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CINEMA PARADISO – Shame

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Hoy os traigo una producción británica de 2011, Shame, del director Steve McQueen.

Según el  Collins Dictionary, Shame  es un sentimiento incómodo que tienes cuando haces cosas equivocadas o vergonzosas. Este es quizás el sentimiento que tiene nuestro protagonista, inconmensurable Michael Fassbender, en el papel de Brandon, un joven de treinta y tantos obsesionado con el sexo. Veamos la escena inicial, una de las mejores, tal vez la mejor, para que vayáis abriendo boca:

Brandon Sullivan vive y trabaja en Nueva York y, como dijimos anteriormente, es un adicto al sexo. Tiene todo para ser feliz: un buen trabajo, un físico portentoso…, y sin embargo, no lo es. Su obsesión por el sexo le condiciona enormemente, es incapaz de tener relaciones continuadas y de comprometerse. Busca satisfacer este deseo en cualquier momento y lugar, estableciendo encuentros fortuitos en bares, visionando pornografía, contratando prostitutas, a través del onanismo… Su vida gira por, y para el sexo, cualquier mujer puede ser  potencialmente una presa y, gracias a que tiene un físico espectacular, no tiene problema para ello. En este punto me planteo una cuestión: ¿Es el físico un condicionante positivo o negativo para su adicción? Me explico, ¿El ser tan atractivo le facilita su adicción? ¿Sería más sencillo si no lo fuera? Supongo que el adicto es igualmente adicto independientemente de su físico, pero creo que en este caso su físico le ayuda a satisfacer su adicción, igual que un cocainómano con dinero lo tiene más fácil que uno sin. Lejos de disfrutar de su adicción, el sentimiento de culpa lo arrastra a una vorágine sin salida, se encuentra enfrascado en su enfermedad.

El caso es que la vida de Brandon se ve alterada cuando entra en escena su hermana Sissy, interpretada magistralmente por Carey Mulligan, actriz que tuvimos en esta sección  la semana pasada y, que por cierto, nos encanta. Sissy tiene problemas, es emocionalmente inestable, aún más si cabe que su hermano, y la relación entre ellos no es sana. El hecho de que aparezca en escena, y que en cierto modo “tenga que hacerse cargo de ella”, papel que por cierto no le gusta nada, hace que se replantee algunas cosas de su vida, como la posibilidad de mantener una relación más estable con una compañera de trabajo. Una de las escenas que más me gusta de la película es la de Sissy interpretando New York, New York. Aquí la podéis ver.

La relación entre ellos es extraña, con algunas escenas que crean confusión y que incluso te incitan a pensar en relaciones incestuosas. Creo que en su entorno familiar, y en el ambiente en que se criaron, está la clave de sus complejas e inestables personalidades. Personajes atormentados y dolientes.

La película es perturbadora, claustrofóbica, sientes el sufrimiento del protagonista e incluso empatizas con él, yo de hecho empaticé tanto que no me hubiera importado ser la chica del metro, pero para irme con él claro. Bromas a parte, Michael Fassbender, está espectacular; no obstante, por esta interpretación se llevó la Copa Volpi al mejor actor en el Festival de Venecia  y fue nominado en multitud de festivales. Creo que este papel estaba escrito para él, de otro modo la película no funcionaría igual. Para Steve McQueen, Fassbender es su actor fetiche, con el que ya trabajó en Hunger, y posteriormente en 12 años de esclavitud. Mencionar también la magnífica banda sonora a cargo de Harry Escott.

Como habréis notado soy super fan de este actor, al que descubrí hace mucho tiempo ya. Quitando lo que salta a la vista, que es evidente, es un actorazo. Me sorprende su manera de transformarse, de meterse en el personaje. En el biopic de Steve Jobs está que lo borda, y muchos expertos opinan que huele a Oscar, y cierto, este chico se lo merece. En este caso además la réplica se lo da una magnífica actriz, que también está entre mis favoritas.

Chicas, desde aquí os hago un llamamiento, la película es muy buena, pero creedme, sólo por ver a Michael merece la pena, sino mirad esta foto:

Como sabéis, la función de un blog es aportar algo diferente, una mirada distinta. Copiar y pegar de otros blogs no tiene sentido y, si además no citas las fuentes, me parece una falta de respeto para el autor de la entrada que ha invertido su tiempo en ella. Por ese motivo, como no soy experta en cine y quizás mi entrada adolezca de aspectos más técnicos, os invito a que visitéis otros blog, como por ejemplo, la entrada que sobre esta película se hizo en blogdecine.com.

