CINEMA PARADISO – Lion

«Lion»,  basada en la novela  “Un largo camino a casa” de Saroo Brierley,  es la historia real de una vida perdida y encontrada. Es quizás una de las películas que más me han conmovido en los últimos tiempos.  Fue merecidamente nominada, en mi opinión,  en seis categorías a los Premios Oscar en la edición de 2017.

La película aborda por un lado, el largo periplo de un niño muy pequeño, perdido mientras, subido en un tren, acompañaba a su hermano mayor en busca de trabajo,  en la inmensidad de una India plagada de miseria y pobreza y por otro, un conflicto dramático que pocas veces hemos podido ver en el cine y es la crisis de identidad que sufre un hijo  adoptado entre la infancia y la madurez.

El viaje del pequeño Saroo incluye un trayecto de varios días encerrado en un ferrocarril, la pérdida por las calles sobrecargadas de Calcuta, el intento de secuestro por parte de una mujer que esconde horribles intenciones, el encierro en un orfanato demoledor y, finalmente, la adopción por parte de una pareja australiana. Cuando la posibilidad de volver con su familia se desvanece (el niño no conoce el apellido de su madre analfabeta, no habla bengalí y ni tan siquiera recuerda el nombre exacto de su pueblo), la acogida por parte de una pareja occidental ¿resulta el único final feliz posible?.

La película parece que contesta afirmativamente a esta pregunta hasta que Saroo se empieza a cuestionar su identidad, y esto queda perfectamente reflejado en el que es quizás el momento más dramático de la película, en la conversación que Saroo mantiene con su madre adoptiva respecto a la necesidad que él siente de reencontrarse con su madre biológica y aquí surgen varios temas interesantes.  Por un lado la idea de que un niño no es una página en blanco sobre la que sus padres adoptivos puedan escribir su historia ideal de familia feliz, y por otro el hecho de que la madre adoptiva confiese que su adopción no fue por necesidades biológicas sino por verdadera convicción moral.

El guion excelente de Luke Davis, nominado al Oscar, utiliza un recurso muy curioso y es hacer que a través de la comida, el pequeño Saroo reviva recuerdos e incluso  su propio origen. La comida está muy presente en la película.

El actor protagonista, Dev Patel  logra de forma brillante y convincente transmitir con una gran sensibilidad y delicadeza, esa sensación de frustración, confusión, y dolorosa pérdida de alguien separado de su familia sin previo aviso, además, realiza una interpretación tan magnífica, intensa y emotiva que consigue introducirnos con suma facilidad en el interior de su personaje, y hacernos sentir en primera persona la angustia asfixiante y el profundo sufrimiento de Saroo por buscar y encontrar sus verdaderos orígenes e identidad, mientras que Nicole Kidman, con este papel da la sensación de que  rejuvenece profesionalmente, con el retrato de un personaje perfectamente matizado de una madre cariñosa, comprensiva y con mucha paciencia. Una portentosa actuación  merecedora de una nominación al Oscar.

Además, hay que destacar la actuación del pequeño actor Sunny Pawar en el papel de Saroo de niño,  ya que directamente te toca el corazón.

El director Garth Davis y su responsable de fotografía, Greig Fraser, también nominado al Oscar, nos deleitan con amplios y hermosos paisajes, presentados a través de largos planos aéreos panorámicos, sobre todo, de las impresionantes llanuras secas de la India Central. Garth Davis encuentra una fantástica solución usando el ojo del mundo que todo lo ve, de la herramienta Google Earth, como inspiración. Así vemos como las grúas y las cámaras imitan la experiencia de desplazarse por Google Earth con lo que visualmente resulta bastante sorprendente. La nominación al Oscar a la Mejor Fotografía está más que justificada.

“Lion” plantea diferentes cuestiones de peso a lo largo de los 120 minutos que dura la cinta como la pobreza, la adopción, la explotación y la más poderosa, la identidad. La película reúne todos los ingredientes para ser un auténtico éxito, posee un toque algo edulcorado, quizás  para suavizar el duro trasfondo del tema. Está tratada con mucho tacto y delicadeza, y lleva el sello inconfundible de las grandes producciones de Hollywood: «Basado en Hechos Reales», para dar mayor autenticidad, fuerza y emotividad a la narración. A pesar de saber eso, es inevitable que al finalizar la película uno tenga la sensación de haber visto una grandiosa, conmovedora y hermosa cinta que te llegará a lo más hondo del corazón.

Y al final, conviene no desconectarse durante los créditos para no perderse el emocionante encuentro de los verdaderos personajes en la vida real. Y como ya sabéis, pasad por la biblioteca,  llevadla a casa y disfrutadla. DVD PE 4542

 

CINEMA PARADISO – 14 Kilómetros

Hoy se celebra el “Día de Europa” en recuerdo de la denominada Declaración Schuman, en la que el ministro francés de exteriores, Robert Schuman, dio el primer paso para la integración de los estados europeos al proponer que el carbón y el acero de Alemania (entonces República Federal Alemana) y Francia (y los demás países que se adhirieran) se sometieran a una administración conjunta, impulsando la creación de la primera Comunidad Europea: la del Carbón y Acero,​ siendo por tanto el origen de la actual Unión Europea. La importancia de esta propuesta realizada en 1950, cinco años después de la rendición del régimen nazi y ante una Europa devastada por la II Guerra Mundial, radica además en que al someter las dos producciones indispensables de la industria armamentística a una única autoridad, los países que participaran en esta organización, encontrarían una gran dificultad en el caso de querer iniciar una guerra entre ellos. La conmemoración de esta fecha tiene lugar desde 1985, tras su aprobación por los Jefes de Estado y de gobierno reunidos en el Consejo Europeo.

