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CINEMA PARADISO – Primera plana

Esta semana he estado de baja y me acabo de incorporar, por lo tanto no he tenido tiempo de realizar mi reseña y por eso recurro a una película que reseñé en 2015 pero que es uno de mis clásicos favoritos. Se trata de “Primera Plana”, dirigida  por el genial Billy Wilder (uno de mis directores favoritos), obra maestra basada en la obra teatral homónima de Ben Hecht y Charles McCarthur, que ya había sido llevada al cine por Lewis Millestone en 1931 con el título “Un gran reportaje” y por el gran Howard Hawks en 1940 en la también magistral “Luna Nueva”.

Esta versión de 1974 pone sobre la mesa el periodismo sensacionalista junto a otras cuestiones como la clase política y el sistema penitenciario. En ella se identifican diferentes tipos de periodistas, todos muy reconocibles.

La historia refleja un hecho universal que hoy mismo podemos ver en cualquiera de los noticiarios de televisión, radio o prensa escrita. El reflejo de unos poderes políticos incompetentes, corruptos, donde la avaricia por el poder está por encima de cualquier otro credo.

La película tiene unos diálogos excelentes, algo que destaca siempre en la filmografía de Wilder, con unos toques de humor muy divertidos y un ritmo en el que no hay tiempos muertos.  Nos mantiene constantemente en un diálogo interesante, lleno de ironía, de comicidad y con mucha crítica sobre los diferentes roles que refleja. Pasa de una escena a otra sin dejar que nos demos cuenta de la transición entre ellas, enganchándonos en sus divertidas situaciones llenas de sutilezas del lenguaje.

La acción transcurre en la sala de prensa del Tribunal Supremo, durante unas horas de un día de 1929, en donde los periodistas esperan noticias sobre una inminente ejecución. El indulto o la confirmación de la condena. El director del Chicago Examiner Water Burns (Walter Matthau) espera con impaciencia la crónica de su mejor periodista Hildy Johnson (Jack Lemmon), pero este no da señales de vida, afanado en los preparativos de su inminente boda. Se presenta en las oficinas del periódico y le comunica a su jefe que se retira de la profesión. El jefe si niega, entusiasmado de marcar época en el periódico con la mejor portada de todos los tiempos y se niega a aceptar la dimisión, así es que va a utilizar todas las sucias artimañas de las que es capaz para hacer que la confiada novia de su empleado desista de su casamiento. Mientras tanto, Hildy acude a la sala de prensa del juzgado para despedirse de sus compañeros y celebrar con ellos su inminente boda. Pero pronto se producirá un giro inesperado de los acontecimientos cuando el condenado emprende su huida, una noticia que un periodista vocacional como Hildy no puede dejar escapar.

El reparto es excelente. Destacan como siempre Jack Lemmon y Walter Matthau con una gran química que les llevó a trabajar juntos en innumerables ocasiones. Ambos interpretan unos duelos de campeonato. Carol Burnet se muestra esplendida en su papel de prostituta y novia del reo y Susan Sarandon como futura esposa del personaje de Jack Lemmon.

Una de las claves de este tipo de films de Wilder es su crítica a las convenciones sociales y el modo en que todo encaja a la perfección.

El final de la película, cuando la voz en off nos cuenta lo que ha pasado con todos los personajes con el paso del tiempo, provoca la carcajada y más de una sorpresa. Estamos ante alta comedia, ante una película que se mantiene totalmente actual y que permite ser vista y disfrutada en múltiples ocasiones, donde el guion está construido con maestría. No hay ninguna escena de relleno. La película  dura 105 minutos, justo el tiempo que necesita para contar la historia. Todas las escenas están construidas con una gran sensación espacial y es el espacio uno de los protagonistas, aunando elementos teatrales con elementos cinematográficos de primer nivel. Todos los personajes están muy bien trabajados. Consiguen hacernos reír y sorprendernos. Una de las claves es que la comedia lo impregna, aunque  también adquiere elementos de otros géneros pero sin duda de manera magistral.

