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RECOLECTURAS – Oculto sendero

«A todos los que equivocaron su camino… y aún está a tiempo de rectificar»

Hoy en nuestra sección una novela inédita de Elena Fortún. la creadora de Celia (probablemente el personaje infantil más importante de la literatura en español): Oculto sendero.

Narrada en primera persona, en esta novela de carácter autobiográfico vamos a acompañar a su protagonista, María Luisa  Arroyo, desde la infancia hasta la edad adulta. María Luisa no es una niña «normal». No le gusta vestir como las demás niñas ni ponerse lazos en el pelo, las conversaciones de chicas le aburren y tampoco le gusta jugar con muñecas. Es como se dice despectivamente un «marimacho», y el hecho de ser un «chicazo» e «instruida» la aísla del resto de niñas de su edad. Este aislamiento e incomprensión, hace que crezca en un ambiente de soledad y opresivo, en el que tampoco encuentra apoyo en su madre, una mujer asfixiante y deprimida, la cual opina que a una hija hay que educarla como Dios manda (en los roles de género tradicionales) y «era justamente lo que Dios mandaba lo que yo no quería hacer».

La gran sensualidad de la pequeña se hace patente en su apreciación de la belleza, provenga ésta de la contemplación de un árbol, del mar o de las mujeres (desde muy pequeña siente fascinación por la belleza femenina). Ante la belleza reacciona físicamente, en el polo opuesto, ya desde la infancia, la sexualidad masculina se retrata como cruel e insensible, cuyo único fin es satisfacer las necesidades masculinas. «Los hombres siempre vieron en mí un ser extraño, poco femenino, al que gustaban de humillar como si sospecharan en mí cierta rivalidad ridícula…» No es de extrañar, por tanto, que a lo largo del libro la narradora haga defensa de la castidad.

Oculto sendero está dividido en tres partes tituladas Primavera, Verano y Otoño. Primavera se ocupa del comienzo de la vida, la niñez de la protagonista. Verano cubre su juventud, fugaz y jalonada por predecibles ritos de paso: el cortejo, el noviazgo, el matrimonio, la maternidad y la muerte de la madre que marca el comienzo del otoño, época de la madurez y de la consolidación de la experiencia y conocimiento. En Otoño, se llega al presente de la concienciación desde el que María Luisa Arroyo podrá narrarse. No hay una cuarta que se titule Invierno. Fin de otoño. Octubre, Noviembre y Diciembre son los títulos de los tres capítulos finales.

Son muchas las amigas y mujeres que desfilan por Oculto sendero influyendo a la narradora y sirviéndolo de pretexto para adentrarse en le terreno de la identidad sexual: Dulce Nombre, la prima mayor de la que ella se enamora; Consuelo, la cuñada por la que se siente atraída y cuyo apego hace que descuide a su hija María José; la poetisa Julieta, que le hablará de la existencia del «oculto sendero» del título; las ancianas y vivarachas solteronas tía Teresa y tía Manuelita, figuras maternales con las que empatiza más que con su propia madre; Florinda, su primera amante; Lolín, Rosita y Fermina, lesbianas y modernas, reflejo de ella misma y sus apetitos, y que le acercarán a un mundo hasta entonces desconocido.

En contraposición, su relación con los hombres resulta decepcionante. Se casa con Jorge Medina -su profesor de pintura de cuando era niña- pensando que en él encontraría un alma gemela. La realidad es otra bien distinta, es un ser mediocre que no soporta los éxitos de María Luisa como artista y que piensa que la mujer solo sirve para estar en casa y satisfacer las necesidades del marido: «El hogar y la maternidad llena los principales años de vuestra vida y no hay lugar para estudios lentos y concienzudos, que os apartarían de vuestra naturaleza femenina».

Oculto sendero es una particular novela de aprendizaje, cuyo principal interés radica en su tratamiento de la identidad sexual y genérica, y en retratar la situación de la mujer creadora en las primeras décadas del siglo XX -los años de las «modernas» o «las garzonas»- y su problemática relación con el otro masculino que corta o dificulta su autoría y emancipación (la relación de María Luisa con Jorge, su marido).

