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RECOLECTURAS – El relojero de la Puerta del Sol

Hoy en nuestra sección el último Premio Andalucía de la Crítica, El relojero de la puerta del sol de Emilio Lara.

El escritor jienense nos trae la historia del español José Rodríguez Losada desde su pueblo natal Iruela, León, hasta el Londres de la época victoriana, donde se hizo un relojero de prestigio y consiguió fama internacional. Para llegar hasta ahí tuvo que pasar enormes penurias y vicisitudes.

De origen muy humilde, se vio obligado a salir de su pueblo cuando solo era un chaval, para tratar de evitar una muerte casi segura a manos de su déspota padre. Con una enorme habilidad para arreglar cosas, su huida lo lleva por caminos de Castilla la Mancha, Extremadura…, malviviendo de la caridad del algunos arrieros con los que se encuentra por los caminos y durmiendo bajo la luz de la luna y al cobijo de los árboles.

Su deambular le lleva hasta el Madrid castizo de Fernando VII, donde visita todos los talleres y obradores para ofrecerse como aprendiz, sin fortuna alguna. Su primera oportunidad se la da el dueño de una especie de linterna mágica al que José ayuda a arreglarla, contratándolo como ayudante y recorriendo con él durante dos años la geografía española. Tampoco tiene suerte con este linternero ludópata al que abandona al cabo de dos años para no perder lo ahorrado durante este tiempo. A su vuelta a Madrid, decide que lo mejor es entrar en el Ejército para no morir de hambre; los sueños de viajar a París y de construir un respetable teatro donde celebrar multitudinarias sesiones de linterna mágica, se habían evaporado. La vida no le da tregua y en el Madrid de 1816, José Rodríguez Losada se alista en el arma de Caballería.

Corre el año 1820, y Rafael del Riego y otros jóvenes oficiales liberales se habían sublevado en la localidad sevillana de Cabezas de San Juan contra el absolutismo de Fernado VII. El escuadrón de caballería de José se había unido al golpe. Tres años más tarde, después de la derrota de Rafael del Riego, José se convierte en un prófugo. Esta vez su huida le llevará con los años a la ciudad de Londres, ciudad que le acogerá y le dará la oportunidad que nunca tuvo en su país natal. Esta oportunidad correrá a cargo del dueño de un taller de relojería situado en la calle Euston Road, que percatado de la habilidad de José para arreglar cosas, lo convierte en su mano derecha.  A partir de ahí todo un camino hacia el éxito. A la muerte de John Hamilton, dueño de la relojería, José se hace con el negocio que crece en amplitud y sucursales. Su fama es tanta que se extiende por todo el continente europeo, también por España, y recibe un encargo muy especial: el arreglo del Big Ben, símbolo de Londres y por consiguiente del Imperio Británico, encargo al que no se puede negar porque viene de la mano de la mismísima Reina Victoria, aunque esto suponga un freno a su sueño, hacer un reloj para la Puerta del Sol.

Esto es a grandes pinceladas lo que se cuenta en esta amena novela histórica. Vamos a ver como a través de constancia, determinación y con una gran habilidad para trabajar con las manos, en el caso de José; además de un poco de suerte, a veces los sueños se consiguen. Y lo consiguió.

El reloj de la Puerta del Sol se inauguró el 19 de noviembre de 1866 con motivo del cumpleaños de la reina Isabel II, y fue un regalo que le hizo al pueblo de Madrid. Aunque José murió en Londres en 1870, nunca olvidó al pueblo español, y entre otros,  hizo el reloj del Ayuntamiento de Sevilla, actualmente en la iglesia hispalense de la Concepción, el de la Catedral de Málaga y el del Arsenal de Cartagena.

La novela se lee muy bien. Los capítulos y las frases son cortos y las descripciones del Londres y de la España del siglo XIX, así como los hechos narrados, son muy instructivos y están muy bien documentados (supongo que ahí se ve un poco el oficio de profesor de Geografía e Historia del autor).