La fotografía de Jordan Cronenweth se ajusta a la historia como un guante, igual que la banda sonora de Billy May.

Esta no es la mejor película de Billy Wilder seguramente pero es una obra maestra. Cine en estado puro.

Viendo como están actualmente algunos medios de comunicación y la banalización del periodismo (y de la sociedad en general), “Primera Plana”, adquiere si cabe, mayor dimensión y demuestra que se le pueden dar varias vueltas de tuerca a una historia ya conocida para que sea todavía mejor cuando detrás de la cámara hay  gente como el gran Wilder, probablemente uno de los mejores directores de la historia del Séptimo Arte.

Y como siempre, la podéis encontrar en nuestra biblioteca DVD PE 3946. ¡Animo y a disfrutar del buen cine!

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CINEMA PARADISO – Origen

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Hoy quiero recomendar una película que no resulta fácil de ver ni de valorar. Es una película controvertida. De hecho cuando se estrenó, suscitó un debate tanto sobre el desenlace como sobre la posibilidad de que su director, Nolan, nos hubiese tomado el pelo disfrazando una película de una forma para ser realmente otra cosa. Existen numerosas teorías sobre la película, desde lo plausible hasta hipótesis sin pies ni  cabeza. Para mí, la idea de su director es construir un universo de los sueños.

De hecho, esta racionalización de los sueños es algo que desde determinados sectores se ha atacado con fuerza, en la creencia de que sólo puede mostrarse de forma alocada y con poco sentido, cosa con la que no estoy de acuerdo puesto que, para mí,  es una de las bases del relato.

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El equipo de Cobb, el arquitecto, diseña los sueños, ajenos y propios, a partir de la máquina que tiene a su disposición. Otro elemento muy sabiamente utilizado es el de los totem, los objetos que los personajes utilizan para saber que no están dentro de un sueño ajeno, pero que también ejerce un papel vital dentro del contacto con la realidad del protagonista, ya que el matiz de que el objeto perteneciera anteriormente a su esposa es tan revelador como que el resto de personajes jueguen un papel casi anecdótico en el relato.

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Por lo demás, los sueños son el espacio en dónde Nolan no pone límites a su grandilocuencia visual, con un empleo magistral de la combinación de la cámara lenta y el tiempo que pasa realmente en cada uno de los niveles del sueño, a la hora de ir dando información al espectador.

Posee un deslumbrante diseño de producción y la banda sonora de Hans Zimmer es de las que marcan época. En cuanto al reparto, a pesar de que Nolan con frecuencia  se ha mostrado fiel a aquellos intérpretes con los que ha conseguido una buena sintonía, como Christian Bale o Michael Caine,  en este caso recurre a un actor con el que llevaba años queriendo trabajar, y ese es Leonardo DiCaprio, que siempre le había dado largas, pero que esta vez, al leer el guion, le pareció demasiado suculento como para rechazarlo. ¿Hubiese sido Bale el protagonista de haberse negado DiCaprio?. Muy probablemente, pero ahora resulta imposible imaginar esta película sin DiCaprio en el papel de Cobb.

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La verdad es que DiCaprio es, al igual que Bale en los últimos años, un actor ideal para el cine de Nolan puesto que dota a sus personajes de una tremenda intensidad que casa muy bien con el tono habitual de las obras de este director. DiCaprio comprende a la perfección que Cobb no es un maleante, sino un animal herido al que su mayor don le llevó por el camino de la amargura. Se trata de una elaborada evaluación psicológica del protagonista para conseguir que supere sus heridas emocionales.

En esta película se producen algunos contrastes con respecto al cine anterior de Nolan, en el que las obsesiones no eran algo que se pudieran curar sino que te destrozaban la vida irremediablemente. Aquí, DiCaprio está memorable tirando de carisma al principio para luego ir sacando a la luz su obsesión, el inevitable dolor que trae la misma y su determinación por dejarla atrás.

