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PIRULETRAS – Cine

¡VIVA LA FIESTA DEL CINE!

Que estupenda me parece esta iniciativa que lleva a tanta gente a los cines ¿Cuál habéis ido a ver vosotros?

Ains el cine, el SEPTIMO ARTE, tantos momentos agradables que nos hace pasar, o angustiosos, o graciosos, o románticos…Y es que hay películas de todos los géneros, en todos los idiomas, de todas las épocas y colores.

Aquí en este blog nos encanta el cine, aunque he de confesar que yo voy poco a poco poniéndome al día, hay tantas cosas que saber del cine. Cuando yo estudiaba la carrera, tenía dos asignaturas de cine, no es que estuvieran genial, es que dábamos CINE. Aprendí mucho entonces, y aunque nunca fui muy cinéfila, conocer las artes del cine me llevó a verlo de otra manera, a ver más de lo que hay a simple vista, a fijarme en los detalles, a contextualizar mejor las películas… En fin, es como todo, mientras más aprendes sobre algo, más aún te queda por descubrir.

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Por eso os traigo hoy este libro, un libro sobre cine, para que sepáis más sobre este moderno arte. Si hasta ahora os sonaban las palabras rodaje, bandas sonoras, voz en off, encuadre, trávelin… ahora podréis saber a qué se refieren exactamente.

Y lo mejor de lo mejor, que en las bibliotecas te ofrecemos teoría y práctica:

Coge una película

Llévatela a casa para verla

Echa un vistazo a este libro

Reposa lo que has aprendido y mañana vuelve a ver la película

¿A qué has percibido otras cosas nuevas?

 

Este libro pertenece a una colección llamada ¿Qué es el arte?, así que si quieres saber más sobre pintura, música, escultura… no lo dudes, pásate por cualquiera de nuestras bibliotecas, en todas lo encontrarás.

Otros datos de este libro:

Autora: Nuria Roca

Título de la colección: ¿Qué es el Arte?

Editorial: Molino

Año: 2003

Signatura (o dónde encontrarlo): I-79, en la zona de materias, al final. Recuerda que en el 7 colocamos Arte. Y la “I” se refiere a Infantil, o sea que es perfecto para los que tienen entre 3 y 6 años.

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Esta semana quiero reseñar una película de gran belleza. Se trata de la adaptación cinematográfica de la novela homónima de Arthur Golden “Memorias de una geisha”. Una película exquisita dirigida por Rob Marshall que viene a confirmar lo que ya se dedujo al leer la novela; su hermosura.  Es un fiel reflejo de la obra literaria en la que se basa y por lo tanto con todo su esplendor.

Se trata de una historia que nos transporta al lejano y misterioso oriente cien años antes. Un mundo floreciente, cautivador y repleto de vida. El libro fue publicado en el año 1997 y la película se estrenó en 2005. Producida por Steven Spielberg.

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La novela estuvo rodeada de polémica desde el mismo momento de su publicación, pues si bien Golden no menciona los nombres reales de los personajes en los que se documentó, sí que fue demandado por la geisha Mineko Iwasaki, que acusaba al escritor de difamación e incumplimiento de contrato por revelar información confidencial sobre su vida como geisha. No obstante y sea como fuere, lo indudable es que Memorias de una geisha es una novela fascinante por muchos motivos, no solo por la calidad con  la que está escrita, el increíble magnetismo de los protagonistas o la dulzura que desprenden cada una de sus páginas, sino también por transmitir una crónica desgarradora y al mismo tiempo veraz acerca de unas mujeres para las que el amor es solo una ilusión.

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La película es también muy buena aunque sin llegar a la altura de la novela, si bien se adapta tan fiel al libro que quizás comete los mismos errores como puede ser el escaso contacto que el espectador mantiene con los personajes que siempre son un misterio, ya que lo que realmente sabemos de ellos es una muy pequeña parte de su vida. Es decir que a pesar de que sabemos que Hatsumomo es una de la geishas más famosa de aquellos tiempos y que solamente Mameha le podría hacer frente, a pesar de las constantes suposiciones que se dan en la película, en ningún momento conocemos de verdad su vida, nunca más allá del maquillaje blanco y de las lecciones que le da una hermana mayor.

