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CINEMA PARADISO – Los santos inocentes

El pasado martes se cumplían años del nacimiento de uno de nuestros  mejores escritores del siglo XX. Corría el año 1920 cuando venía al mundo Miguel Delibes, escritor de altura, autor de numerosísimas obras literarias entre las que destaca “Los santos inocentes”, sobre la que se hizo en su día una magnífica adaptación al cine.

La adaptación cinematográfica fue dirigida por Mario Camus y posee un reparto excepcional. Es una película mítica del cine español, ( lo fue ya desde poco tiempo después de estrenarse); de esas que denominan una etapa del cine español (los años 80), comprometida con el pasado histórico y donde las adaptaciones literarias de grandes escritores nacionales eran comunes y muy habituales (“La casa de Bernarda Alba” del propio Mario Camus, “El bosque animado” de Jose Luis Cuerda o “Jarrapellejos” de Antonio Gimenez Rico, son  sólo algunos de los muchos ejemplos).

“Los santos inocentes” tuvo su recompensa en uno de los festivales de cine de mayor renombre, el Festival de Cannes, en donde Alfredo Landa y Paco Rabal, consiguieron la Palma de oro a mejor actor, premio ex aequo, en una ceremonia donde las palabras de agradecimiento de Paco Rabal al recoger el premio fueron “Milana bonita”. Mario Camus, también vio reconocida su labor al recibir una mención especial del jurado. No obstante es uno de esos directores literarios -y ya veteranos- que han dado fama internacional al cine español, puesto que ha ganado premios en Berlín, (consiguió El Oso de Oro por “La colmena”) Buenos Aires, Montreal y por supuesto en los premios Goya.

El director junto con los actores, especialmente Alfredo Landa y Francisco Rabal que llevan el peso de la película, componen  unos personajes míseros, ingenuos y subordinados con un cruel realismo. El “Azarías” encarnado por Rabal es un icono del cine español. Y Alfredo Landa, que  se confirmó como actor dramático en la década de los 80, (tras haber sido uno de los cómicos cinematográficos más importantes del cine de la transición, fue Garci quién le dio la oportunidad con “El crack” en el año 1981). Desde entonces encadenó una serie de títulos notables como “La vaquilla”,“Tata Mía”, “El bosque animado” o la cinta que nos ocupa.

“Los santos inocentes” se ambientan en los años 60 en el cortijo de una familia aristócrata y franquista, un universo propio donde se contrastan dos mundos muy marcados, el de los amos y el de los criados, a través de unos personajes inolvidables. Es una dura crónica rural de estos años, un periodo donde el contraste entre clases sociales es abismal y unos dominan completamente a otros sin ningún tipo de piedad o compasión, como consecuencia de la gran diferencia entre unos y otros provocada por el sistema de reparto agrario, del cual salieron claramente beneficiados nobleza y burguesía.

La familia de Paco (Landa) y Régula (Terele Pávez) es el verdadero ejemplo de la sumisión a la que se ven abocados los campesinos de estos años, un crudo retrato de pobreza, miseria e infortunio así como de la ingenuidad. Son seres que asumen su condición y no intentan discutirla, sus vidas se deben únicamente a los amos, los cuales también asumen otro estatus y lo llevan al paroxismo. El que es pobre se sabe pobre y el que es rico se sabe rico, y ambos ejercen su posición.

En “Los santos inocentes” esa miseria se hace aún más patente quizás porque está  salpicada por ciertas dosis de ternura lo que hace que el retrato sea, si cabe, más eficaz. Esa hija disminuida, a la cual deben de mantener con sus escasos recursos o Azarías un personaje entrañable y un poco especial  que consigue atrapar al espectador a base del cariño y la complicidad que emana. Son seres bondadosos machacados por la vida, en contraposición con la fortuna, la tangible y la que no lo es tanto, de los personajes que encarnan la otra cara de la moneda, los ricos y poderosos.

La película se rodó en escenarios extremeños para no  perder la fuerte carga emocional que contenía la novela original de Miguel Delibes, si bien la película está narrada a modo de flashback,  con un elegante y moderado uso de la elipsis,  introduciendo así un componente evolutivo en la historia que nos permite liberar a los hechos del paréntesis en que se enmarcan y apreciar el desarrollo de ciertos personajes, registrando sus motivaciones y el resultado de las mismas.

