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CINEMA PARADISO – La La Land – La ciudad de las estrellas

Esta semana quiero reseñar una película que arrasó el pasado año en todos los certámenes de cine del mundo. Se trata de “La La Land. La ciudad de las estrellas”,  una versión moderna de los musicales al más puro estilo de Hollywood. Obtuvo catorce nominaciones en los Premios Oscar y finalmente se alzó con seis galardones entre los que se encuentra Mejor Director, Mejor Actriz, Mejor Guión Original,  Mejor Banda Sonora o Mejor Canción Original. Igualmente triunfó en los Premios Bafta, o en los Globos de Oro en dónde obtuvo siete galardones. En el Festival de Venecia se alzó con el León de Oro a la mejor película y la Copa Volpi a la mejor actriz.

Protagonizan la cinta Emma Stone y Ryan Gosling y cuenta  la historia de Mía, una camarera de Hollywood y aspirante a gran actriz y Sebastian, un pianista de jazz desempleado con grandes ambiciones. A pesar de sus diferencias y de tener personalidades muy distintas, gracias a una serie de acontecimientos, sus caminos acaban entrecruzándose. Los dos protagonistas tienen formación musical y de danza desde pequeños y eso se nota a la hora de interpretar un musical como éste. Emma Stone estudió ballet  y música desde pequeña y en su vida real pasó por experiencias similares a la audición que le toca vivir en la película y eso hace que su interpretación sea magnífica. Ryan Gosling interpreta el papel de un pianista de jazz que se gana la vida tocando en fiestas y en bares de mala muerte y sueña con poder abrir su propio club y convertirse en un músico de éxito. A él también le ayudó su amplia experiencia en la vida real.

Dirige la película Damien Chazelle, quien también escribe el guion y que fue premiado como Mejor director por ésta película en tres de los Certámenes más reconocidos a nivel mundial Oscar, Bafta y Globos de Oro. Lo hace de manera magistral y los premios lo confirman como uno de los grandes talentos del cine actual con poco más de treinta años. El guion está muy bien construido e introduce varios géneros para culminar con una escena final absolutamente maravillosa.

La película es una historia clásica, de las que ya casi no se hacen, y tiene un toque a las grandes películas de antaño, aunque al mismo tiempo nos sorprende con una bocanada de aire muy fresco y ambas características la hacen muy diferente a lo que estamos acostumbrados a ver en el Hollywood de los últimos tiempos.

El amor es la temática central de la película, pero no solo el amor entre los protagonistas sino también el amor que sienten por sus sueños, por la ciudad y en general por todo lo que los rodea. El comienzo de la película ya es un canto a la ciudad de Los Ángeles, incluso el propio título es un homenaje a la misma.

La fotografía es única y maravillosa y potencia la magia que la película logra transmitir. Tiene escenas antológicas de las que se te graban en la retina y que crean escuela.

La música, de Justin Hurwitz, habla por sí sola. Es absolutamente magistral. Cada verso, cada nota cobran un significado especial en su relación con la trama y logra transmitir de forma muy directa las emociones que sienten los actores, tanto que a veces se siente que roza la perfección. Las escenas musicales fluyen de manera natural y se complementan bien, al tiempo que son un placer para la vista. Las luces, los colores, el movimiento, todo está dotado de una estética especial y absolutamente espectacular.

Bajo mi punto de vista se trata de una obra original de pies a cabeza, despojada de cualquier fórmula o cliché preestablecido. Funciona a la perfección en una mezcla ideal entre el diálogo, el drama y cómo no, la música maravillosa.

Para mí, lo mejor de la película es el principio y el final. El principio, el número musical que presenta la película, por la frescura que derrocha y  la parte final, el epílogo destaca por ser mágico e inigualable. Te hace enamorarte y sufrir al mismo tiempo. Y la mirada y la sonrisa final que se dedican Mía y Sebastian, pasará a la historia del cine. Emociona.