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Nos referimos por supuesto no solo a la vida misteriosa de las geishas sino a todo el conjunto de personajes, hombres especialmente que las rodean., todo pertenecientes a un mundo desconocido; al igual que la vida misma “Memorias de una geisha” es un reflejo de lo mística e incomprensible que puede llegar a ser la vida de tu vecino.

La película está llena de detalles que si bien el libro describe con precisión, aquí deja abierta la puerta a la imaginación del espectador como el arreglo de la nuca, el obi, el kimono, los adornos para el cabello, en definitiva todo un ritual de sofisticación y misterio.

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Cabe destacar también los magníficos aspectos técnicos de la película como el maquillaje que es espléndido o los preciosos paisajes. Otro  elemento a destacar es la música de John Williams. De mucha sensibilidad, pausada, apacible, pero sobre todo humilde.

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La interpretación de los actores, especialmente las actrices cumple con las expectativas. Michelle Yeoh como Mameha, tan perfecta como en el libro, Gong Li como Hatsumomo, soberbia y tal vez no tan malvada como en el libro y Ziyi Zhang en la piel de Sayuri, exactamente como la imaginación lo exigía.

Una película muy recomendable si se quiere disfrutar de la hermosura y la belleza que irradia. Y lo mejor, como siempre es que la podéis encontrar en la biblioteca DVD PE 4040 así como la novela.

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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El próximo sábado 24 de octubre se celebra en España el Día de las Bibliotecas. Este día nació como una iniciativa de la Asociación Española del Libro Infantil y Juvenil , apoyada por el Ministerio de Cultura en recuerdo de la destrucción de la Biblioteca de Sarajevo, incendiada en 1992 durante el conflicto balcánico.

La iniciativa surgió para trasladar a la opinión pública la importancia de la biblioteca como lugar de encuentro de los lectores de todas las edades con la cultura en todas sus vertientes, y como un instrumento de mejora de la formación y de la convivencia. El objetivo es el de concienciar a la sociedad de la importancia de la lectura y como homenaje y reconocimiento a la labor de los biblitoecarios/as. Se pretende educar con ello a niños y mayores en los valores de la lectura y la cultura y son de destacar las bibliotecas como centros socializadores e integradores demostrando que los libros están hoy al alcance de todo el mundo.

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No ocurría así en la época medieval, como muestra la película que hoy reseño “El nombre de la rosa” y que tiene mucho que ver con las bibliotecas. Entonces el saber sólo estaba al alcance de unos pocos privilegiados y como factorías de la sabiduría se encontraban los monasterios en dónde se copiaban, ilustraban y guardaban los libros y que funcionaban como verdaderos guardianes y depositarios del saber, especialmente en Europa.

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La película es una adaptación de la novela de Umberto Eco del mismo nombre. El éxito que obtuvo la novela precedió a la película e indudablemente esto contribuyó al éxito de la misma, si bien hubo críticas también negativas alegando que la película perdía el espíritu de la novela y que al resaltar, para crear expectación, los pasajes más impactantes de la película, la convertía así en una historia de crímenes y detectivesca en torno a una biblioteca perdiendo así el espíritu que Umberto Eco había querido dar a la novela. Excluye el laberinto de historias derivadas de las múltiples conjeturas que hace el investigador a raíz de los misteriosos sucesos de la biblioteca.