La maravillosa fotografía de Hans Burmann y la desgarradora música de García Abril, con los que el director ya trabajó en la también fantástica adaptación de “La colmena”,  complementan el trabajo en esta obra indispensable.

Dura, cruel, tierna, inocente e ingenua, estos son algunos de los adjetivos que se le pueden dar a “Los santos inocentes”, sin duda uno de los mejores títulos de la filmografía española de los años 80.

Cuenta la leyenda que en su presentación en Cannes, el público rompió en aplausos con su desenlace final, bendiciendo incondicionalmente a Azarías y condenando a muerte, con simbólico merecimiento, a una de las páginas más negras de nuestra historia reciente. Quede esta frase para su recuerdo.

              “¡Quiá! ¡Quiá! Yo…no quiero…que la milana me se vaya.”

Podéis encontrarla como siempre en la biblioteca. DVD PE 476

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CINEMA PARADISO – Biutiful

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Hoy quiero reseñar una película de un director que en los últimos años ha  cobrado mucho prestigio. Me refiero a Alejandro González Iñarritu que tiene en su haber películas tan premiadas como “Birdman” , “El Renacido”,  “Amores perros” o “Babel”

La película que reseño hoy es Biutiful, interpretada por un magistral Javier Bardem. Es de esas películas que encanta a algunos y sin embargo otros la detestan. Para empezar, podemos decir que es una película que en cierto sentido lo hace pasar mal al espectador. Se trata de una película bastante buena pero triste, aunque en sentido positivo y la historia que cuenta nos dejará sin habla. Es sencilla pero difícil a la vez. Nos habla de un hombre llamado  Uxbal, que es sensible a los espíritus de los que acaban de morir  y además se gana la vida mediando entre un grupo de chinos que fabrica productos falsificados y otro de africanos manteros que los vende. También se ocupa de pagar el soborno al policía de turno. Vive rodeado de miseria y está gravemente enfermo, y sabiendo que le queda poco de vida decide darle valor a todo y redimirse consigo mismo y con los demás.

En la película vemos el reflejo de una Barcelona oculta dónde lo que no se ve es lo más realista. Muestra los bajos fondos de la ciudad, que puede ser cualquier gran ciudad occidental que explota a los que llegan a ella para lograr una vida mejor.  El punto de arranque desencadena una serie intrincada de eventos que analizan el problema de la migración en España, a la par que desarrolla, de manera poética cómo un hombre se va desvaneciendo poco a poco de la vida. Un drama desgarrador, estéticamente muy elaborado que romperá el corazón de más de un espectador. Por fortuna, el final ofrece un cierto alivio.

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Javier Bardem estuvo nominado por este trabajo al Oscar a mejor actor, y aunque finalmente no se alzó con la estatuilla, sí que podemos decir que se trata de un papel muy trabajado y complejo, a la vez que muy sensible pues se pone en la piel de las personas que lo están pasando muy mal en situaciones francamente complicadas y la historia de la familia Uxbal, es la historia que desgraciadamente viven muchas familias hoy día. En definitiva, Bardem es la película, refleja magníficamente toda la carga de sufrimiento que lleva el personaje. Está magistral.

En Biutiful, las intenciones reivindicativas del cine social conviven con una visión más íntima en la que se reflexiona acerca de cómo la vida cobra sentido en función de la muerte. Cercano a su fallecimiento, el personaje de Uxbal comienza a revestirse de dignidad al darse cuenta de que no tiene sentido luchar contra el destino; lo que realmente importa no es el hecho de irse, sino el modo en el que uno se va. El planteamiento de denuncia social de la película apoya los contenidos más trascendentes y además  incide en el trágico impacto que tienen las decisiones y los actos del protagonista, como los de cualquier individuo, en el mundo que le rodea.