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El resto del reparto es excepcional. El otro personaje clave es Marion Cotillard, que da vida a la esposa del protagonista y que está magnífica, y más si tenemos en cuenta que oscilar entre algo cercano al concepto de mujer fatal y sufrida esposa que sólo quiere estar con su marido, no es nada fácil. El resto de los personajes son consecuencia de la necesidad de entrar en los sueños ajenos, aunque he de decir que con interpretaciones impecables como Joseph Gordon-Levitt que quizá hubiese merecido un poco más de cancha, pero que tiene  varios momentos de gran lucimiento, Tom Hardy que derrocha carisma y encanto, Ken Watanabe cumple a la perfección como el que encarga el trabajo y Dileep Rao que cumple con corrección en el que quizá sea el personaje menos interesante de la función.

Ellen Page ocupa un lugar especial ya que su personaje tiene más riqueza y desarrollo pese a que se diluya un tanto en el tramo final. Y es que Ariadne es la representación del espectador dentro de “Origen” puesto que es la única que no está realmente familiarizada con lo que el protagonista pretende, así que a través de ella vamos descubriendo lo que nos espera en la segunda parte de la película.

En definitiva, “Origen” es una película muy recomendable, con un acabado técnico impecable, una puesta en escena casi siempre brillante  y un maravilloso trabajo del reparto que compensa con creces sus defectos.

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CINEMA PARADISO – En bandeja de plata

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Hace ya algún tiempo que no reseño un clásico y esta semana le toca el turno a una Comedia con mayúsculas. Se trata de una de las obras maestras del cine del gran  Billy Wilder, “En bandeja de plata”. No es la primera vez que reseño alguna película de este genial director. No en vano es uno de mis directores favoritos.

El maestro Billy Wilder rodó ésta película en 1966. Comedia protagonizada por, nada más y nada menos que Jack Lemmon y Walter Matthau, quien obtuvo el Oscar a mejor actor secundario. El guión venía de la mano del mismo director en colaboración  con I.A.L Diamon y el resultado fue una divertida crítica a las ambiciones económicas y el mundo de las compañías de seguros.

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El argumento nos presenta al ingenuo e influenciable Harry Hinkle, interpretado por el siempre perfecto Jack Lemmon, un cámara de televisión todavía enamorado de su exmujer que sufre una conmoción al chocar con un futbolista en mitad de un partido. Entonces aparece en escena Willie Gingrich (Walter Matthau), su cuñado, un abogado sin escrúpulos que le convence para fingir que su accidente le ha provocado daños graves. Todo eso, con el propósito de cobrar una gran indemnización.

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A ellos dos se le suman la familia de Harry, su hermana y esposa de Willie y la madre, quien al principio puede resultar graciosa pero después de verla llorar durante dos horas termina siendo bastante insufrible. Uno de los personajes más entrañables es el jugador que provoca el accidente, Boom Boom, quien está tan arrepentido que intenta hacer lo posible para enmendar su error, poniendo en un compromiso a los dos protagonistas. Aunque todos los actores están magníficos  en sus papeles, la Academia tuvo razón al darle el premio a Matthau, que parece que nació para interpretar a este abogado tan cínico y manipulador, una delicia verlo en pantalla.

A pesar de que la premisa inicial no parece demasiado original o interesante,  la película consigue aportar ese toque especial que tienen las comedias de esa época, en ocasiones mucho más divertidas y ocurrentes que la mayoría de las que se hacen hoy en día. Es una historia de enredos, combinada con un toque romántico debido a la obsesión de Harry por recuperar a su exmujer y sumándole algunos momentos que se nos quedarán para siempre grabados en la memoria. Destacan momentos especiales como  el final con el cual a muchos se nos paró el corazón, la revelación con la silla de ruedas y la divertida ironía que se desprende de la escena en la cual Harry ve la película sobre Abraham Lincoln: “Se puede engañar a todos en alguna ocasión. Se puede, incluso, engañar a algunos siempre. Pero no se puede engañar a todos siempre”.

