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CINEMA PARADISO – Nuestro último verano en Escocia

Se acerca el verano y me apetece reseñar algo más ligerito. Esta película está dirigida por Andy Hamilton y Guy Jenkin, veteranos directores de conocidas series de la televisión británica como  “Estas no son las noticias de las nueve” y “Outnumbered”

Responde perfectamente al modelo de comedia dramática para casi todos los públicos al estilo de las series antes mencionadas. Fue galardonada en la  Seminci de Valladolid de 2014 con el premio del público. Merecido premio sin duda, tal y como se puede  comprobar una vez vista.

Hamilton y Jenkin realizan un proyecto que, aunque no es precisamente original, sí que saben dotarlo de bastante encanto, especialmente en lo que a sus personajes infantiles se refiere, haciéndolos protagonistas de la función. Los tres niños ven las cosas sin falsedades ni hipocresía y así se lo hacen saber a los adultos que les rodean, mientras estos callan y sufren en silencio, convirtiéndose en una especie de enigma para los pequeños. En este sentido, hacia la mitad de la película se produce un giro en la trama que provocará que la familia se quite las máscaras de una vez por todas y rebusque en su interior para comportarse como un auténtico grupo familiar, dejando de engañar a los demás y a sí mismos.

Como suele ser norma en las producciones británicas, los actores muestran muy buen nivel, especialmente los más jóvenes, aunque los adultos no les van a la zaga, con David Tennant conocido por su participación en “Doctor Who” y Rosamund Pike, aquí en un registro dramático menos oscuro que el que bordó en “Perdida”,  interpretando a una pareja separada con tres hijos que deciden fingir que siguen siendo una familia unida durante un viaje a Escocia. Para ello necesitan contar con la complicidad de los niños, que no estarán por la labor de ponerles las cosas fáciles. Los tres hermanos son el eje y los protagonistas de la película gracias a la naturalidad y frescura de sus interpretaciones.

El mundo de los niños nos da una visión de la trama prácticamente mitológica, que nos recuerda a las viejas aventuras de Los cinco, donde la imaginación se apodera de la realidad haciendo que los mitos la transformen. Sólo la infancia puede hacer reales a los héroes y nada mejor que las sugerentes tierras de Escocia para vivir sus aventuras y encontrarse con Odín. Pero como no podía ser de otra forma, estas aventuras poseen una moraleja, un mensaje didáctico y esperanzador que en este caso es  la tolerancia.

Como ya he comentado, no nos compromete ni nos hace grandes descubrimientos pero tampoco lo pretende. Se mueve en el plano de lo políticamente correcto, con un mensaje liberal: acepta a los demás tal y como son porque, de lo contrario, les obligarás a fingir o a alejarse de ti. O su contrapartida: atrévete a ser como eres;  si te quieren, te van a seguir queriendo igual.

Destaca especialmente un Billy Connolly,  maestro tanto en comedia como en drama, tal y como como ya ha demostrado en una larga carrera cimentada especialmente en papeles secundarios de películas como “Los elegidos”, “El último samurái” o “X-Files: Creer es la clave”. Interpreta a un interesante personaje que da la clave de lo que quiere contar la película y que al mismo tiempo es toda una lección de cómo funciona la vida, con frases como  cada uno es ridículo a su manera.

Se trata de una historia familiar que no cae en el pasteleo emocional, aunque, a veces se deje llevar un poco por la sensiblería fácil, especialmente  en su tramo final.  “Nuestro último verano en Escocia” es por el contrario una agradable película ambientada en bellos parajes escoceses que sabe sacar la sonrisa en el espectador. Todo ello al tiempo que deja algunas cuestiones en el aire sobre las complicaciones que tantas veces surgen en el ámbito familiar, ese lugar en el que todos nos sentimos incómodos al querer esconder nuestras desnudeces emocionales ante la vista de los que nos conocen más de lo que creemos.

Una película recomendable para todos los públicos y entretenida a pesar de su cierto estilo naif. Y que destaca también por la fotografía de los magníficos paisajes escoceses y la música de  los Waterboys que se hace más patente si cabe al final de la película. Es imprescindible quedarse a los créditos. Ya veréis por qué.