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El buen hacer del resto de los actores es otra gran baza de esta interesante fábula moral que merece la pena ser vista. Y como siempre, ya sabéis dónde podéis encontrarla. En la biblioteca DVD PE 3693

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CINEMA PARADISO – Pride

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Hoy quiero recomendar una película social al más puro estilo del cine británico, ante el que me descubro una vez más. Consigue convertir un guion aparentemente banal, aunque lleno de buenas intenciones, en una película desbordante de calor humano, tan escaso en estos tiempos, verosímil, cercana creíble, socialmente comprometida y llena de alegría por la vida, sazonada además con los mejores valores comunitarios, sin caer en lo manido ni rendirse al panfleto desbocado o partidista.

Los británicos llevan desde mediados de los 90 haciendo divertidas comedias de tema social con buen rollo como “Tocando al viento”, “Full Monty”, “Billy Elliot”, o la más reciente “Phillomena”. Pues bien, el último ejemplo de este cine es “Pride”, dirigida por Mattheu Warchus, la última gran sorpresa del cine británico.

Fue nominada a mejor película en los premios Bafta y triunfó en los  British Independent Film Award. Es una de esas películas que están dando que hablar gracias sobre todo al boca a boca y de hecho está convirtiéndose en una  feel-good.

Trata dos temas sociales bastante controvertidos como son la minería en Inglaterra, durante el mandato de Margaret Thatcher y la homosexualidad, todo ello enmarcado  en la primera mitad de los 80.

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Ya sabemos gracias a la película  “Billy Elliot” que los mineros ingleses no lo pasaron muy bien bajo el mandato de Margaret Thatcher y en “Pride” se nos muestra de nuevo esta lucha a la que se une el movimiento de gays y lesbianas, todos ellos luchando por sus derechos y unas mejores condiciones de vida. Así, se nos traslada al verano de 1984, cuando el Sindicato Nacional de Mineros convoca una dura huelga en un pulso a la primer ministro. Un grupo de gays y lesbianas quiere apoyar la causa y durante la manifestación del Orgullo Gay en Londres recauda fondos para las familias de los mineros.

***SUNDAY CALENDAR SNEAKS STORY FOR SEPTEMBER 7, 2014. DO NOT USE PRIOR TO PUBLICATION********** Nia Gwynne as Gail, Jessica Gunning as Sian, Liz White as Margaret, Menna Trussler as Gwen and Imelda Staunton as Hefina in the movie  PRIDE to be released by CBS Films. Photo credit:  Nicola Dove

El único problema es que el sindicato no acepta el dinero por absurdos prejuicios ante la comunidad gay. Los activistas no se desalientan. Deciden saltarse al sindicato e ir directamente a los mineros. Escogen un pueblecito de Gales al que van en un minibús. Allí, tendrán que enfrentarse a una sociedad bastante conservadora y  algo reticente a recibir su apoyo hasta que descubre que sus luchas no son tan diferentes y que juntos pueden ser más fuertes.

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Basada en hechos reales, “Pride” tiene una primera intención de profundizar en el conflicto político y social de los mineros y los homosexuales en Inglaterra en los 80, algo que pronto se convierte en la excusa perfecta para centrarse  en la idea central de la cinta,  basada en la unión hace la fuerza y la solidaridad por una lucha común: la del derecho a que todo el mundo viva su vida con dignidad y se sienta  orgulloso por ello.

Rodada de forma muy fresca y sin florituras, la película juega todas sus cartas al choque cultural entre los mineros y los urbanitas homosexuales, y gana al saber mostrar la evolución de sus relaciones que van desde el rechazo hasta el apoyo mutuo más absoluto gracias a situaciones divertidas, la ternura de este entendimiento y el pequeño tinte de drama, pero tratado con mucha sensibilidad y humor, que supone encontrarse en una huelga como la que vivieron los mineros ingleses o enfrentarse a la enfermedad del SIDA.

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Para ello, Matthew Warchus consigue reunir a un reparto coral con un encanto único que dan  vida a todos estos personajes aparentemente sencillos y que acaban alimentándose unos a otros a nivel emocional. Así nos encontramos  con grandes veteranos como Bill Nighy, Dominic West o Imelda Staunton, elegantes, perfectos, en definitiva, una delicia. Y un grupo de jóvenes actores británicos impresionantes y carismáticos como George Mackay, al que no hay que perder de vista en próximos trabajos o Faye Marsay, entre otros.