Europa es la tierra prometida para millones de personas que huyen de la miseria, de las guerras etc. y buscan refugio en el viejo continente. Hoy día especialmente desde Siria, envuelta en una devastadora guerra que dura ya demasiados años, pero también desde otros países. Hace ya mucho tiempo que venimos contemplando cómo los desheredados del mundo pugnan por abrirse paso al primer mundo, arriesgando con ello su vida (perdiéndola en muchos casos). Por eso hoy quiero recomendar la película “14 kilómetros”, porque con ella debemos detenernos a pensar. El mundo está viviendo momentos muy difíciles, está convulso y hay millones de personas que sufren las consecuencias. Las consecuencias del hambre, de las guerras, del abandono más absoluto de sus gobiernos, que no saben, no pueden o no quieren poner remedio, y a veces también de la comunidad internacional que mira para otro lado mientras millones de personas viven sin esperanza.

14 kilómetros es exactamente lo que separa Europa del continente Africano, pero también son 14 kilómetros la barrera que separa los sueños de millones de personas que ven en occidente su única salida para escapar del hambre y de la miseria.

De la mano de tres de estos jóvenes africanos, Violeta, Buba y Mukela, recorreremos un largo y peligroso viaje a través del Sahara para conocer lo que nunca enseñan los medios de comunicación.

Las repetidas imágenes en televisión de cayucos llegando a las costas de Canarias o Andalucía han acabado por insensibilizarnos ante un drama que solo muestra la punta del iceberg. Esas imágenes de rostros exhaustos dan buena fe de la dureza del viaje, un viaje que tiene su origen a miles de kilómetros de distancia y que puede durar años.

Es la primera película española que gana la Espiga de Oro en el Festival de cine de Valladolid. Quizás el propósito del director al hacer esta película es mostrar, a través de éstos tres jóvenes el camino que hay entre la miseria del tercer mundo y la meta de alcanzar el mundo próspero y desarrollado. Todo lo que no vemos, lo que hay detrás de esos rostros desencajados que llegan en pateras a las costas españolas. La piel no se la juegan solamente en los 14 kilómetros que separan los dos continentes sino que durante los meses previos, su vida es un valor en constante peligro. El director acompaña a estos tres jóvenes a través de la dantesca odisea que supone el viaje, con un tono que pretende estar lo más cerca posible de la realidad. La magnífica música de la película suaviza la dureza del relato.

Las interpretaciones quizás adolecen de profesionalidad pues se ha trabajado con personajes autóctonos que para nada son actores, y eso se nota, ya que da la sensación de que están recitando un texto en lugar de interpretar un guion.

Si bien es cierto que el objetivo principal que busca el autor es enseñar la dureza del camino, es un acierto mostrar cómo las dificultades del mismo se multiplican durante todo el trayecto en el caso de la mujer. La prostitución se revela como una amenaza constante de la que es difícil escapar, aunque también se pone de manifiesto la solidaridad, el afecto y el compañerismo. En definitiva la invariable dualidad del ser humano.

La película vuelve a abordar temas ya presentes en el cine contemporáneo, como los muros levantados por el primer mundo, las abismales diferencias entre ricos y pobres, y las diferentes formas de supervivencia que, con desesperación buscan para saltar esos muros y eliminar esas diferencias.

También tiene valor por mostrar de forma estremecedora toda la belleza del paisaje unida a su terrible dureza.

Hoy día, este problema no se circunscribe a esos 14 kilómetros sino que se ha generalizado de forma brutal y en casi toda Europa existen estos puntos en dónde se hacinan millones de nómadas que, con desesperación emprenden este estremecedor viaje huyendo de la miseria y en busca de una oportunidad para sobrevivir arriesgando como ya dije al principio, su propia vida. Y es que la vida tiene un valor muy diferente dependiendo del sitio en dónde te haya tocado nacer.

La podéis encontrar en nuestra biblioteca DVD PE 4002

CINEMA PARADISO – Camino a la escuela

Un año más acaba de empezar el curso escolar  y con él, nuevos compañeros, nuevas emociones, nuevas amistades, nuevos contenidos, etc. Pero desgraciadamente esto no discurre de la misma manera en todos los lugares de la tierra. Lo que para los niños y jóvenes de nuestro mundo, el llamado Primer Mundo, es una actividad absolutamente cómoda y asumida, en otros lugares es una carrera de obstáculos para la que se requiere una madurez, unas ansias de aprender en el convencimiento de que eso es lo que mejorará su futuro y una entereza que aquí desconocemos.

Hoy quiero recomendar una película que narra la historia real y extraordinaria de cuatro niños, héroes cotidianos –Jackson, Carlitos, Zahira y Samuel-  que deben enfrentarse diariamente con una multitud de adversidades y peligros para llegar a la escuela. Estos niños viven en cuatro puntos muy distantes de la tierra, pero comparten las mismas ganas de aprender y son conscientes de que sólo la educación les abrirá las puertas a un porvenir mejor.

“Camino a la escuela” es una película que rebosa optimismo y esperanza en un futuro, donde para Jackson, Carlitos, Zahira y Samuel todo es posible con coraje, determinación y esfuerzo.