Es una novela en la que se narra un doloroso proceso de concienciación que culmina con la aceptación de vivir recorriendo un oculto sendero. Ella no se identifica con esa sociedad «normal» que «no tiene otro fin más que reproducirse» en una cadena infinita de «honradas casas, llenas de lujuria, de lloros de chicos y olor de pañales..»; sin embargo, como ella misma dice: «Era una mujer como todas, aún más mujer que ninguna, porque todos los atributos femeninos de resignación, afectación, falsedad, dulzura y mansedumbre superaban en mí a los de otras mujeres».

Una magnífica novela que nos invita a reflexionar y que la autora no quiso publicar, quizás por la temática tan peliaguda: cómo ser mujer y, además lesbiana, a principios del siglo XX (la novela transcurre antes de la guerra civil), y que gracias a la labor de investigación de Marisol Dorao, tenemos la fortuna de recuperar.

A pesar de la profundidad del tema tratado, la novela tiene también mucho humorismo, sobre todo durante la infancia de María Luisa, con una escritura al más puro estilo Fortún, hecha de diálogos plenos de viveza teatral y capítulos no muy extensos. Yo no leí los libros de Celia, pero sí vi la adaptación que  hizo televisión española con la serie dirigida y producida por José Luis Borau, con guion de Carmen Martín Gaite, allá por los 9o; y he de decir que en María Luisa niña, he visto mucho de Celia; no es de extrañar, Celia tiene mucho de Elena Fortún, y por consiguiente, María Luisa también.

Encarnación Aragoneses Urquijo (1886-1952), más conocida como Elena Fortún, (nombre que cogió de un personaje de una novela de su marido), es sobre todo conocida por su serie de libros de Celia, clave en la literatura infantil del siglo XX. Además de Celia, su personaje más popular, creó otros personajes como Cuchifritín y Matonkiki, también protagonistas de ciclos novelísticos, y otros como Mila, Roenueces, el Mago Pirulo, el Profesor Bismuto, Lita y Lito y La Madrina. Elena Fortún comprendía como nadie hasta el momento la psicología infantil y se granjeó la simpatía de la infancia, que se podían identificar fácilmente con sus personajes rebeldes y reconocibles en la calle. En la biblioteca, además de esta magnífica novela, también podéis encontrar Celia en la revolución, un volumen asombroso sobre la guerra española que no vio la luz hasta los 80, gracias a la Editorial Renacimiento.

Para saber más: https://elpais.com/cultura/2017/01/27/actualidad/1485534991_128796.html

(Fuente: Algunos datos han sido extraídos del magnífico prólogo del libro de Nuria Capdevila-Argüelles)

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CINEMA PARADISO – Carol

Película basada en la novela homónima de la gran Patricia Highsmith,  con 6 nominaciones a los Oscar, actriz principal, actriz secundaria, guion adaptado, fotografía, banda sonora y vestuario, todas ellas muy merecidas. Muy aclamada en Cannes, sin embargo no le fue igual de bien en los Bafta.

Bajo mi punto de vista “Carol” es una buena película, de esas películas atemporales que están por encima de cualquier galardón mutado en algo decorativo, la mayoría de las veces, como la historia ha demostrado sobradamente, con valor nulo más allá del populismo. Se trata de una  película que tiene un poco de todo.

En ella se pone de manifiesto el amor de su director por el cine clásico. Carol es una declaración de amor a un cine de otra época pero desde una perspectiva actual que intenta recuperar un cine de antes pero con la visión de hoy.

Es una película minuciosa hasta el último detalle, incluso su director se permite bajar la calidad de 35 milímetros a 16 para conseguir un efecto más de los años 50. Todd Haynes prefiere priorizar lo sutil sobre lo evidente, de ahí su mimo desde el acabado de la película, la  composición de los planos, hasta el vestuario, la fotografía u otros aspectos  técnicos. Por eso cuesta mucho encontrar el más mínimo defecto a “Carol”, ya que no solamente sirve para realzar la delicadeza del relato, sino que también dota a la película de una belleza visual indiscutible.