Y como siempre, podéis venir a buscarla a la biblioteca. DVD PE 4587

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CINEMA PARADISO – Yo, Daniel Blake

La pasada semana se fallaron los premios de uno de los festivales de cine más mediáticos del mundo, así como el más importante en términos de proyección internacional; el Festival de Cine de Cannes. Su vocación fundacional sigue viva después de setenta y una ediciones en dar a conocer y respaldar obras de calidad para fomentar la evolución del cine, favorecer el desarrollo de la industria  en el mundo y proyectar el séptimo arte a nivel internacional.

Una de las películas que se han alzado con el galardón más importante de éste festival, la Palma de Oro, es la que quiero reseñar hoy, se trata de “Yo Daniel Blake”, que compitió en la edición de 2016. Es la quintaesencia de Ken Loach, veterano director británico que con esta película tiene el poder de arrastrarnos a un intenso choque emocional.

Por primera vez en su vida, y víctima de problemas cardiacos, Daniel Blake, carpintero inglés de 59 años, se ve obligado a acudir a las ayudas sociales. Sin embargo, a pesar de que el médico le ha prohibido trabajar, la administración le obliga a buscar empleo si no desea recibir una sanción que le anularía las ayudas de las que vive. En el transcurso de sus citas al Job Center, Daniel se cruza con Katie, una madre soltera con dos niños que tuvo que aceptar un alojamiento a 450 km. de su ciudad para evitar que la enviaran a un hogar de acogida. Prisioneros de la maraña de aberraciones administrativas actuales en Gran Bretaña, Daniel y Rachel intentarán ayudarse mutuamente.

La película pone de manifiesto el fenómeno burocrático, todo el monstruoso entramado de las conocidas como sociedades del bienestar, espantoso tinglado formado por asistencia social, oficinas de empleo, cursos, subsidios, paro, pleitos, apelaciones y demás papeleo limosnero. Mil formas de persuasión, trabas y obstáculos constantes, de apariencia inofensiva y de crueldad inusitada. Está impregnada del espíritu de denuncia social que caracteriza el trabajo de Loach.

El éxito de la cinta es también debido al impecable guion de Paul Laverty. En esta ocasión, su argumento nos sitúa frente a los derechos sociales de una ciudadanía de la que el Estado, autodenominado liberal, se defiende como gato panza arriba. Daniel Blake es un empleado modélico, de los de antes. De aquellos que nunca enfermaron, ni llegaron tarde a su trabajo ni un solo día. Que después de un accidente laboral, quisiera reincorporarse, pero razones médicas lo impiden.

Y allí se acaba la lógica. No la de la obra, sino la del mundo en que vivimos, fielmente retratado en la película. Comienzan los talleres para parados que si no se cursan, le supondrán el desahucio. Cursillos que preparan para puestos inexistentes, pero cubren la necesidad del organismo público que así acredita exigir algo al parado a cambio de su prestación.

La coprotagonista ilustra las dificultades especialmente intensas para las familias de un solo cónyuge, el vaciado del centro de las ciudades por la especulación inmobiliaria, que aboca a vivir lejos del lugar donde se disponen los servicios comunes, … Es decir, “Yo Daniel Blake” ahonda en las contradicciones de nuestro sistema, en las víctimas que crea y en la terquedad con que se ceba en estas.

Todas estas miserias nos la cuenta Ken Loach de forma cruda, con un realismo apabullante, a través de las vidas de dos personas anónimas que comparten las desgracias de un sistema económico deshumanizado. Como todas sus películas ésta es lenta y minuciosa, reflejando detalles que podrían parecernos inútiles pero que nos sumergen cada vez más en los personajes, haciéndonos empatizar con ellos.

Habitualmente se dice que las películas de Loach dejan mensaje. Esta en particular, no sólo nos lo deja, sino que además nos llama a la acción a  preocuparnos por ese submundo para muchos de nosotros inexistente, a hacernos reflexionar sobre lo mal que lo pueden estar pasando muchas personas, incluso de nuestro entorno. En definitiva, a hacernos más humanos.

Denuncia social, canto a la bondad humana, y 100 minutos de sentimientos a flor de piel para  conmovernos y darnos ese empujón de salir del cine queriendo hacer mejor las cosas y con otra perspectiva. Altamente recomendable y necesaria de vez en cuando.