Cuenta su director Pascal Plisson que un día, encontrándose en Kenia rodando una película, vio pasar a unos chicos que llevaban una bolsa en el cinturón; intrigado les preguntó qué llevaban en la bolsa. Uno de los chicos sacó de la bolsa una flamante pluma, una pizarra y una tiza y orgulloso dijo que se dirigían a la escuela tras dos horas caminando bajo el sol inclemente. Eso en nuestro “Primer Mundo” ni siquiera se concibe. El acceso a la educación es un hecho con todas las garantías.

Trabajando sobre la idea, recibieron muchos relatos a cual más estremecedor. De entre todos, se impusieron cuatro de ellos, por las emociones que despertaban y los desafíos tan diferentes que los chicos debían de sortear para acceder a la educación, como la distancia, la discapacidad o la discriminación.

Su director dice de ella que es sobre todo un espectáculo, un documental de aventuras que muestra el valor y la fe de estos niños en el futuro y en su sociedad. Generalmente son los primeros niños de su familia en ir a la escuela y este hecho significa para ellos una gran oportunidad. Su viaje, no sólo es un viaje físico sino también espiritual, un viaje interior que les permite abandonar la etapa de la infancia y convertirse en adultos. Se trata en definitiva de una aventura humana en la que ninguno de los niños que aparecen en la película, se desalienta en ningún momento. Para estos niños la escuela no es una tarea, es una oportunidad, un regalo muy valioso.

Para ello, acceder a la educación significa poder acceder más tarde a un trabajo que les permita ocuparse de su familia, curar, ayudar a los demás, comprender el mundo y formar parte activa de la vida de su país.

Es una película que nos hace reflexionar sobre la importancia de la educación y la fortuna de tenerla a nuestro alcance, considerando que es clave para hacer de los jóvenes unos ciudadanos críticos y tolerantes. La película invita a debatir también sobre la desigualdad de recursos, la capacidad de superación, todas ellas premisas que deben incitar a los ciudadanos del “Primer mundo” a recapacitar sobre su forma de vida.

Una película muy recomendable, especialmente en el comienzo del curso escolar, tanto para docentes y estudiantes como para cualquiera que esté sensibilizado con el tema de la educación, dada la capacidad extraordinaria que tiene para infundir empatía a nivel social, como por el hecho de que con tan pocos recursos se pueda transmitir tanto. Un canto a la esperanza y a la cultura del esfuerzo, tan olvidada en el mundo occidental. Un real, sincero y tierno retrato de una realidad algo lejana para nosotros, pero al mismo tiempo tan próxima al corazón, por la inocencia, voluntad y tenacidad que transmite. No dejéis de verla. Para ello sólo tenéis que pasar por la biblioteca DVDV PE 4391

CINEMA PARADISO – Biutiful

Hoy quiero reseñar una película de un director que en los últimos años ha  cobrado mucho prestigio. Me refiero a Alejandro González Iñarritu que tiene en su haber películas tan premiadas como “Birdman” , “El Renacido”,  “Amores perros” o “Babel”

La película que reseño hoy es Biutiful, interpretada por un magistral Javier Bardem. Es de esas películas que encanta a algunos y sin embargo otros la detestan. Para empezar, podemos decir que es una película que en cierto sentido lo hace pasar mal al espectador. Se trata de una película bastante buena pero triste, aunque en sentido positivo y la historia que cuenta nos dejará sin habla. Es sencilla pero difícil a la vez. Nos habla de un hombre llamado  Uxbal, que es sensible a los espíritus de los que acaban de morir  y además se gana la vida mediando entre un grupo de chinos que fabrica productos falsificados y otro de africanos manteros que los vende. También se ocupa de pagar el soborno al policía de turno. Vive rodeado de miseria y está gravemente enfermo, y sabiendo que le queda poco de vida decide darle valor a todo y redimirse consigo mismo y con los demás.

En la película vemos el reflejo de una Barcelona oculta dónde lo que no se ve es lo más realista. Muestra los bajos fondos de la ciudad, que puede ser cualquier gran ciudad occidental que explota a los que llegan a ella para lograr una vida mejor.  El punto de arranque desencadena una serie intrincada de eventos que analizan el problema de la migración en España, a la par que desarrolla, de manera poética cómo un hombre se va desvaneciendo poco a poco de la vida. Un drama desgarrador, estéticamente muy elaborado que romperá el corazón de más de un espectador. Por fortuna, el final ofrece un cierto alivio.

Javier Bardem estuvo nominado por este trabajo al Oscar a mejor actor, y aunque finalmente no se alzó con la estatuilla, sí que podemos decir que se trata de un papel muy trabajado y complejo, a la vez que muy sensible pues se pone en la piel de las personas que lo están pasando muy mal en situaciones francamente complicadas y la historia de la familia Uxbal, es la historia que desgraciadamente viven muchas familias hoy día. En definitiva, Bardem es la película, refleja magníficamente toda la carga de sufrimiento que lleva el personaje. Está magistral.

En Biutiful, las intenciones reivindicativas del cine social conviven con una visión más íntima en la que se reflexiona acerca de cómo la vida cobra sentido en función de la muerte. Cercano a su fallecimiento, el personaje de Uxbal comienza a revestirse de dignidad al darse cuenta de que no tiene sentido luchar contra el destino; lo que realmente importa no es el hecho de irse, sino el modo en el que uno se va. El planteamiento de denuncia social de la película apoya los contenidos más trascendentes y además  incide en el trágico impacto que tienen las decisiones y los actos del protagonista, como los de cualquier individuo, en el mundo que le rodea.

