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CINEMA PARADISO – La teoría del todo

Recientemente ha fallecido Stephen Hawking, físico teórico, astrofisico y cosmólogo, además de gran divulgador científico cuyos trabajos han cambiado el mundo científico y el concepto que de él se tenía. Fue diagnosticado de ELA cuando contaba sólo  21 años, con una reducida esperanza de vida pero que finalmente ha muerto con 76 años el pasado 14 de marzo.

Hoy quiero reseñar una película que se hizo sobre él en el año 2014. Se trata de “La Teoría del Todo”, un biopic en el que destaca especialmente su elegante  narrativa y  estilo y sus interpretaciones  más que notables.

La película se basa en un libro escrito por la primera esposa de Hawking, Jane Wilde, “Travelling to Infinity: My Life with Stephen” y de quien él mismo dijo que fue uno de los personajes más importantes de su vida. Refleja por tanto el lado humano del científico; ese que a menudo no conocemos.

“La teoría del todo” busca el equilibrio entre la faceta personal y la profesional  y en ella nos encontramos con potentes detalles que van desde la búsqueda de una única fórmula que explique el origen del universo… hasta la búsqueda de una tecnología que permita a Hawkins (lo que no le permite la ELA)  dar a conocer al mundo toda su erudición. Además, el romance, aunque pueda emplear más minutos de los deseados, está tratado con acierto, delicadeza y madurez.

Cuenta una historia de amor desde los ojos de una mujer que decidió comprometerse con un hombre que padecía una enfermedad degenerativa que, según los médicos, le quitaría la vida pronto. Y de cómo  una mujer se las puede arreglar para llevar adelante un hogar habitado por tres hijos y un marido con una severa discapacidad motriz.

Los momentos dulces de esa vida se fueron transformando en momentos de frustración y sacrificio y eso es precisamente para muchos, lo que hace empática a esta historia.

“La teoría del todo” nos narra la vida de Hawkins desde que es un vital, optimista y “friki” estudiante de Cambridge hasta que es recibido en audiencia por la reina de Inglaterra. Durante este periodo observaremos su romance con Jane, los síntomas degenerativos de su enfermedad, su diagnóstico, su evolución, su doctorado en Cambridge, la redacción de su libro científico-divulgativo “Una breve historia del tiempo” y su éxito y relevancia a nivel mundial y científico. Todos estos acontecimientos de la película están genialmente interconectados.

El guion es natural y está bien escrito y, gracias a él, la multitud de sentimientos y reflexiones que nos despierta, la rabia al observar la vida que pudo tener el protagonista y no tuvo, las alegrías del amor familiar que experimenta, los sentimientos de pena, de triunfo, etc., se transmiten magistralmente. La historia de amor se relata con sencillez y tacto pero también con complicidad; el compadreo universitario y la amistad se empapa en el espectador como algo encantador, las apuestas investigadoras de Hawkins  son llamativas, relevantes y trascendentes.  Así mismo, el drama de la ELA se convierte en una desventura multidimensional, cargada de momentos agridulces, con un protagonista que ya nos ha calado completamente como un joven, ignorante de cuál será su destino, un destino que le tiene preparadas muchas trabas y alguna que otra satisfacción, como el hecho de saber que el cerebro no está afectado por esta enfermedad y, aunque los médicos le dieron una esperanza de vida de 48 meses (y, como he comentado, ha vivido hasta los 76 años) decidió seguir con su vida como quiso y planeo: se casó, tuvo hijos y siguió con sus estudios e investigaciones.

 

Aunque la historia y el drama de amor puede resultar menos interesante, el punto fuerte de la película lo marca la manera en que Marsh nos explica la enfermedad de Hawking y cómo la llevó; además de la increíble actuación de Eddie Redmayne que hace de Stephen Hawking, quien con meses de ensayo junto con un bailarín, logró recrear el poco movimiento con el que Stephen vivió durante años, sin exagerar.

