassen, José Sazatornil, Manuel Alexandre, Pastora Vega, Gabino Diego, Fedra Lorente, María Isbert o Chus Lampreave, entre otros muchos.

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La historia de la película se desarrolla en un pueblo muy singular de la sierra de Albacete y en su argumento cuenta con hechos tan absurdos como el que los hombres brotan de los bancales, el borracho del pueblo se desdobla y todos sus habitantes sienten verdadera devoción por Faulkner. Allí llega por casualidad un joven ingeniero, profesor en Oklahoma, que está disfrutando de un año sabático en compañía de su padre. Podría decirse que él es el protagonista principal pero, en realidad, la película es una historia coral con divertidas situaciones y tramas protagonizadas por curiosos personajes, cada uno más raro que el anterior.

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De acuerdo con lo que escribe Fernando Méndez-Leite en su libro sobre el cine de Cuerda, “la estructura de la película es la de un western: unos forasteros llegan a un poblado, conocen a sus habitantes, se informan de los conflictos que alteran esa comunidad y finalmente se van, en este caso sin haber arreglado nada”. Esta estructura general se vertebra en grandes cuadros, sean temáticos (la misa, la taberna, la muerte…), sociales (la asamblea de mujeres, el resultado de las votaciones), de conflicto (el impotente, el ahorcamiento) a lo largo del metraje, brindándonos grandes escenas que perduran en el imaginario colectivo.

Detrás del humor del guion se esconde una crítica feroz a la sociedad de la época que no pierde vigencia y que es perfectamente extrapolable a nuestros días a pesar de haber transcurrido 25 años.

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Las referencias culturales no son para nada simples, lo que mezclado con las situaciones surrealistas y absurdas dan como resultado una obra maestra de nuestro cine. Una película de culto a base de humor absurdo.

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GRAN RESERVA – El clásico del mes

el hombre que fue juevesYa estamos en mayo, uff, parece mentira lo rápido que pasa el tiempo, y ya está aquí nuestro clásico del mes. Para esta ocasión he escogido uno de mis libros preferidos, El hombre que fue jueves de Gilbert K. Chesterton. ¿Y por qué es uno de mis libros preferidos? Simplemente porque es genial, te engancha desde el primer momento y la historia va dando unos giros que no deja de sorprenderte.

Hablemos un poco del argumento. En un surrealista Londres del cambio de siglo Gabriel Syme, poeta, es reclutado por un destacamento contra-anarquista en Scotland Yard. Lucian Gregory, un poeta anarquista, es el único poeta en Saffron Park, hasta que se enoja en una discusión sobre el propósito de la poesía con Gabriel Syme, que adopta una posición opuesta. Después de algún tiempo, el frustrado Gregory encuentra a Syme y lo lleva a una reunión anarquista local para probar que es un auténtico anarquista. En vez de elegir al anarquista Gregory, el agente Syme se vale de su ingenio para lograr ser elegido como el representante local en el Consejo Central de Anarquistas mundial. El Consejo consiste de siete hombres, cada uno tras el nombre de un día de la semana; a Syme se le da el nombre de Jueves. En sus esfuerzos por desbaratar las intenciones del Consejo, sin embargo, descubre que cinco de los otros seis miembros son también policías/detectives encubiertos; todos igual y misteriosamente empleados y asignados para derrotar al Consejo de los Días. Todos descubren pronto que luchan unos contra otros y no a los anarquistas de verdad; tal era el plan del cerebro genial de Domingo. En una conclusión vertiginosa y bellamente surrealista los seis campeones del orden dan con el inquietante y caprichoso Domingo, el hombre que se hace llamar “La Paz de Dios”.