El buen hacer del resto de los actores es otra gran baza de esta interesante fábula moral que merece la pena ser vista. Y como siempre, ya sabéis dónde podéis encontrarla. En la biblioteca DVD PE 3693

RECOLECTURAS – Me llamo Lucy Barton

Hoy os traigo un libro de plena actualidad, Me llamo Lucy Barton de Elizabeth Strout.

Estamos en una habitación de hospital en pleno centro de Manhattan, la madre de Lucy ha ido a visitarla y pasa con ella cinco días con sus cinco noches. Hace muchos años que no se ven, desde que Lucy dejó a su familia en el pueblo de Amgash, Illinois, donde se crió, para trasladarse a Nueva York.

Estos cinco días le servirá a Lucy para repasar su vida. Sobre todo su infancia, una infancia de pobreza y maltrato. En el hospital hablan como nunca antes lo había hecho así con su madre ¡Se siente tan feliz!

A lo largo de las conversaciones que mantiene con su madre y de los recuerdos que Lucy va desgranando, vamos a conocer en profundidad a una persona desvalida, criada en unas circunstancias de extrema pobreza, que como veremos, condicionará su vida futura.

Lucy no sabe nada de cultura popular porque no tenía televisión de pequeña, ¡Hasta los pobres tenían televisión! La pobreza les aísla del resto: “Éramos raros. Nos faltaban amigos y nos sobraban burlas”. El frío y los libros es lo que la salva de un futuro de miseria: se queda hasta tarde en el aula porque está calentita y allí aprovecha para hacer los deberes: “El trabajo se hace sencillamente haciéndolo”. Le encanta leer libros, los libros hacen que se sienta menos sola y desde pequeña tiene claro que va a ser escritora. Y lo consigue con esta historia, SU historia. Como le dice su profesora de escritura creativa: «Sólo tendréis una historia. Escribiréis esa única historia de muchas maneras. No os preocupéis por la historia. Sólo tenéis una”.

Me llamo Lucy Barton y ésta es mi historia.

Una historia de amor. La historia de un hombre atormentado todos los días de su vida por cosas que hizo en la guerra. La historia de una esposa que se quedó a su lado, porque eso es lo que hacían la mayoría de las esposas de esa generación, y cuando va a la habitación de hospital a ver a su hija habla compulsivamente de que el matrimonio de todo el mundo va mal, y ella ni siquiera lo sabe, ni siquiera sabe lo que está haciendo. Es la historia de una madre que quiere a su hija. De una manera imperfecta, porque todos amamos de una manera imperfecta. Es la historia de un hermano que duerme con los cerdos la noche antes de que los lleven al matadero y que lee cuentos para niños, aunque ya tenga 37 años. Es la historia de una hermana insatisfecha con su vida, casada con un hombre egoísta que no le ayuda en casa ni con los niños. Pero también son historias de Nueva York. La de su vecino Jeremy, muerto por el sida cuando la epidemia estaba comenzando y de Molla, su vecina sueca  que sufre una depresión posparto, pero sobre todo es la historia de Lucy, y del amor que siente por su madre, a la que nunca jamás le ha oído decir que la quiere, a pesar de que la quiere, y de que en el fondo se siente orgullosa de ver que ha sido la única de los tres hijos que ha logrado escapar de ese mundo de pobreza al que estaban todos destinados.

Porque Lucy lo logra, aunque para ello tenga que ser implacable: ¡Ésta soy yo, y no pienso ir a donde no soporto ir, y no seguiré en un matrimonio con el que no quiero seguir, y voy a agarrarme y a lanzarme de cabeza a la vida, a ciegas, pero allá voy! No obstante, el peaje es caro y no puede dejar de pensar que, a pesar de tener una familia malsana, sus raíces se han entrelazado y retorcido con firmeza en sus corazones. Quizás por ello toda la tragedia que ha sido, y en muchos aspectos es su vida, nos lo cuenta de una manera bella, sutil, quizás incompatible con los hechos narrados o, tal vez, matizados por el tiempo.

Una historia triste y conmovedora, pero de gran belleza y hondura, que te llega dentro, y hace que te quedes con ella durante un tiempo para degustarla poquito a poco, en pequeñas dosis. Como dice José María Guelbenzu una pequeña obra maestra.

Autora de varias novelas, Elizabeth Strout obtuvo el Premio Pulitzer con Olive Kitteridge. Con esta su última novela, se ha colocado en el nº 1 en la lista de The New York Times.

CINEMA PARADISO – Ciudad de Dios

Se trata de una película basada en hechos reales, una película que es, sobre todo, una crítica social que consigue atrapar la atención sobre la favela más extrema de Rio de Janeiro en Brasil.

“Ciudad de Dios” es una película redonda que reproduce  una mirada personal y fulgurante de uno de los principales problemas de los países en vías de desarrollo: la sobrepoblación y la creación de barriadas adyacentes de  campesinos desamparados ante la inviabilidad del sector primario a pequeña escala en la actualidad.

Afrontar la adaptación, por parte de Braulio Mantovani, de la novela de Paulo Lins no era obra fácil. Y menos si se quería conseguir la misma contundencia y verosimilitud que desprendía la obra literaria. No fue un camino de rosas y esta producción brasileña tuvo dificultades obvias para rodarse en el escenario real donde sucede la historia. Ciudad de Dios, un lugar donde no impera ninguna ley, más allá de la pura supervivencia entre niños con pistolas, tráfico de drogas, pobreza y abandono.