Y como ya sabes, para disfrutar de ella, nada tan fácil como pasar por la biblioteca y llevártela a casa: DVD PE 4605

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CINEMA PARADISO – La teoría del todo

Recientemente ha fallecido Stephen Hawking, físico teórico, astrofisico y cosmólogo, además de gran divulgador científico cuyos trabajos han cambiado el mundo científico y el concepto que de él se tenía. Fue diagnosticado de ELA cuando contaba sólo  21 años, con una reducida esperanza de vida pero que finalmente ha muerto con 76 años el pasado 14 de marzo.

Hoy quiero reseñar una película que se hizo sobre él en el año 2014. Se trata de “La Teoría del Todo”, un biopic en el que destaca especialmente su elegante  narrativa y  estilo y sus interpretaciones  más que notables.

La película se basa en un libro escrito por la primera esposa de Hawking, Jane Wilde, “Travelling to Infinity: My Life with Stephen” y de quien él mismo dijo que fue uno de los personajes más importantes de su vida. Refleja por tanto el lado humano del científico; ese que a menudo no conocemos.

“La teoría del todo” busca el equilibrio entre la faceta personal y la profesional  y en ella nos encontramos con potentes detalles que van desde la búsqueda de una única fórmula que explique el origen del universo… hasta la búsqueda de una tecnología que permita a Hawkins (lo que no le permite la ELA)  dar a conocer al mundo toda su erudición. Además, el romance, aunque pueda emplear más minutos de los deseados, está tratado con acierto, delicadeza y madurez.

Cuenta una historia de amor desde los ojos de una mujer que decidió comprometerse con un hombre que padecía una enfermedad degenerativa que, según los médicos, le quitaría la vida pronto. Y de cómo  una mujer se las puede arreglar para llevar adelante un hogar habitado por tres hijos y un marido con una severa discapacidad motriz.

Los momentos dulces de esa vida se fueron transformando en momentos de frustración y sacrificio y eso es precisamente para muchos, lo que hace empática a esta historia.

“La teoría del todo” nos narra la vida de Hawkins desde que es un vital, optimista y “friki” estudiante de Cambridge hasta que es recibido en audiencia por la reina de Inglaterra. Durante este periodo observaremos su romance con Jane, los síntomas degenerativos de su enfermedad, su diagnóstico, su evolución, su doctorado en Cambridge, la redacción de su libro científico-divulgativo “Una breve historia del tiempo” y su éxito y relevancia a nivel mundial y científico. Todos estos acontecimientos de la película están genialmente interconectados.

El guion es natural y está bien escrito y, gracias a él, la multitud de sentimientos y reflexiones que nos despierta, la rabia al observar la vida que pudo tener el protagonista y no tuvo, las alegrías del amor familiar que experimenta, los sentimientos de pena, de triunfo, etc., se transmiten magistralmente. La historia de amor se relata con sencillez y tacto pero también con complicidad; el compadreo universitario y la amistad se empapa en el espectador como algo encantador, las apuestas investigadoras de Hawkins  son llamativas, relevantes y trascendentes.  Así mismo, el drama de la ELA se convierte en una desventura multidimensional, cargada de momentos agridulces, con un protagonista que ya nos ha calado completamente como un joven, ignorante de cuál será su destino, un destino que le tiene preparadas muchas trabas y alguna que otra satisfacción, como el hecho de saber que el cerebro no está afectado por esta enfermedad y, aunque los médicos le dieron una esperanza de vida de 48 meses (y, como he comentado, ha vivido hasta los 76 años) decidió seguir con su vida como quiso y planeo: se casó, tuvo hijos y siguió con sus estudios e investigaciones.

 

Aunque la historia y el drama de amor puede resultar menos interesante, el punto fuerte de la película lo marca la manera en que Marsh nos explica la enfermedad de Hawking y cómo la llevó; además de la increíble actuación de Eddie Redmayne que hace de Stephen Hawking, quien con meses de ensayo junto con un bailarín, logró recrear el poco movimiento con el que Stephen vivió durante años, sin exagerar.