Está salpicada de hechos reales, como el ya mencionado alzamiento del Riego, y de personajes muy conocidos de la época; entre otros: Dickens, José Zorrilla, Juan Prim, el general Cabrera, Lewis Carroll…, y un largo etcétera, que frecuentan la relojería y la Tertulia del Habla Española, donde se dan cita los exiliados españoles que viven o están de paso en la capital inglesa.

Además de novela histórica yo también la catalogaría de novela de aventuras, por el ritmo trepidante y por los acontecimientos vividos por el protagonista. El autor se queja al final del libro de que un personaje tan brillante y de tanta fama en su época, sea casi un desconocido en España (yo debo reconocer que desconocía su existencia); por eso a través de esta novela ha querido darle el lugar que le corresponde y así brindarle un justo homenaje.

Emilo Lara (Jaén, 1968) es doctor en Antropología, licenciado en Humanidades con Premio Extraordinario, Premio Nacional Fin de Carrera y profesor de Geografía e Historia de Enseñanza Secundaria. Ha publicado varios libros de Historia y decenas de artículos en revistas universitarias y centros de investigación españoles, italianos y franceses. Colabora con el diario ABC y con la web literaria Zenda, así como con el programa «Kilómetros de radio» de radio 5 (RNE). Su primera novela, La cofradía de la Armada Invencible (también en la biblioteca), se ha convertido en un éxito de crítica y público.

Como anécdota decir que hará unos 20 años fuimos cuñados, y que por aquel entonces ya apuntaba maneras.  Así que personalmente me alegro mucho de su éxito como escritor, avalado con el reciente Premio Andalucía de la Crítica.

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CINEMA PARADISO – Midiendo el mundo

Esta semana reseño “Midiendo el mundo”, una película alemana, estrenada en el año 2012 que trata la historia de dos de los científicos más importantes del planeta.

La película muestra la vida de Carl Friedrich Gauss, un brillante matemático y Alexander Von Humboldt, un geógrafo, naturalista y explorador, entre otras cosas, en la Alemania de comienzos del siglo XIX que tuvo gran influencia en diferentes vertientes tanto artísticas como científicas.

Dirigida por Detlev Buck y escrita por él mismo y Daniel Kehlman, autor al mismo tiempo de la novela del mismo nombre (2005) en la que está basada. Buck apoya su película en la forma en que Kehlman aborda la historia de dos de los científicos más importantes de la época, incluyendo también sus vidas personales.

Son destacables las actuaciones de los dos personajes protagonistas. Tanto Albert Schuch (Alexander von Humboldt) como Florian David Fitz (Carl Friedrich Gauss) hacen una magnífica interpretación de sus respectivos personajes, ambos con unas personalidades contrapuestas que chocan de manera indirecta a lo largo de toda la película. Además, la historia se desarrolla a lo largo de toda una vida por lo que podemos ver como sus pensamientos cambian a medida que adquieren edad y experiencia.

Otra de las actuaciones destacables es la de Michael Martens como el duque de Braunschweig; un personaje muy peculiar por su ostentosa vestimenta, sus excesivas costumbres y su caracterización y actitud contrapuesta a la de los científicos, en la que no es capaz de apreciar lo que ellos le transmiten. Además, nos encontramos con Aimé Bonpland (Jérémy Kapone), un botánico y médico francés, compañero de viaje de Humboldt que espera durante todo el viaje que su amigo reconozca su valía y sus logros. De nuevo, este personaje enfrenta su personalidad a la de su compañero; él le da la humanidad que a veces se le olvida al alemán.

Las escenas luminosas y los tonos claros nos sumergen en la travesía de Humboldt y nos transportan hasta su mismo viaje, pudiendo ver y sentir a través de sus ojos todo lo que a él le acontece. Por otro lado, los colores fríos y la ausencia de iluminación en muchas escenas, parece querer mostrar la locura que acechaba a Gauss. Todo ello de manera magistral acentuando la contraposición de los personajes.