En definitiva creo que es un clásico de nuestros días, una obra de las que dejan huella en la historia del cine musical, de lasque, además transmiten y nos hacen creer de nuevo en el CINE, ya que a pesar de que las ilusiones se pierdan y determinados sueños fracasen siempre la tendremos ahí,  para hacernos soñar e ilusionarnos de nuevo.

Altamente recomendable para pasar una buena tarde. Y lo mejor de todo es que sólo tienes que pasar por la biblioteca y llevártela a casa. DVD PE 4545 y DVD PE 4546

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CINEMA PARADISO – Trumbo

El cine norteamericano tiene mucho de bueno, pero si por algo destaca es porque exporta un tipo de cine que se le da muy bien, y este es el género biográfico. No importa quién sea el protagonista o a qué se dedique; siempre saben cómo extraer la esencia del personaje y de la situación para que resulten auténticos héroes, reflejando normalmente los momentos más trascendentales de su vida.

Ejemplos los hay a cientos. Se pueden centrar en un genio trastornado como “Una mente maravillosa, en una asesina en serie como “Monster”, en un caradura con recursos como “El lobo de Wall Sreet”, un héroe de guerra como “El único superviviente”, un ama de casa luchadora como “Joy”, etc. Así mismo pueden centrarse en la vida completa de la persona o en un episodio concreto de la misma, o incluso, si el personaje da para mucho, puede llevarse a la pantalla en varias entregas.

En el caso de la película que recomiendo hoy, “Trumbo”, que lleva como subtítulo “La lista negra de Hollywood”, cuenta con el prestigio de haberse alzado con unas cuantas nominaciones a los premios más relevantes del mundo cinematográfico (Globos de Oro, Bafta y Oscar), y en su mayor parte, gracias a su protagonista, Bryan Cranston, archiconocido actor por  la serie “Breaking Bad”, y a su actriz de reparto, Hellen Mirren, que también fue nominada al Globo de Oro en su papel como la impasible periodista de prensa rosa Hedda Hopper.

Sin duda “Trumbo” merece ser reconocida no sólo por lo que cuenta, sino por cómo lo cuenta y por quién lo cuenta, tratando a través del personaje, temas tan controvertidos como el anticomunismo histérico del cine americano de los años 50. Su director Jay Roach transmite un conocimiento, un razonamiento y una inquietud tal, que consigue atrapar la curiosidad del espectador, tanto por el personaje como por la famosa “lista negra de Hollywood”.

Se trata de la adaptación de una biografía de Dalton Trumbo (guionista de películas tan conocidas como “Espartaco”, “Vacaciones en Roma” y muchas otras) que escribió Bruce Alexander Cook, contemporáneo del protagonista. El guión contemporiza perfectamente la conocida “caza de brujas” en un país como Estados Unidos, cuyo eslogan es Tierra de Libertad. Concretamente Trumbo es el elegido para conducir al espectador a través de la creación, desarrollo y liquidación de “La lista negra de Hollywood” que también sufrieran en su día personajes como Charles Chaplin y que se materializó en una denegación abierta de trabajo a todos aquellos que fueran sospechosos de llevar a cabo acciones antipatrióticas. En éste caso concreto, la justificación del libre pensamiento político hizo que Dalton Trumbo, así como muchos de sus colegas de profesión, especialmente del mundo cinematográfico, cayeran en desgracia.

Aparecen retratados grandes personajes del cine como John Wayne (David James Elliott), que fue adalid del Comité Especial de Actividades Antiestadounidenses gracias a su protagonismo en películas propagandísticas anticomunistas y antisoviéticas; Hedda Hopper (Helen Mirren) voz periodista del mismo organismo; Kirk Douglas (Dean O’Gorman), protagonista de Espartaco; Otto Preminger (Christian Berkel), director de Éxodo; así como personajes menos conocidos historicamente como Frank King (John Goodman); la hija de Donald Trumbo, Niki (Elle Fanning); su esposa Cleo (Diane Lane) pero totalmente relevantes para conocer a Donald, así como una versión reducida de “Los 10 de Hollywood” (guionistas que fueron condenados por sus actividades antiestadounidenses) materializada en el personaje ficticio Arlen Hird interpretado por Louis C.K.