Realmente la transformación física de este actor británico es impresionante y su interpretación, que fácilmente podía rayar en la exageración, se mantiene siempre en el terreno de lo natural. Parte de ese logro se debe a que Redmayne preparó intensamente su cuerpo para evitar los efectos especiales y con ello sentir a su personaje y la descomposición física que ha ido sufriendo. Pero aun siendo Hawking el eje principal de la película, Felicity Jones es igual de importante interpretando a su primera esposa Jane Wilde. Pausada, amorosa, sometida a una situación extrema, sacrificada, valerosa o dudosa, esta actriz hace un papel fantástico. La química lograda entre ambos es muy buena y real. Definitivamente ambos llenan la pantalla, pero también hay otras interesantes presencias como las de Charlie Cox, Emily Watson y David Thewlis.

Narrativamente la película podría resultar lineal para algunos, sin mayores altibajos o giros que le cambien su ritmo, pero es el clasicismo con el que se aborda este biopic, otro de los aspectos que más  gustan de esta película, al igual que su extraordinaria banda sonora a cargo de Jóhann Jóhannsson, creando una de las piezas más exquisitas para una película de esta naturaleza, transmitiendo delicadeza, sencillez y emotividad.

La película en definitiva está bien dirigida, es  respetuosa con la vida privada de Hawking y su primera esposa, y  destaca en lo humano de una situación tan compleja, sin caer en el drama trágico, melancólico o depresivo, ni en el humor forzado.

La película tiene la aprobación del mismo Stephen Hawking y ha sido aclamada como una buena cinta por la crítica que la compara con producciones como El Discurso del Rey (2010).

Ha obtenido importantes premios como el Oscar a mejor actor en la edición 2014, obteniendo además 5 nominaciones. Así mismo obtuvo dos Globos de oro a mejor actor y mejor banda sonora original. Obtuvo así mismo los premios Bafta a mejor actor, mejor film británico y mejor guión adaptado. También fue galardonada por el Sindicato de Actores, etc.

En definitiva se trata de una historia real de superación y como siempre la podéis encontrar en la biblioteca DVD PE 4263

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CINEMA PARADISO – La señorita Julia

Antes que cine fue teatro. Su autor, August Strindberg la escribió para ser representada sobre las tablas, en un escenario entre cuatro paredes, y eso se nota. Dirigida por Liv Ullmann, se ha dicho de ella que es la adaptación más seductora y oscura del gran clásico teatral.

La historia se centra en Julia, una mujer aristócrata que rompe todas las convenciones sociales y en la noche de San Juan vive un momento de auténtica pasión con su criado John. La auténtica protagonista es la lucha entre clases, una lucha dura, dramática y agresiva incluso lo que hace que la historia sea bella pero terrible al mismo tiempo.

Es un relato apasionante que cuenta con dos personajes complejos y muy atractivos: Julia y John. Ambos evolucionan tanto a lo largo de la historia que a veces cuesta trabajo saber quién es el criado y quién el aristócrata. De igual forma, el guion conserva la fuerza y la inteligencia de la original obra teatral.

Sin embargo, quizás se note demasiado que no ha sido creada para la gran pantalla. En mi opinión, un texto teatral bien llevado al cine no debería aparentar en exceso haber sido lo anterior, y en este caso quizás se haga demasiado evidente. Pero sólo por poner un “pero”.

Muchas de las imágenes son de una belleza excepcional y el final está tratado con mucha delicadeza y tiene la capacidad de conmover al espectador. Al mismo tiempo han sabido intercalar escenas para variar la escenografía primitiva adaptándola así al mundo cinematográfico, ampliando  espacios con bastante acierto.

La actriz Jessica Chastain interpreta a Julia de forma extraordinaria, resultado no sólo del talento de la actriz, que lo tiene y mucho, sino también de la labor magistral de dirección por parte de Liv Ullmann, que antes de ser directora, fue actriz, y de las buenas. El resultado de estos trabajos se refleja a la perfección en los ojos de Jessica Chastain que se cargan de verdad o de pasión o de miedo, dependiendo de la escena. A esto ayudan también unos primeros planos excepcionales que colaboran a dar impresión de cercanía y empatía al espectador.

Colin Farrell por su parte interpreta a John, el criado de la casa y al principio quizás resulte poco creíble, pero a medida que avanza la película su trabajo se va haciendo magnífico y te va atrapando. Es de destacar también el papel de Samantha Morton que encarna a Kathleen, la criada de la casa y novia de John.