Esto no nos dice demasiado, pero es que esta historia no es para contarla, es para leerla y disfrutarla. En el prólogo a la versión castellana, Alfonso Reyes supone que El hombre que fue jueves es una novela policiaca, pero una novela policiaca-metafísica, verdadera sublimación del género. La novela, en efecto, se acoge a los esquemas  de las historias de policías y malhechores, pero se acoge asimismo a una fórmula de fantasía que sólo mantiene en común con las tramas policiales sus signos externos. Si algo caracteriza a esta novela es su sentido trepidante de la acción: una acción, sí, metafísica, especulativa y en gran medida abstracta, pero acción, indudablemente. Constituye un ejemplo de relato como pieza de relojería: cada acción, cada pieza, cada detalle en sus justos tiempo y medida.

Felipe Benítez nos dice que hay que aprender a leer a Chesterton, ir reteniendo sus trucos, sus claves, su vertiginoso ritmo conceptual. De ese modo su obra se convierte en un perfecto silogismo; su exuberante imaginación, en un calculado juego de espejos; su sentido extravagante y mágico de la realidad, en una reveladora y matemática realidad. Yo estoy de acuerdo con Felipe, pero yo añadiría que más que aprender a leer a Chesterton, hay que aprender a disfrutarlo, porque tal como dijo Borges: su obra no encierra una sóla página que no ofrezca una felicidad. Y como siempre, aquí, en tu biblioteca.

(Datos sacados del libro).

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Ya tenía preparada la reseña de esta semana, pero al conocer la luctuosa noticia de la muerte del escritor y premio nobel alemán Günter Grass, he preferido reseñar una obra en homenaje a él. Se trata, como no, de una película basada en una de sus novelas más conocidas, “El tambor de hojalata” que publicó en el año 1959.

En la novela, el autor relata la vida de Oskar Matzerath, un niño que vive durante la segunda guerra mundial con ciertos tintes macabros e infantiles. Narra los momentos decisivos de la vida de Oskar que a los 29 años fue ingresado en un sanatorio psiquiátrico.

La película es una adaptación de la novela y cuenta la vida de Oskar, que toca un tambor de hojalata para mostrar su inconformismo ante la vida durante el ascenso al Tercer Reich.

Ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes y el Oscar a la mejor película de habla no inglesa en el año 1979, galardón que compartió con “Apocalypse Now”.

Günter Grass escribió la novela en los años 50 y a través de ella hacía un ajuste de cuentas con el pasado de su país, en el que las heridas abiertas por el nazismo aún estaban lejos de cicatrizar.

En 1978, el director también germano Volker Schlöndorff se puso tras la cámara para acometer la complicada coproducción franco alemana de una novela larga, difícil y comprometida, en la que el protagonista decide voluntariamente dejar de crecer al no compartir la vida que protagonizan los adultos que le rodean. Un niño que no dejará de tocar su tambor de hojalata y que cuando intentan silenciarlo emite gritos tan agudos que son capaces de romper todos los objetos de vidrio que hay a su alrededor.

Con algunas escenas surrealistas de las que se quedan grabadas en la mente del espectador, “El tambor de hojalata” es una de las mejores producciones del cine europeo de los años 70.

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Con esta película se demuestra una vez más que con un material literario de primera clase se puede hacer una extraordinaria película que, respetando el espíritu de la novela, posee una individualidad propia, y que el cine, como la literatura pueden ser artes comprometidas con la verdad y con la sociedad del momento; algo más que un mero entretenimiento.

Son de destacar las interpretaciones de todos sus protagonistas, especialmente el trabajo de Charles Aznavour y la prodigiosa actuación del niño David Bennent en el papel del pequeño Oskar absorbiendo al espectador con su fascinante exploración emocional. Así mismo no es menos destacable el trabajo de su director.

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Fotografía del rodaje en dónde aparece Günter Grass, David Bennent y Volker Schlöndorff

 Es desde luego fascinante en muchos aspectos y monstruosa en otros, tiene más valor por su poder visual y la capacidad arrolladora de despertar la curiosidad, que por sus propios méritos cinematográficos, pero en cualquier caso merece la pena verla.