Ya desde la primera escena muestra la enorme elegancia de Haynes, cuando partiendo de una alcantarilla hace un largo e intenso plano de travelling descriptivo, siguiendo a un personaje que entra en un local en el que se encuentran las protagonistas de la historia, haciendo así un símil con la oscuridad de la homosexualidad en la época en la que dicho comportamiento era casi peligroso.

La historia de amor las cambia a ambas; son muy diferentes desde su primer encuentro en una tienda de juguetes al último en el restaurante. Si al inicio dela película Therese cree ver a Carol y ello desencadena el flashback, en el último tramo es Carol quien ve a Therese a través de la ventanilla de un coche; más tarde en la mesa en la que las vemos por primera vez le soltará un contundente y sincero “te amo”.

El peso del paso del tiempo entre dos personas enamoradas y distanciadas también se hace evidente en ésta cinta. No sólo se dan cuenta de que las dos han mejorado como personas durante el tiempo que han estado separadas sino que también ambas salen fortalecidas.

El final es igual que el de la novela, pero con los recursos del cine, alcanza niveles mucho mayores. Haynes corta en el momento adecuado, les ha concedido el mejor instante de sus vidas, aquel en el que todas las cartas se han puesto sobre la mesa. No es necesario que veamos lo que ocurre porque todos ya lo conocemos, sea bueno o malo, hayan vivido la mejor de las vidas o no, eso sólo les corresponde a ellas. La mirada final entre las dos, con un sencillo plano y un leve movimiento de cámara, eleva emocionalmente el instante y lo dice absolutamente todo.

En definitiva, “Carol” es un perfecto ejemplo de belleza audiovisual. Altamente recomendable.

Y como siempre, no tienes más que pasar por la biblioteca y llevártela a casa. DVD PE 4461

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CINEMA PARADISO – El amor es extraño

Hoy quiero recomendar una película sobre el amor, porque no hay nada más grande en el mundo que el amor, cualquier tipo de amor. El amor de hecho es uno de los  temas más recurrentes en el cine. Amores pasionales, amores letales, amores sinceros, etc. La lista es muy larga.

En la película que recomiendo hoy, “El amor es extraño”, su director, Ira Sachs, en un arrebato de sinceridad absoluta, define de manera inmejorable  este sentimiento. Narra una historia sencilla pero muy bien escrita sobre los prejuicios que existen aún hoy día, en el siglo XXI acerca del matrimonio entre personas del mismo sexo. Se trata de dos hombres ya maduros que se enfrentan a una situación muy complicada cuando deciden casarse tras décadas de relación. Inmediatamente a uno de ellos lo despiden de su trabajo y ese es el punto de partida de esta historia.

En muchos casos, al enfrentarnos a una película de amor, un sentimiento de artificialidad e inverosimilitud nos invade, y sin embargo esto no ocurre en esta película. Desde el primer momento se capta la sencillez y la elegancia que quiere transmitir su director con ésta historia llena de ternura. Es una mezcla de drama y comedia  que te encoge el corazón en muchas ocasiones y que te arranca una enorme sonrisa en otras.

La idea que nos quiere transmitir es simple; el amor está por encima de todo, independientemente de quien seas y como seas.

Cuando en 2011 se legaliza en Nueva York el matrimonio homosexual, Ben (John Lithgow) y George (Alfred Molina), que llevan 39 años juntos, deciden casarse. Poco después de la boda despiden a George sin explicación alguna de la escuela católica donde enseñaba música y pierden su piso en Chelsea y se refugian en sus amigos y su familia para poder vivir unos días de forma temporal antes de encontrar algún sitio más barato. Esa situación les lleva a separarse  porque no hay sitio para los dos en ninguno de los pequeños pisos de Nueva York. El verse obligados a vivir en casa ajena, el esfuerzo por ser amables y la preocupación por un futuro incierto son los hilos fundamentales de la película que desemboca en un final que en absoluto defrauda. La historia culmina como las buenas películas, con un final redondo.

La emotividad recae en la actuación de los protagonistas, que jamás caen en excesos, ni en clichés; su relación se percibe auténtica y Sachs logra este efecto al dotar a sus personajes de una humanidad palpable, en la que el destino, las altísimas  rentas de Manhattan o la incertidumbre, son parte del día a día de las parejas comunes y corrientes del siglo XXI.