Esta película la tenéis en las tres bibliotecas de Fuengirola, y si os gusta Fassbender tanto como a mí, hay muchas más películas de él Así que ya sabes, pásate por nuestras bibliotecas y disfruta del buen cine.

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Esta semana quiero recomendar un película que es toda una historia de superación personal. La superación de un hombre que fue capaz de enfrentarse al mundo entero como una de las figuras más importantes de su tiempo a pesar del problema de comunicación que tenía. Su exagerada tartamudez.

Película dirigida por Tom Hooper, ganó el premio del público en el Festival de Toronto, recién estrenada. Fue la triunfadora de los Oscar en 2011 alzándose con 4 estatuillas de las más importantes (mejor película, director, actor protagonista y guion original). También ganó el Globo de oro al mejor actor, siete Premios Bafta (entre ellos mejor película), el Goya a la mejor película europea, además del Independet Spirit Award a la mejor película extranjera entre otros galardones.

Fue una de las películas más taquilleras del año 2010 y una de las que más recaudación ha obtenido en todo el mundo en comparación con su presupuesto. Y todo eso podría resultar impensable si tenemos en cuenta que la historia trata solamente de un rey tartamudo y de su peculiar logopeda. Pero “El discurso del rey” no es un retrato exclusivo de ciertas personas en un determinado momento histórico, sino que abarca temas tan generales y poderosos como la frustración y la superación personal, la amistad y el amor, la responsabilidad y el miedo.

Escrito por David Seidler, es un relato que se centra en un miembro de la realeza, bloqueado ante un micrófono, debido en gran parte a la frustración que le provoca su tartamudez. Ese bloqueo lo hemos sentido todos de alguna manera a lo largo de nuestra vida y ahí radica la genialidad del guion, tratar la superación de un conflicto que podemos sentir muy cercano, reforzado con la magnífica interpretación de Colin Firth dando vida a un complicado personaje.

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El guionista se inspiró en su propia vida cuando empezó a elaborar el guion de “El discurso del rey”. Sufrió tartamudez hasta su adolescencia y oyó en directo los discursos de Jorge VI, impactándole sobremanera. Ya de adulto pidió permiso a la Reina Madre para incluir la vida del monarca y de ese episodio concretamente en un guion, pero la viuda le contestó que esperara hasta su muerte, pues no deseaba reavivar sus recuerdos.

También se dice que Colin Firth tuvo que lidiar en su juventud con un nódulo en las cuerdas vocales, sufriendo durante un tiempo la impotencia de quien es tomado por un torpe al no poder expresarse como los demás. Estas experiencias son importantes y es seguro que se reflejan en el resultado final en la pantalla.

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La impecable labor de producción hace que  nos traslademos a la Inglaterra de los años 20 y 30 para asistir al drama del rey Jorge VI, que debe superar su tartamudez para poder dirigirse a su pueblo, para poder comunicarse con unas gentes que necesitaban desesperadamente un líder en un momento crucial, tras la declaración de guerra a la Alemania de Hitler. Como Duque de York que era, había llegado a tolerar la ansiedad que le provocaban los actos públicos amparado por las atenciones de su esposa (interpretada por Helena Bonham Carter), consciente de que su hermano mayor heredaría el trono de su padre Jorge V. Sin embargo la irresponsabilidad de Eduardo, envuelto en un escándalo por su relación con una estadounidense divorciada, le obliga a abdicar, cediendo la corona a su acomplejado hermano Jorge. Éste, necesitado de una voz que se resiste a salir, y guiado por su esposa, deposita su confianza en los inusuales métodos de Lionel (Geoffrey Rush), un australiano aficionado a interpretación y que demuestra mayor competencia  que los médicos de la nobleza en los problemas del habla.

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La interpretación de Colin Firth es portentosa en esta película, pero se apoya en la no menos magistral de Rush encarnando a Lionel Logue. Es con ellos que la película alcanza sus mejores momentos. Los eventos asociados a la pesada responsabilidad que debe asumir “Bertie” (como insiste en llamarle Lionel) es la excusa que hace avanzar la trama, si bien lo más interesante es la relación que se establece entre estos dos hombres de origen y carácter tan diferentes. La diferencia de clases, los complejos del británico y el desparpajo del australiano complican el acercamiento, pero poco a poco se asienta la confianza y el respeto, llegando a una amistad que, tal como nos aclaran en los créditos finales, se mantuvo firme con el paso del tiempo. Es curioso que solo se hable de cómo Jorge VI logró recuperar su voz (no del todo, pero lo suficiente para superar sus inmediatas obligaciones), cuando también Lionel experimenta una evolución interior a lo largo de la película, debiendo luchar contra los prejuicios ajenos y sus propias flaquezas, para poder ayudar al monarca.