Es de destacar también la banda sonora de Enis Rotthoff que refleja muy bien el espíritu de la película.

En conclusión, se trata de un film muy entretenido de ver, sorprende el tratamiento de los personajes, especialmente porque abunda en la contraposición de los mismos; está muy bien construida y también porque a todos nos gusta imaginar la vida de personas que han dejado una huella profunda en el mundo. Éste es un claro ejemplo, aunque ya, la historia de cada uno daría para una cinta por separado. Además, siempre es agradable ver un soplo de aire fresco en nuevas películas ajenas a las directrices de Hollywood.

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CINEMA PARADISO – El renacido

En este mes de premios cinematográficos, seguimos recordando películas que triunfaron en los Premios Oscar y esta semana quiero reseñar “El Renacido”, película estrenada en diciembre de 2015, que fue nominada en doce categorías a los Premios Oscar y que finalmente obtuvo el Oscar a Mejor Director para Alejandro González Iñárritu, Mejor Actor para Leonardo di Caprio y Mejor Fotografía para Emmanuel Lubezki. También fue galardonada con cinco Premios Bafta y tres Globos de Oro entre otros muchos.

Se trata de una película semi-biográfica, con guion del propio director y de  Mark L. Smith, en una adaptación de una parte de la novela de Michael Punke, del mismo nombre y basada en un personaje histórico, Hugh Glass, trampero y explorador de inicios del siglo XIX.

Quizás lo más destacable de ésta película no sea la historia en sí misma, sino su realización técnica. Creo que en ese sentido estamos ante Cine con mayúsculas. La fotografía es absolutamente magistral y la cámara se mueve de esa manera que muy pocos directores dominan, entre ellos González Iñarritu. Ya desde el inicio, la película se muestra tremendamente brutal presentando a dos personajes en medio de una batalla entre indios y colonos en la que podemos apreciar que la violencia bien rodada también puede ser sinónimo de belleza.

Cabe destacar la interpretación de Leonardo Di Caprio con la que obtuvo un merecido Oscar a Mejor Actor . Papel en el que además, demuestra tener una potencia física impresionante al alcance de muy pocos actores. Refleja de manera magistral los sentimientos del personaje, sus ansias de venganza por encima de cualquier circunstancia, y todo ello a penas sin articular palabra.

En el otro extremo tenemos al villano, interpretado por Tom Hardy que lo borda haciendo de tipo despreciable y del que vale la pena no perderse la versión original para apreciar el acento que aporta a su interpretación para identificarse con un  paleto de principios del siglo XIX en la américa más profunda.

Dentro de los aspectos técnicos, como no, destacar la maravillosa fotografía de Lubezki que roza la perfección. Los bosques nevados, los ríos helados, los gélidos desiertos están magníficamente transmitidos. A esto le ayuda el sonido también excepcional y que contribuye a introducirnos por completo en la pantalla.

El director, como ya he comentado, es uno de los puntos fuertes de la película con su magistral manejo de la cámara. Iñárritu se recrea en cada detalle, en cada gota de agua, en cada chispa de fuego, para de esa manera, hacernos sentir casi lo que el protagonista siente en cada momento.

La película es una revisión del western con todos los elementos que lo caracterizan; la venganza, la violencia, la supervivencia, incluso la suciedad, y todo realizado en el momento actual pero sin perder un ápice de la esencia de los mejores tiempos del género. Lo que ocurre en la cinta es la vida propiamente dicha, no hay idealización de la existencia o de cómo debería de ser.

En definitiva creo que es una gran historia con una magnífica puesta en escena, algunas metáforas visuales de lo más acertado y todo ello en un guion en dónde se encumbran los silencios y no porque el texto sea malo sino porque los silencios son aún mejores y todo esto unido a unas interpretaciones magistrales.