El amor que refleja esta película, así como su dirección es un fantástico ejercicio de la compenetración, confianza y madurez. Es un amor que se ve en pequeños gestos, en una mirada, sin momentos grandilocuentes que sirve también para mostrarnos el imparable ritmo de vida de la sociedad actual, de la que George y Ben tras mucho tiempo siguiendo su corriente, parecen ahora mantenerse al margen.

Se trata de una de las películas que han logrado conquistarme. Sin duda, uno de sus puntos fuertes es la sensibilidad con la que está construida, y por otro lado, lo sutil de muchas de sus escenas.

Es una película que no pretende impresionar, ideal para un momento en el que tengas ganas de relajarte y ver algo agradable. Y como siempre, ya sabes que la puedes encontrar en la biblioteca. DVD PE 4293

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CINEMA PARADISO – Pride

Pride

Hoy quiero recomendar una película social al más puro estilo del cine británico, ante el que me descubro una vez más. Consigue convertir un guion aparentemente banal, aunque lleno de buenas intenciones, en una película desbordante de calor humano, tan escaso en estos tiempos, verosímil, cercana creíble, socialmente comprometida y llena de alegría por la vida, sazonada además con los mejores valores comunitarios, sin caer en lo manido ni rendirse al panfleto desbocado o partidista.

Los británicos llevan desde mediados de los 90 haciendo divertidas comedias de tema social con buen rollo como “Tocando al viento”, “Full Monty”, “Billy Elliot”, o la más reciente “Phillomena”. Pues bien, el último ejemplo de este cine es “Pride”, dirigida por Mattheu Warchus, la última gran sorpresa del cine británico.

Fue nominada a mejor película en los premios Bafta y triunfó en los  British Independent Film Award. Es una de esas películas que están dando que hablar gracias sobre todo al boca a boca y de hecho está convirtiéndose en una  feel-good.

Trata dos temas sociales bastante controvertidos como son la minería en Inglaterra, durante el mandato de Margaret Thatcher y la homosexualidad, todo ello enmarcado  en la primera mitad de los 80.

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Ya sabemos gracias a la película  “Billy Elliot” que los mineros ingleses no lo pasaron muy bien bajo el mandato de Margaret Thatcher y en “Pride” se nos muestra de nuevo esta lucha a la que se une el movimiento de gays y lesbianas, todos ellos luchando por sus derechos y unas mejores condiciones de vida. Así, se nos traslada al verano de 1984, cuando el Sindicato Nacional de Mineros convoca una dura huelga en un pulso a la primer ministro. Un grupo de gays y lesbianas quiere apoyar la causa y durante la manifestación del Orgullo Gay en Londres recauda fondos para las familias de los mineros.

***SUNDAY CALENDAR SNEAKS STORY FOR SEPTEMBER 7, 2014. DO NOT USE PRIOR TO PUBLICATION********** Nia Gwynne as Gail, Jessica Gunning as Sian, Liz White as Margaret, Menna Trussler as Gwen and Imelda Staunton as Hefina in the movie  PRIDE to be released by CBS Films. Photo credit:  Nicola Dove

El único problema es que el sindicato no acepta el dinero por absurdos prejuicios ante la comunidad gay. Los activistas no se desalientan. Deciden saltarse al sindicato e ir directamente a los mineros. Escogen un pueblecito de Gales al que van en un minibús. Allí, tendrán que enfrentarse a una sociedad bastante conservadora y  algo reticente a recibir su apoyo hasta que descubre que sus luchas no son tan diferentes y que juntos pueden ser más fuertes.

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Basada en hechos reales, “Pride” tiene una primera intención de profundizar en el conflicto político y social de los mineros y los homosexuales en Inglaterra en los 80, algo que pronto se convierte en la excusa perfecta para centrarse  en la idea central de la cinta,  basada en la unión hace la fuerza y la solidaridad por una lucha común: la del derecho a que todo el mundo viva su vida con dignidad y se sienta  orgulloso por ello.