Realmente la transformación física de este actor británico es impresionante y su interpretación, que fácilmente podía rayar en la exageración, se mantiene siempre en el terreno de lo natural. Parte de ese logro se debe a que Redmayne preparó intensamente su cuerpo para evitar los efectos especiales y con ello sentir a su personaje y la descomposición física que ha ido sufriendo. Pero aun siendo Hawking el eje principal de la película, Felicity Jones es igual de importante interpretando a su primera esposa Jane Wilde. Pausada, amorosa, sometida a una situación extrema, sacrificada, valerosa o dudosa, esta actriz hace un papel fantástico. La química lograda entre ambos es muy buena y real. Definitivamente ambos llenan la pantalla, pero también hay otras interesantes presencias como las de Charlie Cox, Emily Watson y David Thewlis.

Narrativamente la película podría resultar lineal para algunos, sin mayores altibajos o giros que le cambien su ritmo, pero es el clasicismo con el que se aborda este biopic, otro de los aspectos que más  gustan de esta película, al igual que su extraordinaria banda sonora a cargo de Jóhann Jóhannsson, creando una de las piezas más exquisitas para una película de esta naturaleza, transmitiendo delicadeza, sencillez y emotividad.

La película en definitiva está bien dirigida, es  respetuosa con la vida privada de Hawking y su primera esposa, y  destaca en lo humano de una situación tan compleja, sin caer en el drama trágico, melancólico o depresivo, ni en el humor forzado.

La película tiene la aprobación del mismo Stephen Hawking y ha sido aclamada como una buena cinta por la crítica que la compara con producciones como El Discurso del Rey (2010).

Ha obtenido importantes premios como el Oscar a mejor actor en la edición 2014, obteniendo además 5 nominaciones. Así mismo obtuvo dos Globos de oro a mejor actor y mejor banda sonora original. Obtuvo así mismo los premios Bafta a mejor actor, mejor film británico y mejor guión adaptado. También fue galardonada por el Sindicato de Actores, etc.

En definitiva se trata de una historia real de superación y como siempre la podéis encontrar en la biblioteca DVD PE 4263

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CINEMA PARADISO – Una pastelería en Tokio

Esta semana le toca el turno al cine japonés, concretamente a una de las últimas películas de la reputada cineasta Naomi Kawase. Desde su comienzo, la película ya va desvelando las señas de identidad que presentará a lo largo de sus 113 minutos de duración: un ritmo pausado, una profunda caracterización de los personajes, un estilo narrativo casi sacado de un cuento y, sobre todo, una atmósfera muy íntima en la que es muy difícil no verse atrapado.

Mediante lo que no deja de ser una historia pequeña y simple sobre las tribulaciones de un pastelero malencarado, una sabia anciana especialista en la elaboración de pasta de alubias de la que van rellenos los Dorayaki, y una estudiante taciturna, la cineasta ha hecho con uno de los dulces más populares de la gastronomía japonesa lo que mejor se le da: señalar la profunda importancia de los aspectos más sencillos y cotidianos de la existencia; algo que conecta perfectamente con su faceta como narradora de extraordinaria sensibilidad y delicadeza  para las historias humanas.

Los Dorayaki funcionan como el elemento común que une a estos personajes de tres generaciones en una tragicomedia de cocción lenta y sabor dulzón con su puntito de amargura (esto último, una vez llegado el momento de revelar la misteriosa procedencia de la anciana,  que desde su primera aparición ya se intuye “impactante”). No obstante, pese a distraerse con imágenes recurrentes de cerezos en flor y cigarrillos en la azotea, Kawase sabe modular las dosis para no empalagar; al contrario, deja con ganas de un bocado más.

 

Esta facilidad que tiene “Una pastelería de Tokio” para hacernos entrar en su dinámica argumental tiene su razón en el respeto con el que Kawase se dirige al relato que está  basado en la novela original de Durian Sukegawa. No es demasiado lacrimógena aunque tampoco leve ni superficial. La historia está estructurada de una manera clara, sin demasiados alardes formales, algo clásica en su desarrollo pero muy lejos de resultar previsible, ya que cada escena siempre aporta algo diferente al conjunto.