Destaca de la película el equilibrio entre verdad, ficción y espectáculo. La integración de determinados episodios documentados como la declaración de Dalton ante el Comité de Actividades Antiestadounidenses de 1947, están realizados de forma inteligente y sencilla. Todo está bien encajado dentro de los sucesos conocidos, documentados a través de la prensa, entrevistas, etc. Y los más íntimos sucesos privados que conocemos a través de las declaraciones de los hijos de Trumbo y que trabajaron estrechamente junto al guionista de la película, John McNamara  para lograr retratar lo más humanamente posible a uno de los genios de Hollywood.

A nivel de interpretación, su protagonista, Bryan Cranston hace que todo sea posible. Es impresionante escuchar grabaciones del verdadero Trumbo y ver la voz con la que el señor Cranston da vida al personaje. El resto de los personajes históricos  que se cruzan con Trunbo en la película también están recreados de tal forma que nos hacen viajar en el tiempo. Además hay que destacar la gran aportación de John Goodman que interpreta a Frank King, uno de los productores más deficientes del Hollywood de la época, aunque al parecer no lo era tanto. La malignidad de Hedda Hopper( Hellen Mirren) aporta espectacularidad a la película, algo imprescindible para que el show logre llegar a todo el mundo.

Se reconoce así mismo la labor de los guionistas en el proceso creativo cinematográfico, oficio imprescindible para la industria. Se los presenta como un equipo de pirados cuyas mentes sueñan con las historias y diálogos que más tarde reproducirán los actores. Es además de la historia de un guionista, la historia de todos los guionistas.

Se trata sin duda de una biografía potente, fantástica y épica al mismo tiempo, sin alejarse demasiado de la realidad. No dejéis  de verla, y para ello sólo tenéis que pasar por la biblioteca DVD PE 4411

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CINEMA PARADISO – Tal como éramos

tal-como-eramos

Hoy traigo a la sección una de mis películas favoritas, Tal como éramos del director Sidney Pollack.

Cuando yo tenía 13 años venía a darnos clases particulares de inglés Axel. (Por cierto, se parecía mucho a Sting y con la edad he comprendido esas interrupciones frecuentes de mi madre para preguntar si quería un café o necesitaba algo). A lo que íbamos, Axel, a parte de darnos clases era un gran cinéfilo y de vez en cuando nos traía algunas de las películas de su filmoteca particular, entre ellas nos trajo la que hoy reseñamos aquí.

Para mí fue todo un descubrimiento esta película, que con la edad he visto varias veces y que también forma parte de mi filmoteca. No sé si fue su magnífica banda sonora, con la canción The Way We Were interpretada por la actriz protagonista Barbra Streisand, que da nombre a la película (ese es su título original), y que obtuvo el Oscar a la mejor canción en 1973, por Robert Redford en estado de gracia, cuando la vejez y la cirugía aún no habían hecho mella en su físico prodigioso, o por la historia de amor tan maravillosa; lo cierto es que cada vez que la veo no dejo de emocionarme y de soltar la lagrimita. Pero bueno os voy a hablar un poco del argumento.

La película comienza cuando en la década de 1940 los dos personajes protagonistas Katie (Barbra Streisand) y Hubbell (Robert Redford) se reencuentran en un bar. Él, oficial de la  Armada de los Estados Unidas está bastante borracho y ella, que trabaja como locutora de radio, aprovecha la coyuntura para llevarlo a casa. Hagamos una parada aquí. ¿Por qué he querido hacer esta parada? Porque en el momento en que Katie lo ve se produce un flasback en donde vemos los años de la Universidad, cuando ella era una joven judía de ideología de izquierdas, perdidamente enamorada de él; y él, el típico guaperas deportista, de enorme carisma y muy popular entre los miembros de la universidad. Este flasback, acompañado de esa canción maravillosa, es de los comienzos más memorables de la historia del cine.