Rodada de forma muy fresca y sin florituras, la película juega todas sus cartas al choque cultural entre los mineros y los urbanitas homosexuales, y gana al saber mostrar la evolución de sus relaciones que van desde el rechazo hasta el apoyo mutuo más absoluto gracias a situaciones divertidas, la ternura de este entendimiento y el pequeño tinte de drama, pero tratado con mucha sensibilidad y humor, que supone encontrarse en una huelga como la que vivieron los mineros ingleses o enfrentarse a la enfermedad del SIDA.

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Para ello, Matthew Warchus consigue reunir a un reparto coral con un encanto único que dan  vida a todos estos personajes aparentemente sencillos y que acaban alimentándose unos a otros a nivel emocional. Así nos encontramos  con grandes veteranos como Bill Nighy, Dominic West o Imelda Staunton, elegantes, perfectos, en definitiva, una delicia. Y un grupo de jóvenes actores británicos impresionantes y carismáticos como George Mackay, al que no hay que perder de vista en próximos trabajos o Faye Marsay, entre otros.

Con el ritmo musical de los 80 de temas de los Pet Shop Boys o Queen, “Pride” comienza y termina con dos canciones emblemáticas del movimiento obrero anglosajón. “Solidarity for ever” (Ralph Chaplin, 1915) interpretada por Pete Seeger y “There is power in a union” (Joe Hill, 1913), por Billy Bragg. En el centro de la trama, en el momento culminante de emotividad desbordante, un coro abrasa los sentidos con su interpretación del “Pan y rosas”. Lleva la voz principal una jovencísima Bronwen Lewis, oriunda de Onllwyn, el poblado minero en Gales donde se sitúa esta historia.

Matthew Warchus no traza  una película redonda si nos ajustamos a los cánones narrativos de lo que tiene que ser una película perfecta, pero eso es lo de menos. Lo más importante y lo que imprime carácter a la película es el buen rollo que transmite gracias a la solidaridad de sus personajes, su profundidad y el saber hacer de su magnífico reparto y todo esto hace se tenga la sensación de  haber visto algo diferente., igual que ocurrió al ver “Billy Elliot” o “Full Monty”.

En definitiva “Pride” es una gran película que emociona y moviliza. Muy recomendable, y como siempre la podéis encontrar en la biblioteca DVD PE 4301

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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La reseña de esta semana es sobre la película “Las ventajas de ser un marginado”. De 2012, no fue hasta febrero de 2013 cuando se estrenó en España. Si bien es una película sobre adolescentes, no lo es al uso. Los protagonistas son adolescentes norteamericanos que tratan de divertirse y superar sus trascendentales conflictos, desde la perspectiva de un chico introvertido y aspirante a escritor.

Es una adaptación de una novela del propio Chbosky, titulada igual que el film. La historia nos lleva hasta 1991 y se centra en Charlie (Logan Lerman), un chaval muy inteligente, con talento y poco sociable, que prefiere observar la vida desde cierta distancia. Tiene sus motivos, algunos los explica él mismo desde el principio, otros los descubriremos más adelante y el más gordo se lo reserva Chbosky para el tramo final. “Las ventajas de ser un marginado” es un cuidado, amable y fresco retrato generacional con estupendas interpretaciones.

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Charlie es el primer papel en el que Lerman demuestra que tiene algo que aportar como actor. Creo que un chico menos popular habría encajado todavía mejor en el papel pero él está muy convincente, se le ve cómodo en el papel y se comporta con mucha naturalidad. No obstante, quien atrapa la película es Ezra Miller, el perturbador adolescente psicópata de ‘Tenemos que hablar de Kevin’ (‘We Need To Talk About Kevin’, Lynne Ramsay, 2011). Con la facilidad de quien está sobrado de talento, aquí da vida a Patrick, un muchacho extrovertido y carismático que junto a su hermanastra Sam ayudan a Charlie a superar su timidez, hacer amigos y pasarlo realmente bien por primera vez. A descubrirse a sí mismo, aceptarse y participar en la vida. “Somos infinitos“, piensa Charlie, feliz, pletórico, mientras escucha su nueva canción favorita en compañía de sus mejores amigos. Y uno no puede evitar el recuerdo de sus propias experiencias…