Cada personaje está muy bien definido;  nada sobra y poco se echa en falta. Kawase huye de los tópicos para realzar el  oscuro pasado de los personajes y la triste realidad que les acecha; no quiere dar nada por sabido pero tampoco pretende abrumarnos con flash-backs o explicaciones innecesarias. La cineasta pretende sensibilizar a través de lo que no se ve en lugar de explicitar demasiado las reacciones de sus protagonistas, lo cual redunda en un completo éxito a la hora de que la  película sepa transmitir un torrente de emociones.

Quizás el aspecto menos satisfactorio gira en torno a Wakana, cuyo papel promete ser muy relevante conforme avanza la primera mitad de la película pero que finalmente no termina de despegar. Aunque su personalidad está trazada de un modo más que correcto, ciertos detalles que Kawase nos enseña acerca de la relación con su ¿madre? y compañeras de clase, terminan por alejarse del terreno del suave misterio para caer en un pozo, ya que da la sensación de que el carácter de la chica en las escenas finales es demasiado similar al que contemplamos en un principio. En cualquier caso, no deja de ser una cuestión menor dentro de una acertada obra.

Más deliciosa incluso que los Dorayaki, sobre los que gira la película, “ Una pastelería en Tokio” permite ser saboreada al estilo de un dulce que debe comerse muy despacio; algo necesario para saber degustar cada detalle que Kawase nos ofrece  con esta obra. Quizá aquellos que tengan un particular interés por la cultura japonesa y, en general por la vida en Japón, puedan apreciar las virtudes de la película por encima  de lo que realmente se merecería, pero como el cine muchas veces no entiende tanto de cuestiones racionales sino de la transmisión de puros sentimientos, no hay motivos de peso para rechazarlos, sobre todo cuando estamos hablando de una cineasta que sabe transmitir tantas cosas a través de su obra. Es, por tanto, una de esas películas que te hacen levantarte del asiento con una sonrisa de oreja a oreja.

Y ya sabéis, como siempre, dónde podéis encontrarla. No tenéis más que pasar por la biblioteca. DVD PE 4415

 (Fuentes: www.cinemaldito.comcinemania.elmundo.es)

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CINEMA PARADISO – Biutiful

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Hoy quiero reseñar una película de un director que en los últimos años ha  cobrado mucho prestigio. Me refiero a Alejandro González Iñarritu que tiene en su haber películas tan premiadas como “Birdman” , “El Renacido”,  “Amores perros” o “Babel”

La película que reseño hoy es Biutiful, interpretada por un magistral Javier Bardem. Es de esas películas que encanta a algunos y sin embargo otros la detestan. Para empezar, podemos decir que es una película que en cierto sentido lo hace pasar mal al espectador. Se trata de una película bastante buena pero triste, aunque en sentido positivo y la historia que cuenta nos dejará sin habla. Es sencilla pero difícil a la vez. Nos habla de un hombre llamado  Uxbal, que es sensible a los espíritus de los que acaban de morir  y además se gana la vida mediando entre un grupo de chinos que fabrica productos falsificados y otro de africanos manteros que los vende. También se ocupa de pagar el soborno al policía de turno. Vive rodeado de miseria y está gravemente enfermo, y sabiendo que le queda poco de vida decide darle valor a todo y redimirse consigo mismo y con los demás.

En la película vemos el reflejo de una Barcelona oculta dónde lo que no se ve es lo más realista. Muestra los bajos fondos de la ciudad, que puede ser cualquier gran ciudad occidental que explota a los que llegan a ella para lograr una vida mejor.  El punto de arranque desencadena una serie intrincada de eventos que analizan el problema de la migración en España, a la par que desarrolla, de manera poética cómo un hombre se va desvaneciendo poco a poco de la vida. Un drama desgarrador, estéticamente muy elaborado que romperá el corazón de más de un espectador. Por fortuna, el final ofrece un cierto alivio.