El reparto lleva a cabo un trabajo excelente, las imágenes son agradables, la historia es lo suficientemente turbulenta, casi cercana al thriller, como para interesar, pero, a veces (como sucede en otras muestras de teatro filmado como Closer, reseñada por mi anteriormente), a uno  le está dando la impresión de estar viendo una obra de teatro y no una verdadera película. Y sin embargo todo eso es perdonable gracias a la calidad del film.

Tormentas psicosexuales aparte, quizá el tema más estimulante de La señorita Julia es, como he mencionado antes,  el del choque de clases, que no tiene tanto que ver con riqueza versus pobreza, como con la convivencia de dos especies distintas de seres humanos. Hoy en día, la aristocracia empieza a ser algo en vías de extinción, reducida a sus propios espacios, y tendemos a pensar que el concepto de “clase” equivale a riqueza, pero hasta hace unas décadas esto no era así. Esta película puede ser un buen ejemplo para entender realmente qué significaba “clase alta” y “clase baja” en el sentido de entonces.

En definitiva la película es un ejercicio narrativo excelente, apoyado por la magnífica interpretación de sus dos actores principales. Muy recomendable. No te la puedes perder. Y como siempre, puedes encontrarla en la biblioteca. DVD PE 4295

(Fuente: http://www.thecult.es) Sigue leyendo

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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La película que quiero recomendar esta semana  es una de mis favoritas, no solo por su calidad cinematográfica sino también por la gran cantidad de detalles que encierra. Es admirable, por ejemplo, el modo en que se narra la historia de amor callada entre los dos protagonistas. Pocas historias de amor contadas en el cine suelen llegar a un clímax más alto que la escena en la que el ama de llaves trata de arrebatarle al mayordomo la novelita que está leyendo.

Lo que queda del día (el título literal sería ‘Los restos del día’) es una adaptación extraordinaria de la no menos extraordinaria novela de Kazuo Ishiguro, un novelista nacido en Nagasaki, pero cuya familia se trasladó a Inglaterra en los años sesenta, y que desde 1982 posee nacionalidad británica. Esta fue su tercera novela, en la que evidencia un conocimiento pasmoso de la historia y las costumbres de su país de adopción. El guión es de la también novelista, y frecuente autora de los guiones de Ivory, Ruth Prawer Jhabvala.

En principio podría parecer que el secreto de las interpretaciones está en los actores, Anthony Hopkins y Emma Thompson, pero si bien es verdad que es una de las fortalezas de la película, tiene otras muchas como por ejemplo el magistral guion que la sostiene, una composición excelente y una muy brillante dirección.

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Su director, Ivory, uno de los directores más lentos del cine norteamericano, aunque muchos le creen británico, quizás porque se adapta muy bien a los temas británicos, venía de triunfar con “Regreso a Howards End” , un melodrama al más puro estilo británico con la misma pareja como protagonista y que le dio un buen número de premios y reconocimientos, pero sin duda se ve ampliamente superada por la que hoy comentamos.

Lo que queda del día es una obra maestra, cuyo argumento no es, en principio más complejo que la narración de la dedicada vida del mayordomo al servicio de un aristócrata inglés que coquetea con el nazismo en un país que aún no tenía demasiado clara su posición en la Segunda Guerra Mundial. Pero ésta no es una película de espías, por mucho que su director hay querido dejar claro las ansias de buena parte de la aristocracia y la nobleza británica por alcanzar un pacto de no agresión con la Alemania nazi. Tampoco se trata, a pesar de lo que a priori pueda parecer, se trata de una película que trate de enseñarnos el funcionamiento de una casa de la época y el papel que desempeñaba el servicio. Esta película narra la historia de amor entre el Sr. Stevens, el mayordomo, tremendamente comedido y entregado a su obligación, el trabajo, la única pasión de su vida y que ve como su mundo se ve trastocado por la incorporación al servicio de la señora Kenton, una mujer que está deseando empezar a vivir y que desea que en su viaje le acompañe un Hopkins demasiado resguardado en su intimidad. Pero pese a esta descripción del argumento, no va a ser una historia convencional. Aquí el amor se destila en silencios, en gestos, en miradas. Resulta una  narración muy elegante con unas interpretaciones muy acertadas.

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Cuenta con una estructura clásica que parte de la memoria de Stevens rememorando los detalles de una época pasada, la que vivió junto a la señora Kenton, mientras acude a su encuentro, en una especie de repaso de errores cometidos y en el  director opta por unas descripciones detalladas en lo estético y contenidas en cuanto a lo interpretativo.