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Sirva ésta reseña como mi homenaje particular a la obra del gran Günter Grass. Y como siempre, lo mejor es que tanto la novela como la película, podéis encontrarlas en nuestra biblioteca. DVD PE 610

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CINEMA PARADISO – Recordando a Dalí

dimension daliAyer, 23 de Enero,  se cumplía 25 años de la muerte de Salvador Dalí. El genio de la pintura surrealista y uno de los artistas más influyentes del siglo XX en la Historia del Arte, fallecía en su tierra natal, Figueras.

  • Desde la Biblioteca Miguel de Cervantes queremos homenajearlo con dos documentales que se encuentran entre nuestros fondos audiovisuales:

Salvador Dalí. Grandes personajes a fondo (DVD DO 3404)

y Dimensión Dalí. La obsesión de un genio por la ciencia (DVD DO 2505)

Salvador Dalí. Grandes personajes a fondo, es una larga entrevista realizada en TVE en el que el periodista consigue que Dalí abandone durante una hora su personaje más superficial e histriónico, evidenciando así su excepcional dominio del lenguaje, acompañado de un extraordinario sentido del humor: “Si hubiera dos mil Picassos, treinta Dalís, cincuenta Einsteins, el mundo sería prácticamente inhabitable, pero que nadie se espante, no lo hay

Dimensión Dalí. La obsesión de un genio por la ciencia, incluye entrevistas inéditas en las que Dalí manifiesta su pasión por la ciencia. Diversos premios Nobel evocan su relación con el pintor y algunos de los expertos más destacados en la interpretación de la obra daliniana señalan las influencias científicas que reflejan sus obras.

Os dejamos con el documental que emitió ayer La 1 La noche de… Revelando a Dalí.

http://www.rtve.es/alacarta/videos/la-noche-de/noche-revelando-dali/2338787/

Esperamos que disfrutéis de este genio irrepetible.

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RECOLECTURAS – 50 años de Rayuela

rayuelaHoy en nuestra sección hablamos de un libro que llegó hace 50 años, el próximo 28 de junio, para revolucionar la literatura, Rayuela de Julio Cortázar.

París, sus calles, sus puentes, sus bulevares. Por ese dédalo se mueve el protagonista de Rayuela, Horacio Oliveira, un argentino de unos cuarenta años enamorado de una uruguaya. Ella es Lucía, la Maga, una mujer distraída, ingenua, tierna, que ha viajado hasta la ciudad con su hijo Rocamadour (cuyo nombre real es Francisco). Junto a Oliveira y la Maga están los miembros del Club de la Serpiente, y no podemos olvidar al novelista Morelli, en realidad es el álter ego de Cortázar. El escritor se sirve de él para contar cómo es su idea de una literatura limpia, “sin decorados”. Concluida la primera parte “Del lado de allá” abandonamos París y nos internamos “Del lado de acá“. Oliviera regresa a Buenos Aires. Aún falta el cierre de Rayuela, “De otros lados“, textos heterogéneos atribuidos al propio Morelli. (Fuente ABC cultural).

Cuando Rayuela apareció se convirtió de inmediato en la novela talismán, novela iniciática, propuesta existencial que aspiraba, potenciando lo humano, a cambiar la vida. Caleidoscópico mosaico, modelo para armar, confía al lector activo la recomposición de su decurso como si este rompecabezas construido por ensamblaje de partes separables contuviese mil otras novelas virtuales. Julio Cortázar con Rayuela consuma el más revolucionario ataque contra la novela tradicional, la sucesiva, la progresiva y concatenada, la decimonónica, la del realismo psicológico. Rayuela es discontinua, contrastiva, inestable, sorpresiva y sorprendente. Es a la vez una novela y una antinovela. (Del prólogo de Saúl Yurkievich).

Cómo leer Rayuela. A su manera este libro es muchos libros, pero sobre todo es dos libros. El lector queda invitado a elegir una de las dos posibilidades siguientes. El primer libro se deja leer en la forma corriente, terminando en el capítulo 56. El segundo libro empieza en el capítulo 73 y sigue el orden que se indica en el tablero de dirección. Cortázar propuso una tercera opción, en el orden que el lector desee. Sigue leyendo

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