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La película es la proyección en la pantalla de una lectura de la novela, la del director. Ciertamente la trama detectivesca se impone en la película pero ésta no es sino un pretexto en la novela para el desarrollo de otras historias fundadas o derivadas de las conjeturas.
Al margen de todos los temas y tramas que se desarrollan en la película, todas muy importantes, quizás el más interesante sea el que subyace entre todos. El miedo a lo desconocido y al rechazo de lo que no se puede llegar a comprender desde un punto de vista teológico. Dos personajes se enfrentan adquiriendo dos roles completamente distintos, Jorge de Burgos y Guillermo de Baskerville. El primero considera que la biblioteca, un elemento que está presente durante toda la película, debe de tener un rol de conservación. Según su particular punto de vista, todo lo que está escrito debe conservarse y los monjes no deben aventurarse a investigar nada más. Por otro lado, fray Guillermo es un hombre de ciencia, un aspecto que esconde para no ser considerado un brujo, que no tiene miedo a la hora de enfrentarse a la verdad aunque eso signifique hacer tambalear las Sagradas Escrituras.

El libro perdido, envenenado y que desencadena todas las muertes dentro de la abadía, el Segundo libro de poética de Aristóteles, significa para Jorge un ataque frontal a lo que él cree: “Los hombres no deben reír, ya que ese acto deforma la cara de los hombres y los convierte en monos”. Guillermo, en la discusión con Jorge dentro del Scriptorium, no duda en debatir esa idea diciendo que la risa es un elemento humano, no animal. Jorge afirma que la risa es un elemento diabólico, que Jesucristo nunca rió, a lo que Guillermo responde de una forma opuesta, señalando que en la Biblia tampoco se dice que no lo hiciera. Por otro lado, Guillermo asevera que el humor había sido utilizado por los mártires para enfrentarse y ridiculizar a los paganos a lo que añade que Aristóteles escribió su libro para ilustrar que el humor podía ser utilizado como un instrumento de la verdad. Jorge le pregunta entonces si ha leído ese libro, a lo que Guillermo admite que no lo ha hecho puesto que ese libro se perdió hace mucho tiempo. Jorge asegura entonces que el libro no se perdió, sino que nunca fue escrito… Aunque, en realidad, sea él el que guarde una copia del documento que envenena a todo aquel que osa leerlo.

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De este modo, tenemos que la esencia de la historia es que el libro mata por el conocimiento que atesora. Un conocimiento que para los ilustrados es muy interesante y que todos desean poseer. De esta forma, los primeros en morir, por desear su contenido, son dos monjes Adelmo de Otranto y Venancio de Salvemec, sin embargo sus siguientes víctimas son Berengario, el ayudante del bibliotecario, y el mismísimo bibliotecario Malaquías. Otra de las víctimas, Severino, el herbolario, es asesinado por Malaquías tras descubrir la localización del libro que había escondido Berengario mientras moría sufriendo los efectos del veneno.

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Por otro lado, más allá de un único libro, el acceso a la información también está restringido en esta biblioteca. Sólo el bibliotecario y su ayudante tienen acceso garantizado a los fondos, mientras que Jorge gracias a su veteranía y su liderazgo, además de conocer los secretos de toda la abadía, tienen acceso a los documentos originales. Guillermo de Baskerville durante sus indagaciones se percata que todo el misterio se resume en la posesión de un libro, un libro del que desconoce casi todo, pero del que es consciente que o mata o se mata por él. La obtención de distintas claves, la investigación para descubrir cómo se accede a la biblioteca para evitar el candado del bibliotecario, sirven para aumentar los grados de interés sobre esta historia hasta el desastre final, cuando Jorge acaba con el libro tratando sin conseguirlo de envenenar a Guillermo y a su novicio Adso después.

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Frustrado, Jorge huye con el libro a través del laberinto que constituye la biblioteca, pero desgraciadamente en la persecución uno de los candiles de los monjes cae sobre unos rollos y el fuego destructor acabará con la práctica totalidad de sus fondos. Es en este momento, durante el incendio de la biblioteca más grande de toda la cristiandad, como Guillermo la define, cuando se nos muestra que los libros no son importantes si no se pueden salvar antes las vidas humanas. Guillermo ordena a Adso que huya de las llamas y será el propio Adso quien temerá por la vida de su maestro cuando vea que el fuego lo ha destruido casi todo.