Con el ritmo musical de los 80 de temas de los Pet Shop Boys o Queen, “Pride” comienza y termina con dos canciones emblemáticas del movimiento obrero anglosajón. “Solidarity for ever” (Ralph Chaplin, 1915) interpretada por Pete Seeger y “There is power in a union” (Joe Hill, 1913), por Billy Bragg. En el centro de la trama, en el momento culminante de emotividad desbordante, un coro abrasa los sentidos con su interpretación del “Pan y rosas”. Lleva la voz principal una jovencísima Bronwen Lewis, oriunda de Onllwyn, el poblado minero en Gales donde se sitúa esta historia.

Matthew Warchus no traza  una película redonda si nos ajustamos a los cánones narrativos de lo que tiene que ser una película perfecta, pero eso es lo de menos. Lo más importante y lo que imprime carácter a la película es el buen rollo que transmite gracias a la solidaridad de sus personajes, su profundidad y el saber hacer de su magnífico reparto y todo esto hace se tenga la sensación de  haber visto algo diferente., igual que ocurrió al ver “Billy Elliot” o “Full Monty”.

En definitiva “Pride” es una gran película que emociona y moviliza. Muy recomendable, y como siempre la podéis encontrar en la biblioteca DVD PE 4301

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

joeEl pasado día 1 de mayo se celebró el Día Internacional de los Trabajadores, que es la fiesta por antonomasia del movimiento obrero mundial. Se estableció como fiesta en la mayoría de los países por acuerdo del Congreso Obrero Socialista de la Segunda Internacional celebrado en París en el año 1889. Se instituyó como una jornada de lucha reivindicativa y homenaje a los mártires de Chicago.

Los hechos que dieron lugar a esta celebración se sitúan en los albores de la Revolución Industrial en Estados Unidos. A finales del siglo XIX Chicago era la mayor ciudad en número de habitantes  de Estados Unidos. Del Oeste y del Sudeste llegaban cada año en ferrocarril miles de ganaderos desocupados, creando las primeras villas humildes que albergaban a cientos de miles de trabajadores. Además, estos centros urbanos acogieron a emigrantes venidos de todo el mundo a lo largo del siglo XIX.

Una de las reivindicaciones básicas de los trabajadores era la jornada de 8 horas, basándose en 8 horas para el trabajo, ocho horas para el sueño y otras ocho para la casa. Lo normal era trabajar entre 12 y 16 horas diarias. En 1886 ochenta mil trabajadores iniciaron una protesta que pronto desembocaría en una poderosa huelga nacional que afectó a numerosas fábricas de los Estados Unidos con más de 400.000 obreros en 5000 huelgas simultáneas. Sin embargo, la fábrica McCormik no reconoció la demanda de los trabajadores y seguía funcionando con piquetes y el primero de mayo,  la policía, a la puerta de la fábrica, disparó contra los manifestantes que reivindicaban los nuevos acuerdos. Durante los días siguientes se fueron sucediendo más muertes de trabajadores hasta que el día 4 una bomba estalló contra las fuerzas policiales en el suceso conocido como el atentado de Hymarket.

El 21 de junio comenzó el juicio a 31 obreros acusados de haber sido los promotores del conflicto. Todos fueron condenados. Dos de ellos a cadena perpetua, uno a cinco años de trabajos forzados y cinco a muerte en la horca. La culpabilidad de los condenados nunca fue probada.

En la actualidad muchos países, entre ellos España, conmemoran el 1 de mayo como el origen del movimiento obrero moderno denominándolo Día Internacional del Trabajador.

En el cine se ha incidido repetidamente sobre el tema del trabajo, de las reivindicaciones, de las huelgas y un largo etcétera. Tenemos muchos ejemplos, que desde distintas perspectivas han tocado estos temas con títulos como Germinal, Qué verde era mi valle, La tierra prometida, Las uvas de la Ira, de la que recientemente he hecho una reseña en esta misma sección, Ladrón de bicicletas, The Full Monty, La ley del silencio, etc.

Actualmente hay en cartel un film que aborda esta problemática de una manera simpática y agradable haciendo un paralelismo con otro colectivo que en los años 60, fecha en la que se enmarca la película, no estaba bien visto; los homosexuales, y cómo éstos se implican con los obreros de la minería del carbón y con sus reivindicaciones. Hablo de Pride.