En mi opinión es una película imprescindible en la historia de los Premios Oscar y que creo que nadie debería perderse. A mí me gustó mucho.

Si te apetece verla, ya sabes que no tienes más que pasar por la biblioteca y llevártela a casa en préstamo. DVD PE 4439

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CINEMA PARADISO – La señorita Julia

Antes que cine fue teatro. Su autor, August Strindberg la escribió para ser representada sobre las tablas, en un escenario entre cuatro paredes, y eso se nota. Dirigida por Liv Ullmann, se ha dicho de ella que es la adaptación más seductora y oscura del gran clásico teatral.

La historia se centra en Julia, una mujer aristócrata que rompe todas las convenciones sociales y en la noche de San Juan vive un momento de auténtica pasión con su criado John. La auténtica protagonista es la lucha entre clases, una lucha dura, dramática y agresiva incluso lo que hace que la historia sea bella pero terrible al mismo tiempo.

Es un relato apasionante que cuenta con dos personajes complejos y muy atractivos: Julia y John. Ambos evolucionan tanto a lo largo de la historia que a veces cuesta trabajo saber quién es el criado y quién el aristócrata. De igual forma, el guion conserva la fuerza y la inteligencia de la original obra teatral.

Sin embargo, quizás se note demasiado que no ha sido creada para la gran pantalla. En mi opinión, un texto teatral bien llevado al cine no debería aparentar en exceso haber sido lo anterior, y en este caso quizás se haga demasiado evidente. Pero sólo por poner un “pero”.

Muchas de las imágenes son de una belleza excepcional y el final está tratado con mucha delicadeza y tiene la capacidad de conmover al espectador. Al mismo tiempo han sabido intercalar escenas para variar la escenografía primitiva adaptándola así al mundo cinematográfico, ampliando  espacios con bastante acierto.

La actriz Jessica Chastain interpreta a Julia de forma extraordinaria, resultado no sólo del talento de la actriz, que lo tiene y mucho, sino también de la labor magistral de dirección por parte de Liv Ullmann, que antes de ser directora, fue actriz, y de las buenas. El resultado de estos trabajos se refleja a la perfección en los ojos de Jessica Chastain que se cargan de verdad o de pasión o de miedo, dependiendo de la escena. A esto ayudan también unos primeros planos excepcionales que colaboran a dar impresión de cercanía y empatía al espectador.

Colin Farrell por su parte interpreta a John, el criado de la casa y al principio quizás resulte poco creíble, pero a medida que avanza la película su trabajo se va haciendo magnífico y te va atrapando. Es de destacar también el papel de Samantha Morton que encarna a Kathleen, la criada de la casa y novia de John.

El reparto lleva a cabo un trabajo excelente, las imágenes son agradables, la historia es lo suficientemente turbulenta, casi cercana al thriller, como para interesar, pero, a veces (como sucede en otras muestras de teatro filmado como Closer, reseñada por mi anteriormente), a uno  le está dando la impresión de estar viendo una obra de teatro y no una verdadera película. Y sin embargo todo eso es perdonable gracias a la calidad del film.

Tormentas psicosexuales aparte, quizá el tema más estimulante de La señorita Julia es, como he mencionado antes,  el del choque de clases, que no tiene tanto que ver con riqueza versus pobreza, como con la convivencia de dos especies distintas de seres humanos. Hoy en día, la aristocracia empieza a ser algo en vías de extinción, reducida a sus propios espacios, y tendemos a pensar que el concepto de “clase” equivale a riqueza, pero hasta hace unas décadas esto no era así. Esta película puede ser un buen ejemplo para entender realmente qué significaba “clase alta” y “clase baja” en el sentido de entonces.