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La película, al más puro estilo teatral, está dividida en varios actos: el accidente, el cuñado y la farsa son algunos de ellos, por lo que nos encontramos ante una película perfectamente estructurada, con un guión donde el humor reside en los diálogos ingeniosos y en divertidas situaciones con el sarcasmo como protagonista. Todos esos elementos forman parte de la filmografía de Billy Wilder y quedan plasmados con brillantez aquí. De todas maneras, si se tuviera que señalar el aspecto más flojo de la película podría decir  que es la trama protagonizada por la exmujer de Harry, que parece poco aprovechada y no aporta demasiado al conjunto final.

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Se parodia la figura del abogado sin escrúpulos, la del pardillo que se deja llevar por indolencia e interés y las ambiciones de opulencia y el éxito de la familia americana de clase media. Se critican las miserias que invaden el mundo actual como el  egoismo, la codicia, la hipocresía, la doble moral, mentiras, simulaciones y trampas. Se elogia el deporte, el espíritu deportivo, el servicio desinteresado a los demás (Bum-bum es el único personaje honrado del film). Muestra algunos de los elementos iconográficos preferidos de Wilder como los coches de último modelo, etc.. La obra es muy equilibrada en acierto y mesura, humor y amargura, ironía y melancolía, acidez y ternura, en un conjunto que traspira aires típicamente wilderianos. Las magistrales interpretaciones de Matthau y Lemmon rebosan buena química, se complementan de una manera natural y se percibe un alto grado de plenitud.  Como curiosidad, contar que Matthau sufrió durante el rodaje un infarto de miocardio que le obligó a perder mucho peso, cosa que disimula con el uso ocasional de un abrigo.

La música, de André Previn aporta una excelente partitura original con toques de jazz y un vals emocionante (“The Fortune Cookie”), que acompaña el trepidante baile de Harry en silla de ruedas. La fotografía, de Joseph LaShelle en blanco y negro, subraya el tono agridulce del film, realza la expresión corporal de los actores y aporta comicidad visual como en la escena del baile en silla de ruedas.

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“En bandeja de plata”, junto con El apartamento, Primera Plana o Con faldas y a lo loco, es sin duda una película imprescindible para los amantes del cine clásico y del tándem Lemmon-Matthau. Se trata de una comedia muy recomendable para iniciarse en la filmografía del director.

Y como siempre la podéis encontrar en la biblioteca DVD PE 2077

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Esta semana quiero reseñar un película que no es ninguna novedad, pues se estrenó en el año 2004, pero que merece la pena ser rescatada por ser bastante singular y que si bien trata de relaciones sentimentales entrecruzadas, lo hace de una manera bastante especial. Desde su nacimiento, esta película ha polarizado las opiniones; o te encanta o la detestas, pero lo cierto es que no suele dejar indiferente. Closer es una apuesta visceral y arriesgada ante las reacciones de los espectadores.

Para mí, se trata de una obra de referencia en el cine contemporáneo. Fue estrenada en el año 2004 y dirigida por el irregular aunque fascinante Mike Nichols, autor de El graduado y A propósito de Henry entre otras. Closer es la adaptación al cine de una obra de teatro ácida, lúcida e hiriente. La película lo es aún más si cabe, y da como resultado un film un tanto pretencioso, pero cuyas dolorosas reflexiones sobre el mundo de la pareja son cuando menos interesantes, aunque con un punto espeluznante.

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El egoísmo de cada  miembro de las dos parejas que inician el relato es insalvable, lo que desemboca en una red de infidelidades, abandonos y reencuentros que no hacen sino elevar el sufrimiento de los personajes. ¿Se trata de amor lo que muestra Closer? Podríamos decir que lo es, aunque la forma de mostrarlo es realista, (quizás exagerado en algunas ocasiones), es decir, mezclado con las miserias de la vida y las propias del ser humano. Los personajes tienen tanta capacidad de amar como de engañar, de inspirar felicidad como de provocar un daño cruel y despiadado a aquellos que han amado.