También podría hablarse de otra película titulada Pago justo que muestra la lucha de casi 200 mujeres trabajadoras de la fábricas de automóviles Ford en Inglaterra por la igualdad salarial en el año 1968 y que acabó consiguiendo el compromiso y a los dos años la consecución de su reivindicación.

Dentro de este género hoy quiero reseñar Mi nombre es Joe. Es la historia de héroes anónimos, gente que vive en un entorno complicado de drogas, mafia, pobreza y paro, y que salen adelante con una entereza y dignidad elogiables.

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Son luchadores y no pierden la esperanza de un futuro mejor, aunque éste se presente oscuro y sin posibilidades. Joe se aferra a lo único que tiene, su nombre y a Sarah. Ella se convierte en el motor de su vida, pero él está entre la espada y la pared.

Joe sólo tiene su nombre, pero eso es  mucho.

Cuenta la historia de un hombre en paro que subsiste como puede con una pequeña ayuda del estado y trabajillos ocasionales a los que se brinda. Así vive con austeridad, pero esta escasa economía no es impedimento para que Joe encuentre unos valores y una fuerza de voluntad dignos de elogio.

Loach no se anda por las ramas y en apenas 10 minutos nos presenta a un variopinto grupo de personajes que ya de entrada nos resultan familiares, al igual que unas situaciones que casi en nada se alejarían de las que nosotros mismos podemos encontrar cada día en la calle.

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La interpretación de Peter Mullan es magnífica ya desde el principio con el monólogo de los primeros minutos que por sí mismo vale el precio de la entrada.

Enlaza unos personajes fuertes llenos de carácter y profundizados a través de unos diálogos cercanos y creíbles, sencillamente real… y en parte damos gracias a un gran Peter Mullan perfectamente a la altura del personaje, acompañado por una galería de estupendos secundarios.

Mi nombre es Joe deja para el recuerdo algunas pinceladas del mejor cine social (a pesar de que no termina de calar en el espectador como quizás debería) y una de las mejores películas del cine de un director siempre comprometido y real.

Una pequeña e interesante película digna de ser vista al menos una vez. Y lo mejor de todo, como siempre es que podéis encontrarla en nuestra biblioteca. DVD PE 3747.

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

uvasEsta semana le toca el turno a un clásico tanto del cine como de la literatura. Se trata de “Las uvas de la ira”, novela escrita por John Steinbeck en 1939 y distinguida con el premio Pulitzer en 1940 y que narra de una manera magistral los fallos del sistema capitalista, que en su evolución acaba con un funcionamiento enfermo que produjo una corriente migratoria digna de estudio.

Narra la odisea que tuvo que pasar la familia Joad como consecuencia de la gran depresión. Relata la parte humana de esta gran depresión. La cantidad de gente que se quedó sin trabajo, que se quedó sin hogar, que tuvo que viajar engañada por la falsa concepción del sueño americano y de la maravillosa California.

La película es una adaptación bastante fiel de la novela y hecha con muchísimo acierto. No en vano, su director es John Ford que es el director más galardonado en la historia de los Premios Oscar, que si bien hoy día han perdido prestigio, siguen siendo los premios de la academia y han sabido reconocer una buena película.

John Ford es especialmente conocido por sus westerns como “La diligencia” o “Quien mató a Liberty Balance”, sin duda un gran maestro del género, pero el listado de películas que dirigió es inacabable y entre ellas, a parte de los westerns destacan “Un hombre tranquilo”, “Qué verde era mi valle” y “Las uvas de la ira”. Por las tres películas se llevó el Oscar al mejor director, por tanto, creo que podemos decir que John Ford es uno de los mejores directores de la historia.

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Igual que la novela retrata a las miles de familias anónimas que los años han dejado en el olvido como los Joad que después de que el banco se apropiara de su tierra, deciden ir a coger fruta a California. Vemos como verdaderamente lo único que se pierde es la esperanza. La lucha constante de una familia que a duras penas puede comer todos los días pero que sin embargo está unida. Y en la humanidad que destila cada fotograma rodada como una amarga desbandada, es donde residen las virtudes de la película. Cada escena de la película parece la historia de cualquier fotografía de Dorothea Lange.