Sirva ésta reseña para ilustrar el día de las bibliotecas, tan importante para nosotros. Y como siempre, la podéis encontrar en nuestra biblioteca DVD PE 3978

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Se acabaron las vacaciones y ya estamos de vuelta en nuestra sección Cinema Paradiso. Queremos celebrarlo dedicándole la entrada a una de las estrellas que más ha brillado en el universo cinematográfico, y esa no es otra que la gran Ingrid Bergman, ya que este año 2015 se cumplen 100 años de su nacimiento.

Nació el 29 de agosto de 1915 en Suecia y murió el mismo día que cumplía 67 años en Londres. En palabras de su propia hija, sería como una forma de perfecta de cerrar el círculo de su vida.

La actriz sueca, uno de los grandes mitos de la época dorada de Hollywood, es recordada especialmente en estas fechas  en todo el mundo. Suecia y Estados Unidos le dedican un sello de correos; en Estocolmo se ha estrenado, con la presencia de sus cuatro hijos, un documental sobre su vida con material inédito, y en el MoMA neoyorquino se ha inaugura un ciclo de proyecciones de sus películas. También se hace, en Madrid, en el Circulo de Bellas Artes y  entre las que figuran algunos de los títulos míticos de la historia del cine: «Encadenados», «Sonata de otoño», «Luz que agoniza», «Juana de Arco» y, sobre todo, «Casablanca».

Isabella Rossellini, la más popular de sus hijas, ha dicho de ella por su parte que «gustaba a las mujeres porque veían en ella su misma naturalidad». Su hermano Roberto la ha definido así: «Fue una mujer libre, independiente, valiente y muy moderna. Rendirle homenaje a ella es rendírselo a todas las mujeres».

Son dos testimonios cercanos e íntimos sobre una mujer que se alejaba del canon de las grandes estrellas de Hollywood, que ofrecía a las cámaras la serenidad de su mirada y la sencillez de su gesto; de una actriz que enamoró a directores como Alfred Hitchcock -con el que trabajó en tres ocasiones-, Víctor Fleming, Stanley Donen o Michael Curtiz; que rodó en cinco idiomas (sueco, alemán, inglés, italiano y francés) y que obtuvo tres Oscar, por «Luz que agoniza» (1974), «Anastasia» (1956) y «Asesinato en el Oriente Express» (1974). Según el American Film Institute, es la cuarta estrella de Hollywood más importante, solo por detrás de Katharine Hepburn, Bette Davis y Audrey Hepburn.

Ingrid Bergman tenía una sonrisa tibia y una mirada transparente, a la que se asomaba con frecuencia la melancolía. Tal vez eran las huellas de su infancia: perdió a su madre cuando apenas tenía dos años y a su padre una década después. Elegante, sincera y sin pretensiones, hizo que la interpretación pareciera tan fácil como respirar. Siempre quiso ser actriz: «Cuando salí del escenario, yo estaba de luto, estaba en un funeral. El mío. Fue la muerte de mi ser creativo», contaba al recordar su primera audición en la Royal Dramatic Theater School de su ciudad natal, Estocolmo. Tras una docena de películas en Suecia el productor David O. Selznick la llevó a Estados Unidos en 1939 para una nueva versión de «Intermezzo». Y solo tres años más tarde, llegó «Casablanca». la historia de amor imposible con Humphrey Bogart -«siempre nos quedará París»- hizo que Ingrid Bergman se convirtiera en una estrella.

Su carrera tomaría un nuevo giro en 1949. Fascinada por el cine de Roberto Rossellini, le escribió diciéndole cuánto le gustaría trabajar con él. Lo hicieron en la película «Stromboli»… Y se enamoraron. Ambos estaban casados pero hicieron público su amor y anunciaron que la actriz estaba  embarazada, y Hollywood la repudió -Ingrid Bergman ya estaba casada con un médico sueco-; el asunto se trató incluso en el Senado de Estados Unidos, que la calificó como «una influencia poderosamente maligna». «La gente veía en mí a Juana de Arco y me convirtió en una santa. No lo soy, solo soy una mujer, otro ser humano», declaró.