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Según plasma el director, el amor viene y va, no permanece constante, y en el momento en el que no está presente, las personas dan prioridad a otros instintos.

La estructura de la película es mediante episodios de una obra de teatro, entre los cuales se desarrollan otros periodos que pueden despistar al espectador. Sin embargo no es esta la única característica que la asemeja a sus orígenes teatrales, como la puesta en escena, incluso los diálogos largos e incisivos. Por ello, quizás parte del público no se sienta cómodo con una narrativa que les resulta extraña, con un ritmo pausado y que da prioridad a la palabra en lugar de la acción. Justamente lo contrario a lo habitual en el cine.

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La película está repleta de conversaciones larguísimas sobre celos, sexo y traición. A través de ellos podemos observar lo que puede ocurrir cuando un ser egoísta obtiene un poder propiciado por el enamoramiento desmedido de su pareja hacia él. Se observa el espantoso desequilibrio que se produce en una pareja cuando uno siente y el otro no.

Podríamos decir que estamos ante una película antirromántica dónde los personajes principales gozan de una personalidad tremendamente atractiva. Esto se potencia con las magníficas interpretaciones de sus protagonistas. Julia Roberts y Jude Law defienden muy bien sus papeles, pero los que están magistrales son Natalie  Portman y Clive Owen, que nos dejan con la boca abierta haciendo cada uno probablemente la mejor interpretación de su historia.

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Closer es una de las películas más ágiles y cuidadas de los últimos años, con un reparto de actores en alza que dan lo mejor de sí. Además de beneficiarse del texto de una buena obra teatral y  estar hecha por y para sus protagonistas bajo la batuta de un veterano en forma como es Mike Nichols,  deja la sensación de que el espectador una vez termina la película hablará en la cafetería sobre lo que haría en la situación de sus protagonistas, ya que Closer habla de temas tan universales como los celos, el deseo, la infidelidad y el amor, pero se hace de una manera tan elegante e inteligente que hace de esta película una de las sorpresas más agradables de los últimos años.

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Por lo tanto creo que merece la pena ser vista y disfrutada y para ello, como siempre, puedes venir a la Biblioteca y llevártela en préstamo. DVD PE 1918

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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La reseña de esta semana es sobre la película “Las ventajas de ser un marginado”. De 2012, no fue hasta febrero de 2013 cuando se estrenó en España. Si bien es una película sobre adolescentes, no lo es al uso. Los protagonistas son adolescentes norteamericanos que tratan de divertirse y superar sus trascendentales conflictos, desde la perspectiva de un chico introvertido y aspirante a escritor.

Es una adaptación de una novela del propio Chbosky, titulada igual que el film. La historia nos lleva hasta 1991 y se centra en Charlie (Logan Lerman), un chaval muy inteligente, con talento y poco sociable, que prefiere observar la vida desde cierta distancia. Tiene sus motivos, algunos los explica él mismo desde el principio, otros los descubriremos más adelante y el más gordo se lo reserva Chbosky para el tramo final. “Las ventajas de ser un marginado” es un cuidado, amable y fresco retrato generacional con estupendas interpretaciones.

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Charlie es el primer papel en el que Lerman demuestra que tiene algo que aportar como actor. Creo que un chico menos popular habría encajado todavía mejor en el papel pero él está muy convincente, se le ve cómodo en el papel y se comporta con mucha naturalidad. No obstante, quien atrapa la película es Ezra Miller, el perturbador adolescente psicópata de ‘Tenemos que hablar de Kevin’ (‘We Need To Talk About Kevin’, Lynne Ramsay, 2011). Con la facilidad de quien está sobrado de talento, aquí da vida a Patrick, un muchacho extrovertido y carismático que junto a su hermanastra Sam ayudan a Charlie a superar su timidez, hacer amigos y pasarlo realmente bien por primera vez. A descubrirse a sí mismo, aceptarse y participar en la vida. “Somos infinitos“, piensa Charlie, feliz, pletórico, mientras escucha su nueva canción favorita en compañía de sus mejores amigos. Y uno no puede evitar el recuerdo de sus propias experiencias…