A partir de ese encuentro comienza una relación muy intensa. Dos seres totalmente difentes, pero destinados a estar juntos (el consabido los polos opuestos se atraen). Durante los años que dura su relación (desde los años 40 a 60)  se trasladan de Nueva York a Hollywood, donde Hubbell es contratado como guionista de cine, allí Katie tendrá la oportunidad de entrar en contacto con gente con sus mismos ideales políticos y formar parte activa de los que luchan contra la censura del gobierno (estamos en la era McCarthy). Hubble está profundamente enamorado de ella pero no soporta su vehemencia política, su seriedad, que no sepa relajarse y que esté siempre viendo injusticias…, es demasiado densa y él necesita alguien un poco más frívola, no tan inteligente, que se desenvuelva en el ambiente en el que él siempre se ha movido como pez en el agua. Todo esto terminará pasando factura a la pareja que acabaran separándose, justo cuando Katie da a luz a su única hija en común, Raquel.

Y para terminar la película otra escena memorable, cuando al cabo de los años se encuentran por casualidad en Nueva York. Ambos han rehecho sus vidas y en teoría son felices, pero por cómo se miran y por los gestos que se hacen, se ve que siguen profundamente enamorados.

Y sí, así es la vida. Una historia de amor maravillosa, que te demuestra que los sentimientos no son suficientes para mantener una relación. Todo esto lo fui comprendiendo con los años, porque la primera vez que la vi, con 13, no creo que me enterara ni de la mitad. Lo que sí sé es que siempre que la veo, ¿siete veces?, sigo sintiendo la misma emoción que aquella primera vez. Gracias Axel por recomendarmela, y por descubrirme que los rubios pueden ser muy muy sexys.

Y como siempre, la podéis encontrar aquí, en vuestra biblioteca: DVD PE 1346

Ahora os dejo con la canción The Way We Were acompañada de las escenas.

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Se acabaron las vacaciones y ya estamos de vuelta en nuestra sección Cinema Paradiso. Queremos celebrarlo dedicándole la entrada a una de las estrellas que más ha brillado en el universo cinematográfico, y esa no es otra que la gran Ingrid Bergman, ya que este año 2015 se cumplen 100 años de su nacimiento.

Nació el 29 de agosto de 1915 en Suecia y murió el mismo día que cumplía 67 años en Londres. En palabras de su propia hija, sería como una forma de perfecta de cerrar el círculo de su vida.

La actriz sueca, uno de los grandes mitos de la época dorada de Hollywood, es recordada especialmente en estas fechas  en todo el mundo. Suecia y Estados Unidos le dedican un sello de correos; en Estocolmo se ha estrenado, con la presencia de sus cuatro hijos, un documental sobre su vida con material inédito, y en el MoMA neoyorquino se ha inaugura un ciclo de proyecciones de sus películas. También se hace, en Madrid, en el Circulo de Bellas Artes y  entre las que figuran algunos de los títulos míticos de la historia del cine: «Encadenados», «Sonata de otoño», «Luz que agoniza», «Juana de Arco» y, sobre todo, «Casablanca».

Isabella Rossellini, la más popular de sus hijas, ha dicho de ella por su parte que «gustaba a las mujeres porque veían en ella su misma naturalidad». Su hermano Roberto la ha definido así: «Fue una mujer libre, independiente, valiente y muy moderna. Rendirle homenaje a ella es rendírselo a todas las mujeres».