Tras siete años de matrimonio llegó el tercer cambio en su vida. La actriz sueca retomó su carrera en Estados Unidos, donde el escándalo que la obligó a emigrar se había ido diluyendo como un azucarillo. Alternó el cine con el teatro, Hollywood con Europa, y se casó por tercera vez. Su último papel fue el de la histórica líder israelí Golda Meir, por el que ganó su segundo Emmy, ya a título póstumo. Un cáncer de mama terminó con su vida en Londres el 29 de agosto de 1982, justamente 67 años después de su nacimiento.

Podemos seguir disfrutando de sus magistrales interpretaciones a través de su obra con películas como: Encadenados DVD PE 317, Casablanca DVD PE 918, Recuerda DVD PE 954, Atormentada DVD PE 993 y 1113, Luz que agoniza DVD PE 947, Stromboli DVD PE 3917, Indiscreta DVD PE 2360, Flor de Cactus DVD PE 3736, Juana de Arco DVD PE 4112.y desde luego, como siempre, podéis encontrarlas en nuestra biblioteca. ¡¡¡Disfrutemos del buen CINE CLÁSICO!!!

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Bajo la apariencia de un melodrama sencillo, la película que reseño hoy, “Slumdog Millionaire”, del año 2008, esconde una conmovedora y emocionante historia con cierto aire a Dickens y decorada al más puro estilo Bollywood. Sin embargo, bajo esa apariencia  convencional encontramos una película impresionante, con una narración ágil y vibrante. Las aventuras, o mejor desventuras de un joven desgraciado que está a punto de lograr el máximo premio de un conocido concurso de televisión consiguen contagiar una buena dosis de optimismo.

Su director, Danny Boyle ha planteado en esta película una historia de amor imposible, con momentos muy tristes de la vida en los arrabales del fascinante Mumbai, pero con la enorme virtud de contarla de una manera espléndida. Sin caer en un simple estereotipo del reflejo de la pobreza para conmover al espectador, ni en una falsa glorificación de la miseria, sino con el enorme acierto de narrar la historia con profunda humildad, aproximándose al realismo y huyendo de efectos moralizantes y doctrinas.

Resulta curioso que haya sido un británico el que haya logrado mostrar mejor y engrandecer un relato propio de Bollywood, aunque sin abusar de sus esquemas convencionales (a excepción del espléndido número musical de los créditos finales), y lo consiga con tanta relevancia. Hay que recordar que, poco a poco, con un presupuesto ajustado ha ido cautivando a crítica y público, así como acaparando múltiples premios, no obstante, se convirtió en el título revelación de la temporada y todo un fenómeno que arrasó en sus estrenos.

La clave de su éxito radica en su sencillez y sobre todo en la forma en  que se  narra. El guión de Simon Beaufoy está milimétricamente diseñado y Danny Boyle ha sabido extraer el máximo partido de la historia de Jamal Malik.

A través del metraje vamos conociendo a Jamal , junto a su experiencia vital, y todo ello nos va a hacer comprender su inesperado éxito en el concurso de televisión en el que participa. A través de  flashbacks cargados  de ritmo y emoción, descubrimos su pasado como niño huérfano, ingenioso y pícaro, que subsiste junto a su hermano y la fascinante muchacha Latika en las calles de Mumbai y todos los peligros de la dura vida en la miseria.

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Todos estos episodios conforman la columna vertebral del filme, donde vemos como Jamal, que nunca se queja de su asquerosa existencia, no cree en el destino escrito y demuestra como él mismo se lo ha ido configurando, a base de dosis de bondad, amor y positivismo. Y, en los últimos minutos de la película, en su mensaje final, transmite la esperanza de que el futuro siempre puede ser mejor, de que el amor verdadero siempre triunfa.