THE PERKS OF BEING A WALLFLOWER

Patrick animará a Charlie a salir de su aislamiento, pero es Sam, a quien encarna con naturalidad la encantadora Emma Watson, la que alterará en mayor medida al chico, enamorado total e irremediablemente. Pero, como ya he dicho, esto va de superproblemas. La vida no es fácil, y en el cine esto significa incluir algunos obstáculos que complicarán el camino a la meta para el protagonista. Uno de los tramos más inspirados de “Las ventajas de ser un marginado” está dedicado a los esfuerzos de Charlie por aceptar y superar la idea de ver a la chica que le ha robado el corazón en brazos de otro,  que por supuesto es un necio, y que además ni si quiera a ella le gusta especialmente, pero, reflexionando, ambos llegan a la conclusión de que “aceptamos el amor que creemos merecer“.

Hay escenas muy divertidas como la relación de Charlie con su primera novia (Mae Whitman), el simpático profesor de inglés (Paul Rudd), el homenaje a ‘The Rocky Horror Picture Show’ (Jim Sharman, 1975), que aligeran el tono dramático con el que Chbosky siempre coquetea, buscando el equilibrio adecuado en el retrato de estos tres jóvenes amigos confundidos en transición a la madurez. No faltan los convencionalismos del cine sobre adolescentes como la fauna del instituto. La trama y la evolución de los personajes es previsible. Quizás se puede tachar de falta de ingenio transmitiendo el mundo creativo y las experiencias sensoriales de Charlie y se descuida a la familia del chico, sobre todo a los padres que son siempre una poderosa influencia.

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En definitiva, la película resulta agradable y entretenida. Los momentos humorísticos del guion de Chbosky, el placentero tono optimista, la selección musical y el acertado reparto logran que los 100 minutos que dura “Las ventajas de ser un marginado” se pasen volando. Especialmente dirigida a espectadores que ronden la edad de los protagonistas o los que deseen un nostálgico regreso a las turbulencias de la adolescencia. Y como siempre, podéis encontrarla en nuestra biblioteca DVD PE 3999.