THE PERKS OF BEING A WALLFLOWER

Patrick animará a Charlie a salir de su aislamiento, pero es Sam, a quien encarna con naturalidad la encantadora Emma Watson, la que alterará en mayor medida al chico, enamorado total e irremediablemente. Pero, como ya he dicho, esto va de superproblemas. La vida no es fácil, y en el cine esto significa incluir algunos obstáculos que complicarán el camino a la meta para el protagonista. Uno de los tramos más inspirados de “Las ventajas de ser un marginado” está dedicado a los esfuerzos de Charlie por aceptar y superar la idea de ver a la chica que le ha robado el corazón en brazos de otro,  que por supuesto es un necio, y que además ni si quiera a ella le gusta especialmente, pero, reflexionando, ambos llegan a la conclusión de que “aceptamos el amor que creemos merecer“.

Hay escenas muy divertidas como la relación de Charlie con su primera novia (Mae Whitman), el simpático profesor de inglés (Paul Rudd), el homenaje a ‘The Rocky Horror Picture Show’ (Jim Sharman, 1975), que aligeran el tono dramático con el que Chbosky siempre coquetea, buscando el equilibrio adecuado en el retrato de estos tres jóvenes amigos confundidos en transición a la madurez. No faltan los convencionalismos del cine sobre adolescentes como la fauna del instituto. La trama y la evolución de los personajes es previsible. Quizás se puede tachar de falta de ingenio transmitiendo el mundo creativo y las experiencias sensoriales de Charlie y se descuida a la familia del chico, sobre todo a los padres que son siempre una poderosa influencia.

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En definitiva, la película resulta agradable y entretenida. Los momentos humorísticos del guion de Chbosky, el placentero tono optimista, la selección musical y el acertado reparto logran que los 100 minutos que dura “Las ventajas de ser un marginado” se pasen volando. Especialmente dirigida a espectadores que ronden la edad de los protagonistas o los que deseen un nostálgico regreso a las turbulencias de la adolescencia. Y como siempre, podéis encontrarla en nuestra biblioteca DVD PE 3999.

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RECOLECTURAS – Algún día este dolor te será útil

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Hoy en nuestra sección una de nuestras novedades de este verano, Algún día este dolor te será útil de Peter Cameron. Lo primero que me llamó la atención del libro fue el título, muy parecido al de Milena Tusquets reseñado en esta sección hace unos meses, También esto pasará.  El título hace referencia al lema del campamento de verano Zephyr: “Sé paciente y resiste: algún día este dolor te será útil”. Estos campamentos son muy populares en Estados Unidos,  supuestamente reforman a adolescentes con graves trastornos mediante los milagros del duro trabajo físico y las glorias de la naturaleza. Hace poco vi un documental sobre un campamento para gordos, a base de ejercicio físico y disciplina, como si de una instrucción militar se tratara, los adolescentes y jóvenes son mandados allí en sus vacaciones escolares para quitar los kilos de más que sufren por culpa de padres irresponsables, en su mayoría obesos como ellos, que los han estado alimentando a base de comida basura durante todo el año. En fin, esto daría para otro debate.

El protagonista y narrador de esta novela es James, un adolescente de 18 años.  De padres divorciados, James vive con su madre y su hermana mayor Gilliam en Manhattan, y mantiene una relación cordial con su padre, abogado de profesión. Estamos en el verano de 2003 y James trabaja en la galería de arte de su madre, un decir, porque  la galería está siempre vacía. Joven solitario y poco hablador, al que muchos catalogan de inadaptado y antisocial, no quiere ir a la prestigiosa universidad de Brown, en la que ha sido admitido: “El principal problema es que no me gusta la gente en general ni la gente de mi edad en particular y la gente de mi edad es la que va a la universidad. Consideraría la posibilidad de ir si se tratara de una universidad de mayores. Si bien no soy un sociópata ni un bicho raro, lo cierto es que no me gusta estar con gente. Las personas, por lo menos según mi experiencia, pocas veces se dicen cosas interesantes. Siempre hablan de sus vidas, unas vidas que no son muy interesantes, y eso me impacienta. En cierto modo, creo que solo deberías decir algo si es interesante o es absolutamente preciso decirlo”.