Este relato, aderezado con elementos al más puro estilo Dickens (niños desgraciados en peligro, villanos crueles que los persiguen, …) está planteado sin fisuras, lleno de dinamismo, como un juego del pasado y del presente, y con los momentos justos de humor, romance y drama. Y lo más importante es que contagia emoción, pero con situaciones que no buscan la lágrima fácil y sin embargo sí que consiguen gran empatía con su protagonista. Todo ello producto de un guión inteligente y hábilmente estructurado por Simon Beaufoy y del que su realizador ha sabido sacar el máximo provecho (como ya hicieran ambos trabajando juntos en ‘Full Monty’).

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No obstante y a pesar de todo lo dicho, “Slumdog Millionaire” no es una película perfecta. Se le pueden achacar ciertas carencias y en su último tercio, a medida que los episodios de su protagonista se aproximan al presente, pierde fuerza y podemos decir que quizás peque de blanda en su resolución. Sin embargo, la vida del joven desgraciado que encuentra de golpe y por azar, la suerte que no ha tenido ya ha cautivado al espectador y tan sólo se desprende el deseo de conocer la resolución del concurso y de la historia de amor de Jamal. Sus detractores señalan que resulta artificiosa, poco creíble y efectista, pero no se puede negar que Boyle creía en la historia, que puso lo mejor de sí, y sin duda alguna desprende esa mágica sensación de las buenas películas, de las que gustan y hacen sentir, muy por encima de sus defectos.

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No en vano se alzó con nada menos que 8 Premios de la Academia entre ellos Mejor Película y Mejor Director, 4 Globos de Oro, 7 Premios Bafta, etc. El gran mérito de Boyle es que consigue contar con ingenio y cautivadora emoción un relato intenso, apoyado en una fotografía sublime de colores saturados y una banda sonora exótica y acertada, además de unos actores de rostros desconocidos a los que saca magníficas  interpretaciones (destacando Dev Patel). “Slumdog Millionaire” conmueve, entretiene y al final te deja una sonrisa. Eso, en el cine de hoy en día, es mucho. Así es que sólo nos queda disfrutar de ella y como siempre, la podéis encontrar en nuestra  biblioteca DVD PE 4073

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

horasHoy quiero reseñar una película que tiene mucho que ver con la literatura. Se trata de “Las horas”, basada en la novela de Michael Cunningham, del mismo título y dirigida por Stephen Daldry. Narra la vida de Virginia Wolf , interpretada por Nicole Kidman, enlazada con la de otras dos mujeres interpretadas a  su vez por la gran Meryl Streep y Julianne Moore.

La película, con guion de David Hare y basada en la novela que obtuvo el premio Pulitzer de ficción, trata un día en la vida de tres mujeres distintas, de distintas épocas, que se conectan a través de la obra de Virginia Woolf.

Resulta difícil hablar de una película que se desborda y ante la cual, cualquier cosa que pueda decirse, no deja de ser una visión parcial. Unos pocos personajes, unos escenarios ajustados, unos objetos cargados de significado y esa atmosfera de Chèjov. Seres que  son muy conscientes de dónde están, de hacia dónde van y de cuáles son esas trampas que deben de esquivar y eso es lo que les aterra.

En Las Horas, todos los elementos son importantes y no podría existir uno sin los demás: La historia base de Michael Cunningham, los actores, la música de Philip Glass y el trabajo de David Hare. Sin cualquiera de estos elementos, hubiera fallado, no habría alcanzado el nivel que presenta. Para poder comprender y abarcar la obra en su totalidad, es recomendable profundizar en las cuatro fases.

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Es admirable la adaptación que Hare hace de la premiada novela. Además, el salto a la película de ese guion no habría podido realizarse sin la música de Glass. Su música transmite ese trasfondo que Cunningham crea al meterse en la mente de sus personajes. El trabajo de Glass sirve para unir a las tres mujeres, para mostrar la base sobre la que ellas caminan. No se trata de un ornamento para resaltar imágenes pobres o historias débiles, sino todo lo contrario. El espíritu del libro se traduce en música y esto permite que todo lo demás encaje.