Son dos testimonios cercanos e íntimos sobre una mujer que se alejaba del canon de las grandes estrellas de Hollywood, que ofrecía a las cámaras la serenidad de su mirada y la sencillez de su gesto; de una actriz que enamoró a directores como Alfred Hitchcock -con el que trabajó en tres ocasiones-, Víctor Fleming, Stanley Donen o Michael Curtiz; que rodó en cinco idiomas (sueco, alemán, inglés, italiano y francés) y que obtuvo tres Oscar, por «Luz que agoniza» (1974), «Anastasia» (1956) y «Asesinato en el Oriente Express» (1974). Según el American Film Institute, es la cuarta estrella de Hollywood más importante, solo por detrás de Katharine Hepburn, Bette Davis y Audrey Hepburn.

Ingrid Bergman tenía una sonrisa tibia y una mirada transparente, a la que se asomaba con frecuencia la melancolía. Tal vez eran las huellas de su infancia: perdió a su madre cuando apenas tenía dos años y a su padre una década después. Elegante, sincera y sin pretensiones, hizo que la interpretación pareciera tan fácil como respirar. Siempre quiso ser actriz: «Cuando salí del escenario, yo estaba de luto, estaba en un funeral. El mío. Fue la muerte de mi ser creativo», contaba al recordar su primera audición en la Royal Dramatic Theater School de su ciudad natal, Estocolmo. Tras una docena de películas en Suecia el productor David O. Selznick la llevó a Estados Unidos en 1939 para una nueva versión de «Intermezzo». Y solo tres años más tarde, llegó «Casablanca». la historia de amor imposible con Humphrey Bogart -«siempre nos quedará París»- hizo que Ingrid Bergman se convirtiera en una estrella.

Su carrera tomaría un nuevo giro en 1949. Fascinada por el cine de Roberto Rossellini, le escribió diciéndole cuánto le gustaría trabajar con él. Lo hicieron en la película «Stromboli»… Y se enamoraron. Ambos estaban casados pero hicieron público su amor y anunciaron que la actriz estaba  embarazada, y Hollywood la repudió -Ingrid Bergman ya estaba casada con un médico sueco-; el asunto se trató incluso en el Senado de Estados Unidos, que la calificó como «una influencia poderosamente maligna». «La gente veía en mí a Juana de Arco y me convirtió en una santa. No lo soy, solo soy una mujer, otro ser humano», declaró.

Tras siete años de matrimonio llegó el tercer cambio en su vida. La actriz sueca retomó su carrera en Estados Unidos, donde el escándalo que la obligó a emigrar se había ido diluyendo como un azucarillo. Alternó el cine con el teatro, Hollywood con Europa, y se casó por tercera vez. Su último papel fue el de la histórica líder israelí Golda Meir, por el que ganó su segundo Emmy, ya a título póstumo. Un cáncer de mama terminó con su vida en Londres el 29 de agosto de 1982, justamente 67 años después de su nacimiento.

Podemos seguir disfrutando de sus magistrales interpretaciones a través de su obra con películas como: Encadenados DVD PE 317, Casablanca DVD PE 918, Recuerda DVD PE 954, Atormentada DVD PE 993 y 1113, Luz que agoniza DVD PE 947, Stromboli DVD PE 3917, Indiscreta DVD PE 2360, Flor de Cactus DVD PE 3736, Juana de Arco DVD PE 4112.y desde luego, como siempre, podéis encontrarlas en nuestra biblioteca. ¡¡¡Disfrutemos del buen CINE CLÁSICO!!!

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RECOLECTURAS – Empieza la semana con un buen libro

bicicletaDespués de la resaca de los Oscar os traigo un libro de cine, del guionista de La reina de África y El viejo y el mar, Peter Viertel, Una bicicleta en la playa.

La California de la década de 1930 es el soleado paraíso perdido que el protagonista, Carl Woolf, un guionista cinematográfico de mediana edad, rememora al relatarnos, la sobrecogedora historia de su amor con Pamela Gordon, una mujer que casi le dobla la edad y esposa de un célebre actor de la época, con la que mantuvo una intensa relación clandestina. La luminosidad del paisaje idílico que enmarca este amor adolescente se verá ensombrecida por las alarmantes noticias que llegan de una Europa en la que resulta ya evidente el implacable avance de los fascismo, que afectará de manera especial a los Woolf por su condición de emigrados judíos, y el amor de Carl y Pamela, tortuoso y apasionado, será el reflejo del sueño dorado de California, un sueño que se antoja ficticio mientras el resto del mundo sucumbe a la guerra.