En definitiva la película es un ejercicio narrativo excelente, apoyado por la magnífica interpretación de sus dos actores principales. Muy recomendable. No te la puedes perder. Y como siempre, puedes encontrarla en la biblioteca. DVD PE 4295

(Fuente: http://www.thecult.es) Sigue leyendo

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CINEMA PARADISO – Mr. Turner

Mi reseña de esta semana es para una película biográfica en torno a uno de los pintores más emblemáticos y controvertidos de Inglaterra en la primera mitad del siglo XIX, conocido con el significativo sobrenombre de “pintor de la luz”. Se trata de J.M.W Turner.

Esta película no es sólo una contundente y ejemplar biografía de Turner, que recrea con precisión y vigor la personalidad de un hombre controvertido y sorprendente en sus reacciones, sino que hace, así mismo un retrato exquisito y muy elaborado del entorno artístico en el que se mueve; la Inglaterra de la primera mitad del siglo XIX.

Y es sobre estos dos sólidos pilares es sobre los que se asienta una excelente película que reitera la calidad de Mike Leigh como director, que posee una magnífica filmografía con títulos como “Secretos y mentiras”(1996), “Todo o nada”(2002), “El secreto de Vera Drake” (2004) o  “Another Year”(2010), ya reseñada por mi anteriormente. Confirmando una vez más que es un gran director, ha contado con un aliado impagable, el actor Timothy Spall como protagonista que desempeña su papel de manera intachable, logrando por su trabajo, con toda justicia, el Premio de Interpretación de Cannes.

Leigh nos traslada a los últimos 25 años de la vida de Turner, cuando su prestigio está totalmente consolidado y su fama como un excelente y original paisajista no la discute nadie (salvo, naturalmente, algunos de sus colegas). Y esto precisamente lo muestra la película cuando se introduce en los escenarios de la Real Academia de las Artes de Londres, en donde sus lienzos son permanentemente infravalorados y relegados a exposiciones en lugares poco gratificantes.

En estos tiempos, el pintor vive aún con su padre y al cuidado de una sirvienta por la que no siente ninguna estima pero que le sirve como desahogo.

Su vida, sin embargo, va a experimentar un giro importante cuando conoce a la dueña de una  pensión de la costa inglesa a dónde se traslada a temporadas en busca de inspiración y que será su apoyo y su compañía cuando le llegan los momentos de la soledad, de la vejez y la enfermedad.

Con una mirada reveladora y alejándose del biopic autobiográfico, Leigh y su director de fotografía Dick Pope nos presentan una cinta de trazo impecable, detalles minuciosos y una estructura totalmente creativa, con escenas encuadradas tras los marcos de puertas y ventanas que le aportan un romanticismo esmerado en dar profundidad a lo íntimo, a lo que ocultan los personajes en cada momento, convirtiendo así al espectador en un observador constante de cada escena. La película así mismo, atiende por encima de todo al factor humano y dramático y la cámara escruta en su interior, en sus contradicciones, en sus miserias y va componiendo la imagen de un ser a menudo desconcertante, anárquico, pero también vulnerable aunque con bastante tendencia al egoísmo.

La interpretación de Timothy Spall, recordado por películas como “El cielo protector” o “Cazador blanco, corazón negro”, entre muchas otras, es magnífica. Reencarna a un Turner huraño, rozando muchas veces la locura, y excéntrico en busca de la perfección. Ha sido premiado además de en el Festival de Cannes, en Sevilla, por el Círculo de Críticos de Nueva York y Premios del Cine Europeo. El resto del reparto está a la altura, destacando las maravillosas interpretaciones de Jaime Thomas King, Roger Ashton-Griffiths, Robert Portal, Lasco Atkins y John Warman.

En definitiva, “Mr. Turner” es una película valiosa, bien enmarcada y con una magnífica interpretación.  Una joya imprescindible, no sólo para los amantes de la pintura sino también para los amantes del buen cine.

Y como ya sabéis, podéis disfrutar de ella pasando por la biblioteca DVD PE 4316. ¡No os la podéis perder!