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Javier Bardem estuvo nominado por este trabajo al Oscar a mejor actor, y aunque finalmente no se alzó con la estatuilla, sí que podemos decir que se trata de un papel muy trabajado y complejo, a la vez que muy sensible pues se pone en la piel de las personas que lo están pasando muy mal en situaciones francamente complicadas y la historia de la familia Uxbal, es la historia que desgraciadamente viven muchas familias hoy día. En definitiva, Bardem es la película, refleja magníficamente toda la carga de sufrimiento que lleva el personaje. Está magistral.

En Biutiful, las intenciones reivindicativas del cine social conviven con una visión más íntima en la que se reflexiona acerca de cómo la vida cobra sentido en función de la muerte. Cercano a su fallecimiento, el personaje de Uxbal comienza a revestirse de dignidad al darse cuenta de que no tiene sentido luchar contra el destino; lo que realmente importa no es el hecho de irse, sino el modo en el que uno se va. El planteamiento de denuncia social de la película apoya los contenidos más trascendentes y además  incide en el trágico impacto que tienen las decisiones y los actos del protagonista, como los de cualquier individuo, en el mundo que le rodea.

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El buen hacer del resto de los actores es otra gran baza de esta interesante fábula moral que merece la pena ser vista. Y como siempre, ya sabéis dónde podéis encontrarla. En la biblioteca DVD PE 3693

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RECOLECTURAS – De cómo una adaptación mejora un libro

Una pena en observacion.qxd:plantCUADERNO.qxdMi recomendación para el día de hoy es un libro que seguramente pasaría desapercibido si no fuese porque de él se hizo una de las películas más bellas, aunque triste, sobre la vida de un escritor. En este caso hablamos de Una pena en observación de C.S. Lewis y la magistralmente adaptación al cine Tierras de penumbra.

“Nadie me habló nunca de la desidia que inyecta la pena”.

En 1952, la poetisa norteamericana Helen Joy Davidson Gresham, católica, divorciada y comunista, apareció en la vida del cincuentón Clive Staples Lewis, anglicano, soltero y eminente hombre de letras británico, que ejercía en aquel entonces su magisterio en Oxford.

Helen –H., como se la denomina en el libro– sentía desde hacía tiempo una profunda admiración por Lewis, al que hasta ese momento sólo conocía a través de sus obras y de un escaso intercambio epistolar. Del encuentro personal surgió el amor, al que el ya maduro escritor se entregó con entusiasmo. Pero la dicha duró poco: Helen enfermó de cáncer y murió, dejando a Lewis sumido en el dolor.

El presente libro, excelentemente traducido por Carmen Martín Gaite, es el fruto de ese dolor. C. S. Lewis reflexiona sobre su desdicha, sobre la pérdida del ser amado, y se confronta con Dios, con su aparente ausencia y con la que parece ser su verdadera naturaleza.

El vacío, la soledad, la impotencia, el recuerdo, el amor, la fe, la esperanza, la búsqueda de un sentido a tanto sufrimiento, los lugares aún impregnados del ser amado irremisiblemente perdido son el punto de partida de este intenso y emotivo libro, que es un valiente enfrentamiento con lo más íntimo y recóndito de nuestros sentimientos, de nuestro yo confrontado con la tragedia, con el aparente sinsentido que gobierna la vida de los seres humanos, con la enigmática voluntad divina y con la trascendencia y fuerza redentora del amor.

Un pequeño libro, de tan sólo 103 p., que son las reflexiones del autor después de la pérdida de su esposa para intentar mitigar su dolor, y del que Richard Attenborough hizo una espléndida película con Anthony Hopkins y Debra Winger como protagonistas. (Una nota curiosa. Ya es la segunda vez que os hablo en esta sección de un “pequeño libro”, cuyos personajes femeninos se llaman Helen, y del que luego se han hecho unas magníficas adaptaciones con Anthony Hopkins como protagonista, veáse 84 Charing Cross Road reseñada aquí no hace mucho. No lo había pensado hasta este momento y me ha llamado la atención, curioso, ¿no?).