A raíz de un incidente ocurrido en “El aula nortemaricana” (seminario dirigido por la “Asociación nacional del rifle” y “Las hijas de la revolución norteamericana“, en el que participan los dos alumnos más brillantes de cada estado), James empieza a ir a unas charlas con la doctora Adler, psiquiatra. En esas charlas iremos conociendo un poco más al personaje, a través de los diálogos, o más bien los monólogos del narrador, muy intensos e inteligentes.

Una de las cosas que más me gusta del libro es la relación que James mantiene con su abuela materna, Nanette. Quizás sea la persona que más quiere en el mundo, desde luego es quien mejor le entiende y quien le da el contrapunto más realista y objetivo a las numerosas cuestiones que se plantea:  “Tener malas experiencias a veces es una ayuda, te aclara más lo que deberías hacer. Sé que esto parece demasiado optimista, pero es cierto. Quienes solo han tenido buenas experiencias no son muy interesantes. Pueden que estén contentos y sean felices de alguna manera, pero son superficiales. Ahora te parecerá un contratiempo, algo que te complica la vida…, pero es demasiado sencillo vivir sin complicaciones. No es que la felicidad sea necesariamente simple, pero no creo que tú vayas a tener una vida fácil y será mejor para ti. Lo difícil es no dejarte abrumar por las malas rachas. No debes permitir que te derroten“.

La novela me ha gustado muchísimo. Está plagado de frases ingeniosas, de esas que te hacen pensar. Al leerlo uno no puede evitar recordar la que quizás sea la novela más paradigmática sobre la adolescencia americana del siglo XX, “El guardián entre el centeno”. Estamos ante un Holden Caulfield del siglo XXI, un inteligente adolescente que se cuestiona continuamente, y que busca su sitio en el lugar y el tiempo que le ha tocado vivir. Y como telón de fondo la ciudad de Nueva York, siempre mágica, en constante cambio y evolución.

En algunas críticas que he leído hablan del libro como uno de los mejores que se ha escrito sobre el 11-S, sin embargo yo no veo que trate sobre el tema, pasa por él como de puntillas, la psiquiatra intenta sonsacarle cómo le afectó, ya que su colegio estaba situado frente a las torres y lo vivió en primera persona, pero James no quiere hablar sobre eso. En lo que sí estoy de acuerdo es en que es uno de los mejores libros publicados en 2012, apareciendo siempre en los lugares más altos del escalafón, y como siempre, lo tienes aquí, en tu biblioteca.

Os dejo con una entrevista que le realizaron al autor en el periódico ABC, que os acercará un poco más a esta deliciosa novela.

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

horasHoy quiero reseñar una película que tiene mucho que ver con la literatura. Se trata de “Las horas”, basada en la novela de Michael Cunningham, del mismo título y dirigida por Stephen Daldry. Narra la vida de Virginia Wolf , interpretada por Nicole Kidman, enlazada con la de otras dos mujeres interpretadas a  su vez por la gran Meryl Streep y Julianne Moore.

La película, con guion de David Hare y basada en la novela que obtuvo el premio Pulitzer de ficción, trata un día en la vida de tres mujeres distintas, de distintas épocas, que se conectan a través de la obra de Virginia Woolf.

Resulta difícil hablar de una película que se desborda y ante la cual, cualquier cosa que pueda decirse, no deja de ser una visión parcial. Unos pocos personajes, unos escenarios ajustados, unos objetos cargados de significado y esa atmosfera de Chèjov. Seres que  son muy conscientes de dónde están, de hacia dónde van y de cuáles son esas trampas que deben de esquivar y eso es lo que les aterra.

En Las Horas, todos los elementos son importantes y no podría existir uno sin los demás: La historia base de Michael Cunningham, los actores, la música de Philip Glass y el trabajo de David Hare. Sin cualquiera de estos elementos, hubiera fallado, no habría alcanzado el nivel que presenta. Para poder comprender y abarcar la obra en su totalidad, es recomendable profundizar en las cuatro fases.