Uno de los principales valores de la película es la alta calidad narrativa, amparada en interesantes técnicas biográficas como la trasposición de flashbacks sucesivos que rompen el esquema lineal y predisponen al espectador a tener presente los diferentes hilos  de la historia en todo momento para poder irlos enlazando.

Todas las actuaciones están dotadas de un realismo atroz, que acercan la película más a un documental, grabado “in situ” que a una composición de estudio.

El gran tema de la película es la venganza, pero cercana a la rebelión interna , como en “La vida es sueño”. Los protagonistas, al igual que Segismundo, han sido encerrados sin tener ninguna culpa en una cárcel común donde no pueden sino vivir envueltos en un sueño para escapar a sus propias miserias.

Este sueño de libertad se trasforma en batallas a campo abierto para imponerse sobre los demás hasta asomarse al inmenso caos, producto sólo de los deseos de venganza que sienten los habitantes ante la realidad injusta.

Otro tema desarrollado es la fugacidad del poder. Ciudad de Dios, se convierte en metáfora en que el dominio se consigue mediante una guerra continua sin reglas en donde hay que comerse  a los demás para no ser comido y estar obligado a tener un ojo en cada esquina.

El protagonista, queriendo seguir los cánones de la violencia como única arma para sobreponerse, intenta varias veces cometer un acto delictivo, pero retrasa el momento de actuar, no por cobardía sino por una conciencia superior de justicia que no le deja traicionar a sus principios. En cambio, el personaje que empieza a matar para vengarse desde pequeño, representa la disolución de los principios morales ante la sed de sangre.

En conclusión, la película nos presenta un mundo siniestro y desamparado donde los habitantes han tenido que enfrentarse directamente a las penalidades de la vida y aprender a sobrevivir sin tener una sociedad que los respalde.

La película está dividida en tres partes bien diferenciadas, no solo en cuanto al argumento, sino también por la forma que adquieren la fotografía y el montaje en cada una de ellas.

En la primera, se siguen las andanzas del trío de jóvenes e inexpertos delincuentes que se dedican a atracar buscando la vida fácil. En este primer tramo se presenta a los dos personajes fundamentales de la trama, Buscapé, un chico que rehúye el crimen y la violencia, y Dadinho, que quiere ser el delincuente más famoso de Río de Janeiro.

Esta parte es la que tiene un estilo visual más sobrio, en tonos ocre, y que  recuerda un poco a la saga de “El padrino”, hablándonos sobre los orígenes del mundo del crimen. Con la muerte del principal miembro del trío, comienza el segundo acto, que al principio tiene una estética plenamente hippy, llena de color, movimiento y “alboroto”, ajustándose perfectamente a la época en que se desarrolla, los años 70, incluso haciendo uso de recursos completamente retro, como dividir la pantalla.

A estas alturas de la película,  Dadinho se ha convertido en Ze, el  pequeño y  despiadado criminal que se apodera de los negocios ajenos matando a diestro y siniestro, mientras que Buscapé deambula de un lado a otro sin un destino concreto. Se aprecia por encima de todo, la sombra y la influencia de Scorsese.

Es además esta parte la más rica de la película, por todos los personajes secundarios que incluye  y porque es la que contiene más relaciones y sentimientos.

Por fin, en el tercer tramo, en donde han ido apareciendo multitud de nuevos personajes, la mayoría definidos con un par de trazos,  se llega al desenlace, que es una guerra abierta entre dos bandas que Buscapé intentará aprovechar para hacer realidad su sueño.

Aquí la manera de rodar alcanza su culmen de velocidad, que ha ido incrementándose durante toda la película, y también se alcanzan las mayores dosis de crudeza, a cada momento más sorprendente, porque los asesinos suelen ser simples niños de incluso 8 o 10 años.

En definitiva, se trata de  una película grandiosa para lo que suele ser el cine modesto de Brasil, perfectamente estructurada en una magnífica adaptación  de una novela con más de 300 personajes, (de los que evidentemente se han suprimido muchos y otros solo se sugieren), contada con una fuerza y una verdad arrolladoras (más de 100 actores no profesionales) y con un estilo visual moderno y atractivo.

Una pequeña joya del cine contemporáneo no-americano que aunque bebe de muchas fuentes mantiene siempre una personalidad propia. Y lo mejor de todo como siempre es que podéis encontrarla en la biblioteca DVD PE 2968.

 

RECOLECTURAS – La hondonada

Hoy en nuestra sección dos mundos antagónicos, la India y Estados Unidos, de la mano de dos hermanos, tan distintos como estos países, y sin embargo tan unidos.

Los hermanos Subhash y Udayan viven en un humilde barrio de Calcuta donde, durante la temporada de lluvias, un lecho seco entre dos lagunas se transforma en un gran espejo de agua. Allí, en la hondonada, transcurre su infancia, jugando al fútbol o nadando, a merced de la naturaleza. Pero la hondonada es algo más que un pedazo de tierra. Es el vacío en el corazón de los hermanos cuando empiezan a crecer y sus caminos se separan de forma inexorable, uno en la India y el otro en Rhode Island. Años después, cuando la tragedia irrumpe en sus vidas, Subhash regresa a su país con la esperanza de recomponer una familia desgarrada a consecuencia de los actos de Udayan, que afectarán a los destinos de su joven esposa, de sus padres y de su hermano mayor.