Y a dónde no puede llegar la música, ahí están los actores, especialmente las actrices, que con su trabajo abarcan todos los detalles y matices de la obra.

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Es difícil contar en la pantalla la profundidad psicológica y mental de los personajes, (sobre todo cuando el director se resiste a utilizar una voz en off o la conversación con otro personaje), que lo que quiere mostrar es la vida interior del propio personaje. Todo recae en la actriz que tiene que representar con sus dotes interpretativas ese pensamiento y todas las palabras que no se dicen. Ese es el momento en el que se sabe si alguien es actor/actriz o no lo es. Ahí no caben matices, y son las actrices de ésta cinta, Julianne Moore, Meryl Streep  o Niccole Kidman las que lo avalan.

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Es sobre todo, esto; música, guion, historia,  personajes y un director que logra unirlo para que en ningún momento el ritmo y el interés decaigan lo más mínimo. Es una historia que representa tantos niveles que prácticamente cada espectador tiene una puerta por dónde acceder a ella; una oferta para cada mirada y muchas miradas para una historia que es, sobre todo, una defensa de la mujer frente a un mundo creado por hombres, que son los que se marchan a la oficina y los que corrigen errores de los demás, pero que en el fondo son frágiles y tienen miedos, tal y como los describe Woolf, ajenos a la influencia del libro. El hombre por tanto crea la base y la mujer la historia.

El tiempo en esta cinta es otro nivel de interpretación que permite, como si de otra puerta se tratara, ver la película como una representación de todo el proceso de la literatura. La escritora, la lectora y un salto al futuro que da valor al esfuerzo de la escritora, y es la protagonista. Pocas veces se ha logrado demostrar con tanta eficiencia qué es la literatura y para qué sirve.

Sorprende también la forma en que se trata el tema del amor, que lo imbuye todo y sin embargo es un niño el que pronuncia el único “te quiero” en toda la película. O el tema de la belleza, representada en las flores que compra Clarissa. ¿Cómo se puede conseguir tanto con la representación de la vida de tres personas distintas en un solo día? Y al final, la defensa de Clarissa de esas horas que lo justifican todo: “Vivimos nuestra vida, hacemos lo que hacemos y luego dormimos. Es tan sencillo y vulgar como esto…. Apreciamos no obstante la ciudad, la mañana; por encima de todo confiamos en que sigan existiendo.”

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En resumen, la película habla de unas vidas truncadas por la imposibilidad de los personajes de poder actuar con libertad y seguir el camino que sienten. Y así, las miradas se pierden y los pensamientos vuelan, para luego estancarse, anclados en las horas que avanzan cansadas, aletargadas. ¿Cómo vivir cada día, uno tras otro, con la sensación de que hay algo que no funciona y que no te deja ser feliz? ¿Cómo sobrevivir a las horas, esas horas que llegan después y siempre vienen a recordarte tus desdichas? Por eso, cada hora es importante. En cada hora, debes tratar de inclinar la balanza a tu favor para desear que lleguen las horas siguientes y, a la vez, anhelar que estas horas no pasen nunca.

La vida de tres mujeres en un sólo día; tres dramáticas historias cuidadosamente hiladas a través del delicioso sabor de la literatura. Tres destinos en tres tiempos distintos y que sin embargo comparten, por extraño capricho del destino, un secreto, un sino y una vital decisión, LAS HORAS. Una película intensa y muy reflexiva. ¡Y lo mejor de todo es que la podéis encontrar en nuestra biblioteca!.  DVD PE 2970 

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El pasado día 15 de abril se conmemoró la efemérides del hundimiento del fabuloso transatlántico “Titanic” que realizaba su viaje inaugural entre Southampton y Nueva York. Fue la noche del 14 de abril del año 1912 cuando poco antes de la media noche chocó contra un iceberg y tan sólo dos horas después se hundía en las heladas aguas, a unos 600 Km al sur de Terranova y en la que murió la mayor parte del pasaje; unas 1500 personas entre ahogamiento e hipotermia.