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Es admirable la adaptación que Hare hace de la premiada novela. Además, el salto a la película de ese guion no habría podido realizarse sin la música de Glass. Su música transmite ese trasfondo que Cunningham crea al meterse en la mente de sus personajes. El trabajo de Glass sirve para unir a las tres mujeres, para mostrar la base sobre la que ellas caminan. No se trata de un ornamento para resaltar imágenes pobres o historias débiles, sino todo lo contrario. El espíritu del libro se traduce en música y esto permite que todo lo demás encaje.

Y a dónde no puede llegar la música, ahí están los actores, especialmente las actrices, que con su trabajo abarcan todos los detalles y matices de la obra.

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Es difícil contar en la pantalla la profundidad psicológica y mental de los personajes, (sobre todo cuando el director se resiste a utilizar una voz en off o la conversación con otro personaje), que lo que quiere mostrar es la vida interior del propio personaje. Todo recae en la actriz que tiene que representar con sus dotes interpretativas ese pensamiento y todas las palabras que no se dicen. Ese es el momento en el que se sabe si alguien es actor/actriz o no lo es. Ahí no caben matices, y son las actrices de ésta cinta, Julianne Moore, Meryl Streep  o Niccole Kidman las que lo avalan.

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Es sobre todo, esto; música, guion, historia,  personajes y un director que logra unirlo para que en ningún momento el ritmo y el interés decaigan lo más mínimo. Es una historia que representa tantos niveles que prácticamente cada espectador tiene una puerta por dónde acceder a ella; una oferta para cada mirada y muchas miradas para una historia que es, sobre todo, una defensa de la mujer frente a un mundo creado por hombres, que son los que se marchan a la oficina y los que corrigen errores de los demás, pero que en el fondo son frágiles y tienen miedos, tal y como los describe Woolf, ajenos a la influencia del libro. El hombre por tanto crea la base y la mujer la historia.

El tiempo en esta cinta es otro nivel de interpretación que permite, como si de otra puerta se tratara, ver la película como una representación de todo el proceso de la literatura. La escritora, la lectora y un salto al futuro que da valor al esfuerzo de la escritora, y es la protagonista. Pocas veces se ha logrado demostrar con tanta eficiencia qué es la literatura y para qué sirve.

Sorprende también la forma en que se trata el tema del amor, que lo imbuye todo y sin embargo es un niño el que pronuncia el único “te quiero” en toda la película. O el tema de la belleza, representada en las flores que compra Clarissa. ¿Cómo se puede conseguir tanto con la representación de la vida de tres personas distintas en un solo día? Y al final, la defensa de Clarissa de esas horas que lo justifican todo: “Vivimos nuestra vida, hacemos lo que hacemos y luego dormimos. Es tan sencillo y vulgar como esto…. Apreciamos no obstante la ciudad, la mañana; por encima de todo confiamos en que sigan existiendo.”

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En resumen, la película habla de unas vidas truncadas por la imposibilidad de los personajes de poder actuar con libertad y seguir el camino que sienten. Y así, las miradas se pierden y los pensamientos vuelan, para luego estancarse, anclados en las horas que avanzan cansadas, aletargadas. ¿Cómo vivir cada día, uno tras otro, con la sensación de que hay algo que no funciona y que no te deja ser feliz? ¿Cómo sobrevivir a las horas, esas horas que llegan después y siempre vienen a recordarte tus desdichas? Por eso, cada hora es importante. En cada hora, debes tratar de inclinar la balanza a tu favor para desear que lleguen las horas siguientes y, a la vez, anhelar que estas horas no pasen nunca.

La vida de tres mujeres en un sólo día; tres dramáticas historias cuidadosamente hiladas a través del delicioso sabor de la literatura. Tres destinos en tres tiempos distintos y que sin embargo comparten, por extraño capricho del destino, un secreto, un sino y una vital decisión, LAS HORAS. Una película intensa y muy reflexiva. ¡Y lo mejor de todo es que la podéis encontrar en nuestra biblioteca!.  DVD PE 2970 

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