 

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GRAN RESERVA – El clásico del mes

Estaba yo pensando qué libro recomendar este mes. Estamos en diciembre, el mes de la Navidad, y si hay un clásico de estas fechas es, sin duda, “Canción de Navidad” de Charles Dickens,  pero a este libro ya le dedicamos una entrada en su día, así que, mi clásico de este mes es “La isla del tesoro” de Robert Louis Stevenson.

isla

Quince hombres sobre el cofre del muerto yo-ho-ho y una botella de ron

¿Quién no conoce esta cancioncilla? Yo la cantaba de pequeña cuando aún no sabía lo que era el ron, luego más tarde daría buena cuenta de ello, pero bueno, eso es otra historia.

Para mi La isla del tesoro es uno de mis clásicos favoritos. Como me ha pasado con la mayoría de ellos, mi primera aproximación ha sido a través de la televisión cuando era niña, el libro ha sido llevado al cine en múltiples ocasiones.  ¿Quién no recuerda al pirata Long John Silver con su pata de palo y el loro, y al pequeño Jim? Yo desde luego sí.

La Isla del tesoro forma parte de nuestro imaginario colectivo. La novela es una novela de aventuras, y como tal, parece destinada a un público juvenil (el libro fue publicado originalmente por entregas en la revista infantil Young Folks, entre 1881 y 1882, con el título de The Sea Cook, or Treasure Island), sin embargo, yo me acerqué a ella de adulta y puedo decir que disfruté como una enana.

El efecto de La isla del tesoro sobre nuestra percepción de los piratas a menudo se subestima. Stevenson unió a los piratas para siempre con mapas, goletas negras, islas tropicales, y marineros con una sola pierna con loros sobre sus hombros. El mapa de tesoro con una X que marca de la posición del tesoro enterrado es uno de los rasgos piratas más familiares, y sin embargo, es una invención completamente ficticia que debe su origen al mapa original de Stevenson. El término “La Isla del tesoro” ha pasado a la lengua como una frase común, y a menudo es usada como un título para juegos, paseos, sitios, etc.

Stevenson tenía 30 años cuando comenzó a escribir La isla del tesoro y se inspiró en un mapa que pintó con acuarelas el joven Lloyd Osbourne, hijastro de Stevenson, que en esa época contaba con 12 años.  Recordando esos momentos, Lloyd escribiría:

…con mi nueva caja de acuarelas intenté hacer un mapa de la isla que había dibujado. Stevenson entró cuando yo lo terminaba y mostrando ese amable interés por todo lo que yo hacía, se apoyó sobre mi hombro, y pronto se puso a construir el mapa y darle un nombre. ¡Nunca olvidaré la emoción al ver la Isla del Esqueleto, la Colina del Catalejo, ni la emoción que sentó en mi corazón con las tres Cruces Rojas! ¡Pero la emoción fue aún mayor cuando escribió las palabras “La isla del tesoro” en la esquina superior derecha! No tardó en demostrar grandes conocimientos sobre la isla y sus habitantes los piratas, el tesoro enterrado, o el hombre que había sido abandonado en la isla. “Oh, es como para hacer una historia sobre ello”, exclamó. “Sí, que cuente quién enterró el tesoro, o por qué se llama la Isla del Esqueleto”, respondí en un paraíso de encanto…

(Datos sacados de la Wikipedia)

Robert Louis Stevenson (Edimburgo, 13 de noviembre de 1850 – Samoa, 3 de diciembre de 1894), es uno de los escritores más grandes que ha dado la literatura inglesa. Su vasta obra incluye crónicas de viaje, novelas de aventuras e históricas, así como lírica y ensayos. A parte de sus famosas novelas de aventuras, como la que hoy nos ocupa y La flecha negra, pasó a la historia de la literatura como creador de otro clásico universal, El extraño caso del Dr. Jekyll y míster Hyde. Al autor seguro que volveremos más adelante en esta sección, ya que es uno de mis escritores favoritos.