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

faldas Esta semana le toca el turno a un clásico del cine y del gran Billy Wilder , “Con faldas y a lo loco”. Se trata de una entrañable farsa; un sensacional  juego de identidades falsas y equívocos que utiliza Wilder para parodiar el cine de gánsteres y realizar así una de las mejores comedias de la historia del cine. Escribe el guion junto a su habitual colaborador Diamond y consigue que no le sobre ni le falte ni una sola frase. Todo es un engranaje perfecto para situar las peripecias de una travestida pareja dentro de un sinfín de situaciones desternillantes. Para cuando el gran maestro austriaco realizó “Con faldas y a lo loco” (1959), ya contaba en su haber con varias obras maestras: “Perdición” (1944), “El Crepúsculo de los Dioses” (1950), “El Gran Carnaval” (1951) y “Testigo de Cargo” (1957) por nombrar sólo unas pocas. Pero con este relato a cerca de dos amigos músicos que, travestidos, se insertan en una orquesta de señoritas para salvar el pellejo de las garras de la mafia del Chicago de la Ley Seca, escribe una página de oro en la historia de la comedia. Este film de Wilder está considerado en muchos círculos como la mejor comedia de la historia del cine. Aunque pueda parecer exagerado y gustos aparte, no puede negarse que la obra cuenta con todos los elementos necesarios como para hacer justicia con esa sentencia. faldas2 En primerísimo lugar, el propio Wilder. En su doble rol de director y coguionista, hace un trabajo maravilloso. Nada sobra, nada falta en el relato. La puesta en escena es lo suficientemente transparente como para no distraernos de la fábula. Y las líneas de diálogo son ágiles y magistrales. Además, Wilder demuestra su enorme destreza en la dirección de actores. Es sabido que Marylin Monroe tenía buenas dotes de comediante, pero también es cierto que este film la encuentra al comienzo de sus años más oscuros en lo personal y esto suscitó mil y un problemas en el rodaje. Aún con todos los inconvenientes, el resultado es grandioso. Wilder hilvana con maestría una escena detrás de otra ofreciendo una lección de agilidad narrativa y mostrando una cómica visión de finales de los felices años 20 con referencias tanto sociopolíticas como la Ley Seca o culturales en las citas que hace a héroes del cine mudo como Rodolfo Valentino. También, y a ritmo de Jazz, la película destila una “maligna” visión del hombre desde el punto de vista femenino. faldas3 Y el guion es un perfecto ejercicio de literatura cinematográfica. Los personajes están absolutamente dibujados, redondeados, nada es difuso en sus diálogos  o en sus acciones. En el título original (“Some Like It Hot”) incluso, tenemos un doble significado, puesto que al decir “algunos las prefieren calientes”, no sólo se habla en sentido picaresco de la sensualidad y sexualidad que desborda la pantalla, sino también del tipo de música que ejecuta la orquesta de señoritas, variante del jazz denominada, precisamente, “hot”. faldas4 Jack Lemmon y Tony Curtis están magníficos en sus respectivos papeles, convirtiéndose el primero en uno de los actores fetiche de Wilder. Marilyn Monroe también está soberbia, vestida por Orry-Kelly, quien obtuvo un Oscar al mejor vestuario en ésta película, y demuestra sus cualidades como actriz de comedia, incluso como cantante, al interpretar con enorme dulzura temas clásicos como “I Wanna Be Loved By You” o “I’m Through With Love”.  Es de destacar también George Raft que se autoparodia representando el papel de gángster que tantas veces había encarnado en los años 30, entre ellos en “Scarface” de Howard Hawks junto a Paul Muni. faldas5 Joe E. Brown está también sublime interpretando  a un añoso y simpático millonario que vive una estrambótica relación amorosa con Jack Lemmon. Cabe destacar la interpretación del baile entre ambos de “La Cumparsita” como uno de los momentos cumbre se la película. Es él quien con la frase “Nadie es perfecto” pone fin a una de las mejores comedias de la historia del cine. Además, salvo la cautivante comicidad de Jack Lemmon, la enorme simpatía de Tony Curtis, la inconmensurable belleza de Marylin y la asombrosa genialidad del señor Wilder… salvo eso, “nadie es perfecto”. Y lo mejor de todo, como siempre, es que podéis encontrarla en nuestra biblioteca DVD PE 1691 faldas6 Sigue leyendo

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Siguiendo con el cine íntimamente ligado a la literatura, quiero reseñar hoy una película basada en una novela de Sylvia Nassar con el mismo nombre, biografía no autorizada que trata de la vida de John Forbes Nash Jr., un famoso matemático que ganó en 1994 el Premio Nobel de economía tras sobrevivir a una enfermedad tan destructiva como la esquizofrenia. Nash es interpretado por Russell Crowe, que pone toda la carne en el asador para recrear el mundo personal de este hombre. Cuatro Oscars de ocho nominaciones y otros tantos globos de oro, incluyendo en ambos casos a la mejor película, es algo que marca a una película, y que, cuando menos, indica que se trata de una película de calidad. Esto supuso la consagración de Ron Howard, que se llevó el premio al mejor director y con el Oscar en la mano subió también a recoger  el de  mejor película, pues es también el productor junto a Brian Grazer con Image Films, productora que fundaron en 1985. Recogieron ese Oscar de mano de su buen amigo Tom Hanks, al que conocían de películas como Splash o Apolo 13. Los premios ese año fueron extraños. Vencieron al primer Señor de los Anillos (que aun así se llevó cuatro) y a la que parecía favorita Mouline Rouge que ganó sólo dos.