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Resulta patente la solidez sobre la que se ha construido la película. Con un cuidado diseño, escrita con una mezcla de complejidad y sencillez que caracteriza a sus personajes, interpretada por formidables actores y con una música excelente de Alexandre Desplat,  la película cuenta con todos los atractivos para conquistar al público como así lo hizo en su día.

La podéis encontrar en la biblioteca, como siempre, DVD PE 3989

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

UN FUNERAL DE MUERTE

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Me voy de vacaciones y quiero despedirme con un poco de humor. Por eso he elegido para la reseña de esta semana una película del director inglés Frank Oz, del año 2007, enmarcada dentro del género de la comedia negra y que destila humor, humor inglés por los cuatro costados. He de confesar que es quizás la película con la que más me he reído. Te hace sonreír de principio a fin sorprendiéndote con alguna que otra carcajada ante lo absurdo de ciertas situaciones;  y nada mejor para el verano y las vacaciones. No es una obra maestra pero sí una delicia.

En esta vida hacer llorar es fácil, lo verdaderamente difícil es hacer reír y eso está solo al alcance de muy pocos. En esta película se logra, y se logra gracias a un guion golfo, desenfadado, muy al modo inglés, con un humor negro que inunda la pantalla. La muerte es lo de menos. Lo de más es estar vivo y tener múltiples problemas, desde el padre dictador de la hija madura al hermano pasado y vividor preocupado por una mancha en la muñeca y que ve como sinónimo de muerte. En este funeral la muerte es lo de menos. Lo que importa son los vivos, los que se quedan aquí afrontando sus problemas.

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Es una película coral en la que cada personaje tiene su parte importante en el todo y eso es un acierto a mi modo de ver.

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Romance, celos, parientes políticos, drogas psicodélicas, recelos familiares, secretos comprometedores y un insólito chantaje, transforman el digno ritual de despedida de un venerable padre de familia británico en el más completo caos con situaciones de lo más disparatadas.

Con un elenco que reúne a la flor y nata de la comedia británica, el film, ganador de los premios del público de los Festivales de Locarno, de Aspen y U.S. Arts Comedy,  indaga con traviesa curiosidad en lo que sucede cuando una familia típicamente dividida se ve obligada a reunirse, y sale a la luz todo lo que se había ocultado hasta ese momento.

En la mañana del entierro del patriarca, los familiares y allegados del difunto llegan a la ceremonia cargados con sus propias preocupaciones. Daniel (Matthew Macfadyen), uno de los hijos, sabe que tendrá que enfrentarse con su insoportable hermano, el famoso novelista Robert (Rupert Graves), recién llegado de Nueva York. Sin olvidar las promesas que le ha hecho a su mujer, Jane (Keely Hawes), de empezar una nueva vida.

Mientras tanto, Martha (Daisy Donovan), la prima de Daniel y su nuevo y muy formal novio, Simon (Alan Tudyk), están desesperados por caerle bien al altivo padre de ella. Pero el plan que se descalabra porque accidentalmente, camino al funeral, Simon toma una droga de diseño que lo transforma en un loco que experimenta rachas incontrolables de delirio y desnudez, frente a sus potenciales suegros.

Pero lo peor sucederá cuando aparezca un misterioso invitado (Peter Dinklage) quien amenaza con revelar un trascendental secreto familiar.

Joyeuses funerailles Death at a funeral 2007 Real : Frank Oz Peter Dinklage COLLECTION CHRISTOPHEL

El descontrol y los incidentes desgraciados se suceden, mientras que los dos hermanos tratan de evitar que la familia y los amigos se enteren del secreto, e intentan encontrar una fórmula que les permita, no sólo enterrar a su amado padre, sino también, con él, al secreto que tan celosamente guardó.

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Con un humor ácido como no es habitual ver en la gran pantalla, “Un funeral de muerte” es una comedia de equivocaciones, en donde ni el sacerdote encargado de la ceremonia se salva de cometer alguna que otra aberración.

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“Un funeral de muerte” es una apología en contra de la normalidad, de la formalidad, de las apariencias etc. cuando son utilizadas de forma inútil. Aquí son totalmente pervertidas con oscuros secretos, dobles vidas y caracteres desconocidos.