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El personaje de Tom Joad representa a ese espíritu, a ese fantasma presente en todas las desgracias. El antihéroe que lucha en una pelea perdida de antemano y es encarnado por un magnífico Henry Fonda con una interpretación que pasará a los anales del cine personificando a todo un colectivo.
Jane Darwell interpreta a otro pilar de la familia; a la madre en un sufrido a la par que agradecido personaje que le valió un Oscar. Ambos personajes ofrecen diálogos sinceros y sin tapujos. Otro personaje interesante es Casey, un ex predicador. Un personaje cómico que nos gana el corazón, pero al mismo tiempo muy amargo, magníficamente interpretado por Carradine.

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“Las uvas de la ira”· aparte de estar magistralmente dirigida y muy bien interpretada es una de esas películas imprescindibles que por alguna extraña razón difícil de comprender el paso de los años la ha dejado en un escalón por debajo de películas clásicas como “Casablanca” o “Lo que el viento se llevó”, cuando la realidad es que pueden mirarse de tú a tú.

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Se trata de una historia desgarradora acentuada por una magnífica fotografía en blanco y negro y una banda sonora y unas interpretaciones memorables. Es recomendable tanto la novela como la película, y lo mejor de todo para poder disfrutarlas, es que las podéis encontrar en nuestra biblioteca. La novela en la sección de narrativa y la película DVD PE 2150 Sigue leyendo

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

4 meses

Hola amigos. Esta semana le toca el turno al cine rumano. Dicho así puede resultar algo extraño, pero allí también se hace buen cine y prueba de ello es la película que propongo, “4 meses tres semanas y dos días”, ganadora de la Palma de Oro a la mejor película en el festival de Cannes 2007, Premio Goya a la mejor película europea en 2008, además de otro buen número de premios.

Está ambientada en los últimos años del comunismo en Rumanía, en los años 80,  y narra los problemas de dos estudiantes que se enfrentan al embarazo no deseado de una de ellas, en una época en la que el aborto estaba prohibido por la ley.

El ambiente opresivo de la Rumanía de los últimos años de la dictadura de Ceaucescu, invita en principio a contar un simple relato de denuncia social (la prohibición del aborto en 1966 elevó los índices de natalidad y llevó a la muerte a más de 500.000 mujeres por abortar ilegalmente).

Sin embargo su director, Cristian Mungiu,  utiliza ese contexto para exponer el auténtico tema central del film: el miedo. Ese miedo que flota en el ambiente, que casi se puede tocar, cuyo poder te paraliza y permite al espectador experimentar lo que supone la falta de libertad. Es el miedo a cualquier mirada, a cualquier descuido fatal, un miedo que hace que te sientas atrapado. Elegir la tétrica Bucarest de los 80 como telón de fondo no fue casualidad.

Gran parte de la película está rodada cámara en mano, lo que sumerge de lleno al espectador en el ambiente de Bucarest, y consigue que te identifiques con la protagonista y su particular periplo por la capital rumana. Este recurso se alterna con planos fijos, algunos muy prolongados, que ayudan a crear una sensación de angustia y opresión.

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El director, va directo al grano, no parándose demasiado en pormenores. Enseguida nos mete en la acción y lo hace prácticamente en tiempo real, dividiendo la trama en cuatro actos, o partes bien diferenciadas: preparativos, estancia  en el hotel,  fiesta de cumpleaños y desenlace. En las cuatro partes, el punto de vista siempre es el mismo, el de una chica llamada Otilia, quien por amistad, ayuda a su compañera embarazada, y es curioso que la película esté narrada desde la perspectiva de este personaje y no del de la chica que quiere abortar, lo que hubiera sido más lógico. Pero a veces, el escapar de la lógica o de lo esperado, nos presenta aciertos como este caso,  ya que precisamente ese punto de vista le da otro cariz distinto al de otro drama social que trate este mismo tema.

La actuación de la actriz que interpreta este papel, Anamaria Marinca, es impecable, pues es capaz de sostener el plano con una entereza envidiable.

En definitiva es una película concisa, dura, nada manipuladora. De esas que no abundan mucho últimamente.

Y como siempre, podéis encontrarla en nuestra biblioteca DVD PE 3773.  Sigue leyendo

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