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Ron Howard es uno de esos niños prodigio (conocido en sus inicios como Ronny Howard) que no han llegado a quemarse y que gracias a reconvertirse en director ha triunfado. Hijo de actores debutó con 18 meses. Hizo muchos trabajos para televisión y  cine en películas como American Graffiti, de George Lucas, pero una vez que empezó a dirigir dejó la interpretación. En una película que está basada en hechos reales es importante conocer al personaje en que se basa y los hechos reales que narra. Desde luego viendo al Nash auténtico no parece que tenga mucho que ver con Russell Crowe, que en la película aún conserva los brazos del Gladiador que acababa de hacer, al menos en cuanto al físico, aunque parece ser que la reproducción de sus hábitos sí que está muy bien lograda, de hecho el propio Nash y su esposa estuvieron  en el rodaje.

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Es en la que podríamos definir como la tercera parte de la película en donde vemos el desarrollo y los peores momentos de la enfermedad, tiene gran importancia el papel de Ed Harris. Es curioso porque durante la producción de la película Ed Harris y Russell Crowe luchaban por ganar el Oscar de ese año, El primero por  Pollock y el segundo por Gladiator.. Ganó el segundo.

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En la última parte de la película vemos el envejecimiento de todos los personajes a través de la maestría con el maquillaje; así como  la curación de Nash, su vuelta a Princeton como profesor y el premio Nobel. Precisamente la forma en que se trata esta enfermedad de la esquizofrenia en la película es un valor importante de la misma e incluso ha habido asociaciones que le han dado premios y alabanzas por ello. El director decía que esperaba que después de ver la película la gente mirara de forma diferente a una persona a la que vieran en una esquina hablando sólo, porque esta enfermedad es muy dura y a los esquizofrénicos les hace ver un mundo tan real como en el que vivimos el resto. También se ve la dureza que supone para los amigos y familiares. De todas formas, desde los años en que la sufrió Nash, hasta ahora, se ha avanzado mucho.

Para este hombre la enfermedad empezó ya en la Universidad, pero como a los genios siempre se les ha considerado muy excéntricos, no recibió tratamiento. Ahí es donde empieza la película y ya entonces se ve como le atormenta el mundo y la dificultad para integrarse en la sociedad. La primera parte de la película está rodada en Princeton, en su maravilloso campus. En esa parte hay una escena muy bien hecha que plantea como se le ocurrió su teoría del juego que le llevaría a ganar el Nobel muchos años después, explicándolo en la forma de una chica rubia que entra al bar en dónde estaban él y sus amigos y cómo deben ellos  atacar a ella y sus amigas para llegar al éxito.

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Después de plantear la teoría, la película pasa a tratar sus años trabajando para el gobierno. Es un cambio radical en el estilo y lo que se cuenta es algo menos realista, ya que lo que él hizo durante ese tiempo es confidencial, Top Secret, ni siquiera la tecnología que aparece es de esa época. Cuando empieza a dar clases aparece en escena Jennifer Connelly (que también se llevó Oscar) interpretando a la que llegaría a ser su mujer. La escena en la que se conocen sí que parece ser real. Ella era una alumna y el primer día luchó con él por dejar abierta una ventana, pues hacía mucho calor, a pesar del ruido. La banda sonora también contribuye a hacer que sea una buena película, además de una muy buena fotografía y unas brillantes y exquisitas interpretaciones. Tampoco hay que olvidar las grandes interpretaciones de los secundarios además de Ed Harris. Estamos pues ante una película muy cuidada y que desprende calidad. En definitiva una fantástica película digna de ser vista con una mente abierta. No hay gran acción ni hay efectos especiales fantásticos. Seguramente está sobrevalorada, pero lo que sí es cierto, es que toca la fibra sensible y que obtiene el mejor premio que una película puede obtener y es emocionar al espectador. No dejéis de verla ya que como siempre, podéis encontrarla en nuestra biblioteca DVD PE 4078 Sigue leyendo

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