En La hondonada nos adentramos en dos mundos totalmente opuestos de la mano de estos dos hermanos. Subhash, el mayor, es prudente, responsable, tranquilo. Sus momentos favoritos son cuando está solo, o se siente solo. Siempre hace lo que los demás esperan de él. Udayan en cambio es impulsivo, visceral, pro-activo, valiente, inmune a las inhibiciones. Lucha por los ideales que cree que son justos, aunque ello suponga poner en riesgo su vida. Pese a sus diferencias los confunden continuamente , sus voces son prácticamente indistinguibles. La piel idéntica, facciones angulosas, cabello ondulado…, casi la misma constitución que los hace vestir con la misma ropa. Los dos iguales de brillantes en los estudios. Udayan, aún siendo el menor de los dos, siempre ejerce  como hermano mayor, sintiéndose responsable de Subhash y ejerciendo como su mentor, animándole a que se implique en los ideales por los que lucha, aunque pronto descubre que es una batalla perdida.

En 1967, a raíz de unos sucesos ocurridos en Naxalbari (pueblo del distrito de Darjeeling), cuando dan una paliza  a un campesino, y la policía se niega a intervenir, se crea el Movimiento Naxalita. Varios grupos de aparceros empezaron a protestar contra los terratenientes que los explotaban, bajo un sistema feudal que apenas había cambiado. Dos comunistas bengalíes, Charu Majumdar y Kanu Sanyal, disidentes del partido comunista indio PCI(M) les ayudaron a organizar las protestas. Pronto las mismas se extendieron por toda la India, contando con el apoyo de miles de estudiantes que se trasladan a las zonas de conflicto para apoyarlos y ayudarlos. Uno de esos estudiantes es Udayan, que siente que su responsabilidad es quedarse en la India y unirse al partido que crean Charu Majumdar y Kanu Sanyal, el Partido Comunista de la India, Marxista-Lenilista PCI(ML), más cercano a las doctrinas de Mao Tse-tung. Subhash, sin embargo, decide marcharse a Rhode Island y continuar con sus estudios: «En ese nuevo y enorme país parecía que ya no hubiera sitio para lo viejo. No había nada que conectara lo nuevo y lo antiguo; él era la única conexión. Allí la vida ya no le ponía obstáculos ni lo agredía. Era un lugar donde los seres humanos no estaban siempre empujando, corriendo como si huyeran de las llamas de un incendio». Udayan, no intenta retenerle ni convencerle, pero siempre se siente un poco traicionado y abandonado por su otra mitad.  Estos hechos y la distancia que los separa hace que se distancien, pero ellos están unidos por un  lazo mucho más fuerte que la política y los kilómetros, la sangre.

A raíz de la marcha de Subhash, la novela va dando saltos de Rhode Island a la India. Vamos viendo la evolución de los hermanos en esos dos países tan diferentes (la miseria y pobreza de la India, su idiosincrasia familiar y cultural, frente a la modernidad de los Estados Unidos). De la mano de Subhash vemos cómo se adapta un inmigrante indio a un país tan ajeno culturalmente a sus raíces, cómo se relaciona con las personas de su entorno, en el ámbito académico. De la mano de Udayan asistimos a la evolución del Movimiento Naxalita desde dentro: reuniones clandestinas, pintadas de madrugadas, asesinatos…El Movimiento Naxalita sigue vigente en la actualidad y  está catalogado como terrorista por el gobierno indio.

Tenía muchísimas ganas de volver a leer a Jhumpa Lahiri. Su anterior libro, Tierra desacostumbrada (considerado mejor libro de 2008 por The New York Times), me dejó una buenísima impresión. A mí los libros que despiertan tanto entusiasmo me llaman mucho la atención y, tengo que descubrir por mí misma, qué es lo que concilia a dos sectores que no siempre van unidos: crítica y público. Después de leer Tierra entendí el por qué de dicho entusiasmo. La prosa de Jhumpa es sutil y bella, pero al mismo tiempo triste y melancólica, quizás por los temas que trata. Suele hablar de inmigrantes indios en Estados Unidos, con el choque cultural que esto implica, abocándolos a un inevitable conflicto de identidad. No obstante,  sabe de lo que habla. De padres bengalíes, nació en Londres pero se crio en Rhode Island (Estados Unidos). Lahiri sorprendió a todos cuando en el año 2000 consiguió el Premio Pulitzer con su primer libro, Intérprete de emociones, hecho insólito que alguien irrumpa con esa fuerza en el mercado editorial. Con éste, su último libro, fue finalista de los premios Booker y National Book Award.

Después de leer el libro, tengo que decir que me ha gustado mucho y que he aprendido mucho (algo importante para mí, que además de entretener me enseñen). Sin embargo, debo decir que Tierra desacostumbrada me gustó más. Tal vez por la sorpresa, no sabía qué me iba a encontrar y resultó que me encontré con uno de los libros más delicados y bellos que he leído. Pero esto no desmerece el libro que hoy recomendamos. Como sabéis, siempre recomiendo cosas buenas (buenas según mi criterio, la lectura es algo muy subjetivo). Si os animáis ya sabéis, lo tenéis aquí en tu biblioteca, y también su anterior novela Tierra desacostumbrada. Dos buenos libros para estas fechas que se aproximan.  

CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

Bajo la apariencia de un melodrama sencillo, la película que reseño hoy, “Slumdog Millionaire”, del año 2008, esconde una conmovedora y emocionante historia con cierto aire a Dickens y decorada al más puro estilo Bollywood. Sin embargo, bajo esa apariencia  convencional encontramos una película impresionante, con una narración ágil y vibrante. Las aventuras, o mejor desventuras de un joven desgraciado que está a punto de lograr el máximo premio de un conocido concurso de televisión consiguen contagiar una buena dosis de optimismo.