Los restos del Titanic fueron localizados el 1 de septiembre de 1985 por una expedición franco americana a una profundidad de 4.000 metros y a 625 kilómetros al sudeste de Terranova. En ese momento se descubrió que no estaba entero sino partido en dos, lo que sugirió que se había partido en el momento del hundimiento. El descubrimiento de los restos devolvió el Titanic al presente realizándose numerosas exposiciones con objetos hallados en el barco así como difundiéndose su investigación por diversas sociedades históricas y culturales.

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 El suceso del “Titanic” ha protagonizado un gran número de películas y series, siendo la más célebre la película estrenada en 1997, obra del director James Cameron que consiguió ser un gran éxito de crítica y público, ganando 11 Oscar y convirtiéndose en su época en la película más taquillera de la historia (hasta el año 2010 en que fue desbancada por Avatar, otro film del mismo director), con una recaudación mundial total de 2.100 millones de dólares.

En esta película saltaron al estrellato Kate Winslet y Leonardo DiCaprio con justo merecimiento, pero además ofrece mucho más que una bella e impresionante factura técnica. El viaje inaugural del transatlántico de todos los tiempos, ocupado por la crème de la crème de la sociedad británica y americana se le antojó al director como el marco ideal para una apasionada historia de amor. Un romance que pone los pelos de punta y empatiza con un espectador que casi llega a sentirse protagonista de la historia. Rie y llora con las vicisitudes de la pareja perfecta y por supuesto sufre como nadie la angustia por el naufragio. Un réquiem dirigido a las personas que fueron a parar al fondo del mar junto a toneladas de hierro y escombros.

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 En la película, además de apreciarse una intensa labor de investigación, el guión y sobre todo su dirección avalan la validez de una complicada propuesta histórica. Complicada por la inimaginable recreación de unos escenarios colosales, que casi creó cátedra en el empleo de maquetas.

La película se divide claramente en dos partes. Antes del iceberg y después del mismo. En la primera parte se produce el encuentro de la pareja y el amor que surge está muy bien reflejado. Ella, Rose (Kate Winslet) se ahoga en su mundo de perfección y modales en contraposición a la vida libre de Jack (Leonardo DiCaprio) y es lo que hace que se enamore de él. También nos presenta al resto de los personajes y la grandiosidad del barco y en ella encontramos algunos de los mejores momentos de la cinta, como el intento de suicidio de Rose, la fiesta en tercera clase, el dibujo que hace Jack a Rose y la escena del primer beso, en que, como no, gracias a su magnífica banda sonora, consigue ponerte los pelos de punta.

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 Pero es la segunda parte la que logra conmoverte del todo ya que además de mostrar un derroche de efectos y presupuesto, vuelve a mostrar los sentimientos de los protagonistas y su desesperación por mantenerse unidos aunque para ello tengan que hundirse con el barco. La sensación del barco hundiéndose en el mar y la terrible angustia que inunda a todos los que están a bordo está realmente conseguida y hace que el espectador pase más de dos horas frente a la pantalla sin pestañear.

Por su parte, James Cameron consigue que el hundimiento del famoso transatlántico sea el mejor y el más espectacular jamás filmado. Y para que lo saboreemos bien, dedica más de 40 minutos de cinta exclusivamente a su desmoronamiento.

Quizás porque la historia es conocida, sea previsible y por eso esta película es un perfecto ejemplo de que el arte cinematográfico, a pesar de que siempre debe estar respaldado por un buen guion, es un arte eminentemente visual, en el que la puesta en escena resulta determinante para la creación de una obra de arte.

Mi recomendación: ¡No dejéis de verla! Y para eso, como siempre, podéis recurrir a nuestra biblioteca DVD PE 3837. Sigue leyendo

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