Ya sabes si te gusta la aventura y pasar un rato muy, muy divertido, acércate a uno de los libros más entretenidos que se hayan escrito nunca, seguro que no lo lamentarás. En la biblioteca tenemos adaptaciones  para los más pequeños, adaptaciones teatrales incluso, y como no, adaptaciones al cine…yo os recomiendo el original, por supuesto, pero lo mejor es que vengas tú y elijas la opción que más te guste.

¡NOS VEMOS EN LA BIBLIOTECA!

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CINEMA PARADISO – Los derechos del niño en el cine

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El próximo día 20 de noviembre se celebra el Día Universal del Niño, fecha en la que en el año 1959, la Asamblea general de la ONU aprobó los Derechos del Niño. Esta declaración legalmente no tenía carácter obligatorio, por lo que, no era suficiente para proteger los derechos de la infancia. Tras diez años de negociaciones con instituciones de todo el mundo, por fin se logró acordar el texto final de la Convención de los Derechos del Niño el 20 de noviembre de 1989,  cuyo cumplimiento sería obligatorio para todos aquellos países que la firmasen.

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El objetivo de este día es recordar a la ciudadanía que los niños son el colectivo más vulnerable, y por lo tanto, los que más sufren con los problemas del mundo. Este día nos recuerda que todos los niños tienen derecho a la salud, la educación y la protección, independientemente del lugar de la tierra en el que hayan nacido.

Los derechos del niño según la convención se pueden resumir en cuatro principios fundamentales:

  • Los niños no deben sufrir discriminación.
  • El interés de los niños debe de ser lo más importante cuando se tomen decisiones que le afecten.
  • Todos los niños tienen derecho a la supervivencia y al desarrollo, esto incluye el derecho al bienestar mental y físico.
  • Los niños tienen que expresar sus puntos de vista, y siempre tienen que tomarse en consideración sus opiniones en los temas que le afectan.

Hoy en día se sigue luchando porque estos principios, que en nuestro “primer mundo” ya consideramos fundamentales, sean considerados de igual modo en cada rincón del mundo.

Por eso quiero recomendar una película que, si bien la he recomendado en otra ocasión, no fue con el mismo sentido que ahora, ya que de una misma película o de un mismo libro, se pueden hacer diversas lecturas dependiendo del punto de vista con que se aborde. 

 Se trata de Oliver Twist, basada en la novela homónima de Charles Dickens, y que ilustra magistralmente el maltrato a la infancia.

La persona más miserable es la que utiliza su posición o su fuerza para aprovecharse de la debilidad o indefensión de otro, especialmente si éste es un niño. Esto es lo que muestra la película, que si bien está ambientada en el siglo XIX, sigue siendo un problema vigente en muchas partes del mundo, y nuestra misión, la de todos, es hacer que esto desaparezca y los niños gocen plenamente de sus derechos en cualquier rincón del planeta. 

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 Esta cinta está dirigida por el maestro Roman Polanski que opta por mostrarnos el emotivo relato sin añadirle ningún tipo de artificio. Simplemente deja que la narración se desarrolle con sencillez, evitando que se note demasiado su mano y dejando que los propios contenidos del libro de Dickens se conviertan en los absolutos protagonistas de la película. El espíritu del texto original se mantiene intacto, especialmente en lo referente a denuncia social.

El equipo de realización aporta una gran vistosidad a la cinta, desde el vestuario, maquillaje y decorados al gran número de extras, etc. Es necesario hacer referencia también al reparto, sobre todo a un estupendo Ben Kingsley dando vida a Fagin, el viejo ratero de los suburbios de Londres que adopta niños y los convierte en ladrones para lucrarse.

Nos devuelve el sabor y el olor de lo clásico. Muestra tanto la carga emotiva como la sórdida. Se trata de una película con una magnífica ambientación y con un ritmo que no desmerece en absoluto a la historia.

Podéis encontrarla como siempre en nuestra biblioteca DVD PE 3421 Sigue leyendo

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