Su director, Danny Boyle ha planteado en esta película una historia de amor imposible, con momentos muy tristes de la vida en los arrabales del fascinante Mumbai, pero con la enorme virtud de contarla de una manera espléndida. Sin caer en un simple estereotipo del reflejo de la pobreza para conmover al espectador, ni en una falsa glorificación de la miseria, sino con el enorme acierto de narrar la historia con profunda humildad, aproximándose al realismo y huyendo de efectos moralizantes y doctrinas.

Resulta curioso que haya sido un británico el que haya logrado mostrar mejor y engrandecer un relato propio de Bollywood, aunque sin abusar de sus esquemas convencionales (a excepción del espléndido número musical de los créditos finales), y lo consiga con tanta relevancia. Hay que recordar que, poco a poco, con un presupuesto ajustado ha ido cautivando a crítica y público, así como acaparando múltiples premios, no obstante, se convirtió en el título revelación de la temporada y todo un fenómeno que arrasó en sus estrenos.

La clave de su éxito radica en su sencillez y sobre todo en la forma en  que se  narra. El guión de Simon Beaufoy está milimétricamente diseñado y Danny Boyle ha sabido extraer el máximo partido de la historia de Jamal Malik.

A través del metraje vamos conociendo a Jamal , junto a su experiencia vital, y todo ello nos va a hacer comprender su inesperado éxito en el concurso de televisión en el que participa. A través de  flashbacks cargados  de ritmo y emoción, descubrimos su pasado como niño huérfano, ingenioso y pícaro, que subsiste junto a su hermano y la fascinante muchacha Latika en las calles de Mumbai y todos los peligros de la dura vida en la miseria.

Todos estos episodios conforman la columna vertebral del filme, donde vemos como Jamal, que nunca se queja de su asquerosa existencia, no cree en el destino escrito y demuestra como él mismo se lo ha ido configurando, a base de dosis de bondad, amor y positivismo. Y, en los últimos minutos de la película, en su mensaje final, transmite la esperanza de que el futuro siempre puede ser mejor, de que el amor verdadero siempre triunfa.

Este relato, aderezado con elementos al más puro estilo Dickens (niños desgraciados en peligro, villanos crueles que los persiguen, …) está planteado sin fisuras, lleno de dinamismo, como un juego del pasado y del presente, y con los momentos justos de humor, romance y drama. Y lo más importante es que contagia emoción, pero con situaciones que no buscan la lágrima fácil y sin embargo sí que consiguen gran empatía con su protagonista. Todo ello producto de un guión inteligente y hábilmente estructurado por Simon Beaufoy y del que su realizador ha sabido sacar el máximo provecho (como ya hicieran ambos trabajando juntos en ‘Full Monty’).

No obstante y a pesar de todo lo dicho, “Slumdog Millionaire” no es una película perfecta. Se le pueden achacar ciertas carencias y en su último tercio, a medida que los episodios de su protagonista se aproximan al presente, pierde fuerza y podemos decir que quizás peque de blanda en su resolución. Sin embargo, la vida del joven desgraciado que encuentra de golpe y por azar, la suerte que no ha tenido ya ha cautivado al espectador y tan sólo se desprende el deseo de conocer la resolución del concurso y de la historia de amor de Jamal. Sus detractores señalan que resulta artificiosa, poco creíble y efectista, pero no se puede negar que Boyle creía en la historia, que puso lo mejor de sí, y sin duda alguna desprende esa mágica sensación de las buenas películas, de las que gustan y hacen sentir, muy por encima de sus defectos.

No en vano se alzó con nada menos que 8 Premios de la Academia entre ellos Mejor Película y Mejor Director, 4 Globos de Oro, 7 Premios Bafta, etc. El gran mérito de Boyle es que consigue contar con ingenio y cautivadora emoción un relato intenso, apoyado en una fotografía sublime de colores saturados y una banda sonora exótica y acertada, además de unos actores de rostros desconocidos a los que saca magníficas  interpretaciones (destacando Dev Patel). “Slumdog Millionaire” conmueve, entretiene y al final te deja una sonrisa. Eso, en el cine de hoy en día, es mucho. Así es que sólo nos queda disfrutar de ella y como siempre, la podéis encontrar en nuestra  biblioteca DVD PE 4073

 

CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

Esta semana le toca el turno a un clásico tanto del cine como de la literatura. Se trata de “Las uvas de la ira”, novela escrita por John Steinbeck en 1939 y distinguida con el premio Pulitzer en 1940 y que narra de una manera magistral los fallos del sistema capitalista, que en su evolución acaba con un funcionamiento enfermo que produjo una corriente migratoria digna de estudio.

Narra la odisea que tuvo que pasar la familia Joad como consecuencia de la gran depresión. Relata la parte humana de esta gran depresión. La cantidad de gente que se quedó sin trabajo, que se quedó sin hogar, que tuvo que viajar engañada por la falsa concepción del sueño americano y de la maravillosa California.

La película es una adaptación bastante fiel de la novela y hecha con muchísimo acierto. No en vano, su director es John Ford que es el director más galardonado en la historia de los Premios Oscar, que si bien hoy día han perdido prestigio, siguen siendo los premios de la academia y han sabido reconocer una buena película.

John Ford es especialmente conocido por sus westerns como “La diligencia” o “Quien mató a Liberty Balance”, sin duda un gran maestro del género, pero el listado de películas que dirigió es inacabable y entre ellas, a parte de los westerns destacan “Un hombre tranquilo”, “Qué verde era mi valle” y “Las uvas de la ira”. Por las tres películas se llevó el Oscar al mejor director, por tanto, creo que podemos decir que John Ford es uno de los mejores directores de la historia.