Al principio de la reseña os dije que este libro pasaría desapercibido si no fuese porque hay una magnífica adaptación al cine. En mi caso fue así. Yo no conocía el libro pero sí había visto la película, que como ya sabéis me encanta. La casualidad hizo que ordenando los libros de la biblioteca cayese en mis manos, y que el editor, con muy buen ojo, escogiese para la portada un fotograma de la película. Podéis imaginaros qué alegría más grande me entró. Después de leer el libro os puedo decir que, al contrario de lo que sucede normalmente, me quedo con la película, porque si bien el libro es bueno, sino no estaría aquí, es un poco sesudo. He querido traerlo a esta sección para que veáis, como a veces, una película mejora un libro. ¡Es increíble como el director recrea todo un mundo a partir de las reflexiones del escritor!

A C.S. Lewis muchos lo conoceréis, sobre todo el público juvenil, por la exitosa saga literaria Las crónicas de Narnia, pues bien, este es uno de los encantos que tiene la película, que vemos como el escritor le cuenta al hijo de H. las historias que componen su fantástico mundo. Y como siempre aquí en nuestra biblioteca.

La película también la tenemos (DVD PE 2872). Os dejo con el tráiler en VO.

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RECOLECTURAS – Presentación de “Leche” de Marina Perezagua

LecheHoy en nuestra sección queremos hablaros del último libro de Marina Perezagua, que esta tarde va a ser presentado en la Biblioteca Miguel de Cervantes a las 19:30, Leche.

Hace unos días mi compañero Jose nos habló de una amiga suya escritora, compañera de Máster, que iba a estar por la zona presentando su último libro, Leche, y preguntó si había posibilidad de que se hiciera una presentación del libro aquí en nuestras instalaciones, dicho y hecho, y esta es la presentación que nos ocupa esta tarde.

De esta manera es como el libro ha llegado a mis manos y he conocido a una autora, para mi desconocida, que me ha sorprendido gratamente. Ya que íbamos a asistir a la presentación que menos que acercarnos a su escritura, y así es como yo me he sumergido de lleno en la lectura de este libro.

Sí como oís, sumergida totalmente, y es que una vez que empiezas ya no puedes parar de leer, y eso que los temas que trata no son nada fáciles, son duros y muchas veces crueles. Desde  Little boy, que da comienzo al libro, hasta Leche, basado en una historia real que le contaron a la autora sobre la tragedia de Nanking, relato que lo cierra y que da título al libro, pasamos por catorce historias inquietantes y singulares que no dejan indiferente a nadie.

De los relatos de Perezagua se ha dicho:

“Transgresores relatos”, Babelia, “Fascinación en grado sumo”, Cuadernos Hispanoamericanos, “Atrapan de inmediato”, Julio Ortega.

En el prólogo de esta edición,  Ray Loriga escribe: “Una lectura no sólo fascinante sino casi terapeútica…Una voz valiente, distinta, hermosa y esquinada. Merece la pena dejarse llevar por estas páginas a menudo desconcertantes y aparentemente crueles, pero finalmente necesarias y exactas.”

Algunas pinceladas sobre Marina: Escritora sevillana del 78, es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Sevilla y ha sido profesora de Literatura y Lengua Española en la Universidad Estatal de New York (Stony Brook), donde está terminando su doctorado. Acaba de completar el Máster en Escritura Creativa en la New York University. Su anterior libro, Criaturas abisales (también disponible en la biblioteca), fue presentado por nuestro reciente “Premio Príncipe de Asturias de las Letras”, Antonio Muñoz Molina, este último ha sido presentado por su mujer Elvira Lindo. Los relatos de Marina han aparecido en revistas como Sibila, Renacimiento y Carátula.

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