Dentro de todo este humor negro Oz reflexiona sobre los convencionalismos, el poder de las apariencias y su inutilidad, los prejuicios y cómo la defensa de lo supuestamente correcto es absurda, sobre todo cuando por su protección se acaban haciendo auténticas burradas bastante más censurables. Ideas básicas muy bien tratadas y desarrolladas que permiten pasar un rato tremendamente divertido.

Si buscas una comedia actual, con esta seguro pasarás un buen rato. Si no te ríes en algún momento seguramente tendrás una depresión grave…

En resumen, hilarante y desternillante. Una buena propuesta para una estupenda noche de verano. Y lo mejor de todo, como siempre es que podéis encontrarla en nuestras bibliotecas DVD PE 3588 (Biblioteca Miguel de Cervantes), DVD PE 689, 1637 (Biblioteca Lope de Vega), DVD PE 2996 (Biblioteca Francisco de Quevedo).

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CINEMA PARADISO – Los derechos del niño en el cine

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El próximo día 20 de noviembre se celebra el Día Universal del Niño, fecha en la que en el año 1959, la Asamblea general de la ONU aprobó los Derechos del Niño. Esta declaración legalmente no tenía carácter obligatorio, por lo que, no era suficiente para proteger los derechos de la infancia. Tras diez años de negociaciones con instituciones de todo el mundo, por fin se logró acordar el texto final de la Convención de los Derechos del Niño el 20 de noviembre de 1989,  cuyo cumplimiento sería obligatorio para todos aquellos países que la firmasen.

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El objetivo de este día es recordar a la ciudadanía que los niños son el colectivo más vulnerable, y por lo tanto, los que más sufren con los problemas del mundo. Este día nos recuerda que todos los niños tienen derecho a la salud, la educación y la protección, independientemente del lugar de la tierra en el que hayan nacido.

Los derechos del niño según la convención se pueden resumir en cuatro principios fundamentales:

  • Los niños no deben sufrir discriminación.
  • El interés de los niños debe de ser lo más importante cuando se tomen decisiones que le afecten.
  • Todos los niños tienen derecho a la supervivencia y al desarrollo, esto incluye el derecho al bienestar mental y físico.
  • Los niños tienen que expresar sus puntos de vista, y siempre tienen que tomarse en consideración sus opiniones en los temas que le afectan.

Hoy en día se sigue luchando porque estos principios, que en nuestro “primer mundo” ya consideramos fundamentales, sean considerados de igual modo en cada rincón del mundo.

Por eso quiero recomendar una película que, si bien la he recomendado en otra ocasión, no fue con el mismo sentido que ahora, ya que de una misma película o de un mismo libro, se pueden hacer diversas lecturas dependiendo del punto de vista con que se aborde. 

 Se trata de Oliver Twist, basada en la novela homónima de Charles Dickens, y que ilustra magistralmente el maltrato a la infancia.

La persona más miserable es la que utiliza su posición o su fuerza para aprovecharse de la debilidad o indefensión de otro, especialmente si éste es un niño. Esto es lo que muestra la película, que si bien está ambientada en el siglo XIX, sigue siendo un problema vigente en muchas partes del mundo, y nuestra misión, la de todos, es hacer que esto desaparezca y los niños gocen plenamente de sus derechos en cualquier rincón del planeta. 

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 Esta cinta está dirigida por el maestro Roman Polanski que opta por mostrarnos el emotivo relato sin añadirle ningún tipo de artificio. Simplemente deja que la narración se desarrolle con sencillez, evitando que se note demasiado su mano y dejando que los propios contenidos del libro de Dickens se conviertan en los absolutos protagonistas de la película. El espíritu del texto original se mantiene intacto, especialmente en lo referente a denuncia social.

El equipo de realización aporta una gran vistosidad a la cinta, desde el vestuario, maquillaje y decorados al gran número de extras, etc. Es necesario hacer referencia también al reparto, sobre todo a un estupendo Ben Kingsley dando vida a Fagin, el viejo ratero de los suburbios de Londres que adopta niños y los convierte en ladrones para lucrarse.

Nos devuelve el sabor y el olor de lo clásico. Muestra tanto la carga emotiva como la sórdida. Se trata de una película con una magnífica ambientación y con un ritmo que no desmerece en absoluto a la historia.

Podéis encontrarla como siempre en nuestra biblioteca DVD PE 3421 Sigue leyendo

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