Igual que la novela retrata a las miles de familias anónimas que los años han dejado en el olvido como los Joad que después de que el banco se apropiara de su tierra, deciden ir a coger fruta a California. Vemos como verdaderamente lo único que se pierde es la esperanza. La lucha constante de una familia que a duras penas puede comer todos los días pero que sin embargo está unida. Y en la humanidad que destila cada fotograma rodada como una amarga desbandada, es donde residen las virtudes de la película. Cada escena de la película parece la historia de cualquier fotografía de Dorothea Lange.

El personaje de Tom Joad representa a ese espíritu, a ese fantasma presente en todas las desgracias. El antihéroe que lucha en una pelea perdida de antemano y es encarnado por un magnífico Henry Fonda con una interpretación que pasará a los anales del cine personificando a todo un colectivo.
Jane Darwell interpreta a otro pilar de la familia; a la madre en un sufrido a la par que agradecido personaje que le valió un Oscar. Ambos personajes ofrecen diálogos sinceros y sin tapujos. Otro personaje interesante es Casey, un ex predicador. Un personaje cómico que nos gana el corazón, pero al mismo tiempo muy amargo, magníficamente interpretado por Carradine.

“Las uvas de la ira”· aparte de estar magistralmente dirigida y muy bien interpretada es una de esas películas imprescindibles que por alguna extraña razón difícil de comprender el paso de los años la ha dejado en un escalón por debajo de películas clásicas como “Casablanca” o “Lo que el viento se llevó”, cuando la realidad es que pueden mirarse de tú a tú.

Se trata de una historia desgarradora acentuada por una magnífica fotografía en blanco y negro y una banda sonora y unas interpretaciones memorables. Es recomendable tanto la novela como la película, y lo mejor de todo para poder disfrutarlas, es que las podéis encontrar en nuestra biblioteca. La novela en la sección de narrativa y la película DVD PE 2150

CINEMA PARADISO – Los derechos del niño en el cine

El próximo día 20 de noviembre se celebra el Día Universal del Niño, fecha en la que en el año 1959, la Asamblea general de la ONU aprobó los Derechos del Niño. Esta declaración legalmente no tenía carácter obligatorio, por lo que, no era suficiente para proteger los derechos de la infancia. Tras diez años de negociaciones con instituciones de todo el mundo, por fin se logró acordar el texto final de la Convención de los Derechos del Niño el 20 de noviembre de 1989,  cuyo cumplimiento sería obligatorio para todos aquellos países que la firmasen.

El objetivo de este día es recordar a la ciudadanía que los niños son el colectivo más vulnerable, y por lo tanto, los que más sufren con los problemas del mundo. Este día nos recuerda que todos los niños tienen derecho a la salud, la educación y la protección, independientemente del lugar de la tierra en el que hayan nacido.

Los derechos del niño según la convención se pueden resumir en cuatro principios fundamentales:

• Los niños no deben sufrir discriminación.
• El interés de los niños debe de ser lo más importante cuando se tomen decisiones que le afecten.
• Todos los niños tienen derecho a la supervivencia y al desarrollo, esto incluye el derecho al bienestar mental y físico.
• Los niños tienen que expresar sus puntos de vista, y siempre tienen que tomarse en consideración sus opiniones en los temas que le afectan.

Hoy en día se sigue luchando porque estos principios, que en nuestro “primer mundo” ya consideramos fundamentales, sean considerados de igual modo en cada rincón del mundo.

Por eso quiero recomendar una película que, si bien la he recomendado en otra ocasión, no fue con el mismo sentido que ahora, ya que de una misma película o de un mismo libro, se pueden hacer diversas lecturas dependiendo del punto de vista con que se aborde. 

 Se trata de Oliver Twist, basada en la novela homónima de Charles Dickens, y que ilustra magistralmente el maltrato a la infancia.

La persona más miserable es la que utiliza su posición o su fuerza para aprovecharse de la debilidad o indefensión de otro, especialmente si éste es un niño. Esto es lo que muestra la película, que si bien está ambientada en el siglo XIX, sigue siendo un problema vigente en muchas partes del mundo, y nuestra misión, la de todos, es hacer que esto desaparezca y los niños gocen plenamente de sus derechos en cualquier rincón del planeta. 

 Esta cinta está dirigida por el maestro Roman Polanski que opta por mostrarnos el emotivo relato sin añadirle ningún tipo de artificio. Simplemente deja que la narración se desarrolle con sencillez, evitando que se note demasiado su mano y dejando que los propios contenidos del libro de Dickens se conviertan en los absolutos protagonistas de la película. El espíritu del texto original se mantiene intacto, especialmente en lo referente a denuncia social.

El equipo de realización aporta una gran vistosidad a la cinta, desde el vestuario, maquillaje y decorados al gran número de extras, etc. Es necesario hacer referencia también al reparto, sobre todo a un estupendo Ben Kingsley dando vida a Fagin, el viejo ratero de los suburbios de Londres que adopta niños y los convierte en ladrones para lucrarse.

Nos devuelve el sabor y el olor de lo clásico. Muestra tanto la carga emotiva como la sórdida. Se trata de una película con una magnífica ambientación y con un ritmo que no desmerece en absoluto a la historia.

Podéis encontrarla como siempre en nuestra biblioteca DVD PE 3421