Una bicicleta en la playa transporta al lector al Hollywood de las grandes estrellas (Charles Chaplin, Greta Garbo, Marlene Dietrich…), pero también de los intelectuales europeos (Thomas Mann, Bertolt Brecht, Serguei M. Eisensteine, Aldous Huxley, Arnold Schönberg…) que buscaron refugio en Estados Unidos, algunos de ellos para escapar de la convulsión social y el terror previos a la Segunda Guerra Mundial. Una época y unos personajes históricos de los que el propio Peter Viertel fue testigo de excepción.

Viertel nació en la localidad de Dresde en 1920, si bien gran parte de su niñez y juventud transcurrió en Califorina, donde en 1928 se establecen sus padres, el poeta y director teatral Berthold Viertel, y la actriz y escritora Salka Steuermann Viertel.

Además de guionista fue un excelente escritor poco conocido en nuestro país, a pesar de que residió en Marbella durante más de 30 años (localidad donde falleció) con su mujer, la actriz Deborah Kerr. Entre sus novelas se cuenta el aclamado best-seller Cazador blanco, corazón negro, que fue llevado al cine de la mano de Clint Eastwood y con guión del propio Viertel. La novela cuenta la experiencia del propio autor en el rodaje de La reina de África de John Houston, de la que Viertel, como dijimos anteriormente, fue guionista. En su prosa, de depurada y luminosa elegancia, muy a la altura de las mejores páginas de la tradición novelística de Ernest Hemingway y Scott Fitzgerald, serán recurrentes, como veremos en el libro, el componente autobiográfico, las relaciones entre literatura y cine, el amor y la guerra, y las referencias a Hollywood y a España. A Viertel también se le conoce por su introducción del surf en Europa.

Este es un libro para amantes del cine de la época dorada de Hollywood, la historia de amor es casi algo secundario, lo importante es lo que se cuece en esas tertulias de intelectuales llegados de Europa en los albores del nazismo. Un libro con el que seguro disfrutarás.

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

Oscar Estamos en al antesala de la “85 Edición de los Premios Oscar“, y desde la biblioteca vamos calentando motores con una “mesa de Oscar” con algunas de las últimas películas premiadas. Entre ellas podemos encontrar a la triunfadora del año pasado, “The artist“, y algunas de las novedades cinematográficas adquiridas recientemente.

Pocos podían sospechar los asistentes a la cena especial celebrada en el hotel Roosevelt de Hollywood un día de noviembre de 1928 lo que se estaba inaugurando allí realmente. No había televisiones, ni alfombras rojas, ni fans a las puertas, ni nubes incontroladas de fotógrafos. Sólo estaban las ganas de la Academia de las Artes y las Ciencias de Hollywood por “premiar” a los diversos profesionales de la industria del cine. Las reglas todavía no eran claras, pero se había comenzado una larga y gloriosa andadura.

Con el cine sonoro acechando ya irremediablemente, El cantor de jazz, que había revolucionado la industria fue galardonada con un premio especial, el resto de films seguían siendo mudos, o como mucho con música sincronizada. Alas fue la película ganadora de aquel año, y así de manera sucesiva hasta llegar a la próxima gala que se celebrará este domingo.

A continuación algunas de las películas que podrás encontrar en la mesa que hemos preparado. Sí son todas las que son, no son todas las que están.

Para ir abriendo apetito os dejamos un video con imágenes de todas las películas ganadoras del Óscar hasta la fecha, no tiene desperdicio. Os propongo un juego, ¿Cuántas películas sóis capaces de reconocer?

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