Magníficas  las descripciones y momentos que contiene la película, como la escenificación de la dualidad de poder entre el mundo de los sirvientes y el de los señores, pero sobre todo quiero dejar patente que la película se hace  grande gracias a las interpretaciones de sus dos protagonistas  y a la perfecta disposición de cada una de las escenas. Sin duda, la más recordada, como ya comenté antes, es el encuentro entre el mayordomo y el ama de llaves, cuando ella trataba de arrebatarle el libro que lee, mientras él recorre con su mirada el alma de su amada, y siente, a través de ese mínimo contacto, como ella rompe su barrera y le invade en su intimidad para siempre. Es sencillamente magistral la interpretación de Hopkins, como casi siempre. El papel del mayordomo  es fácilmente uno de sus tres o cuatro más perfectos y sobrecogedores. Creo que muy pocos actores en el mundo hubieran podido dar vida a un personaje tan reprimido, tan impasible, y sin embargo tan atormentado en su interior.

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A su lado, Emma Thompson está en el papel de su vida. Esta magnífica mujer y actriz no es que esté perfecta como la señora Kent. Es que es la señora Kent de los pies a la cabeza, y hay momentos fugaces que hacen estremecer, instantes inimaginables en los que acompaña a Hopkins.

Por todo esto y por mucho más, es una de esas películas que te marcan para siempre y cuya enseñanzas se resumen en  que por escaso tiempo propio de que se disponga, por muchos errores que se puedan cometer, siempre hay que hacer algo en el presente antes de que se convierta en pasado.

¡Disfrútenla!

DVD PE 3192.

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Hola a  todos. Ya estoy de vuelta de las vacaciones de Navidad y estrenando un nuevo año. Quiero hacerlo con una película titulada “Another Year”, otro año, y con ella quiero desearos a todos Feliz Año Nuevo.

Se trata de una película británica del director  Mike Leigh, que junto con Ken Loach y Stephen Frears forman el trio de oro del cine británico especializados a menudo en crónicas contemporáneas de una sociedad que mira hacia el presente con ira y al futuro con miedo. Concretamente Leigh no ceja en su empeño de retratar a la clase media y baja, aunque sin la dureza de antaño.

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Las historias de las personas normales, por lo general no son llevadas al cine ni son objeto de novelas ni de cuentos. Por el contrario perdurarán solamente en el recuerdo de sus seres queridos con cariño y en forma de ejemplo. Por eso es notable que Leigh realice una película que trata de un año más en la vida de unas personas corrientes. Pero lo más notable es que se logre atrapar al espectador con una serie de historias paralelas absolutamente simples. Leigh escribe un  guion  sorprendente con su lógica y su naturalidad, de forma que a cualquiera le puede resultar cercano, como parte de la vida diaria, pero no por ello carente de giros inesperados que mantienen la atención.

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Esto lo consigue de la mano de un grupo de actores consumados, plenamente identificados con la trama, de manera que parece que la cámara está simplemente registrando sus vidas, indiscreta pero a la vez amablemente.

Una pareja ya entrada en años, Gerry, consejera emocional y Tom, geólogo, ha logrado mantenerse unida y feliz. La película narra los eventos que la rodean durante las cuatro estaciones de un año más, de un año cualquiera en medio de amigos, compañeros de trabajo y familiares, que agregan sufrimiento y felicidad a sus vidas cotidianas.

La cámara de Leigh se acerca a la pareja y a su vida con amor, con respeto, registrando sus giros emocionales y su fresca sabiduría como si estuviera filmando dentro de su esencia interior.

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Para que una historia sobre la cotidianeidad de una pareja en el otoño de su vida valga la pena y  despierte interés, es menester hacerlo creando contrastes, suspense, inquietudes. Es importante también tejer algunas historias paralelas, cuidando de no dar todos los detalles  pera que el espectador pueda completarlas por sí mismo ayudado de su imaginación. El director se ayuda para eso de las expresiones de los personajes y juega con sus miedos para dar tono a la película, matizándolo todo con las cuatro estaciones del año en un recurso que, aunque ya utilizado mucho en el cine como hilo conductor, aquí contribuye muy bien al ritmo de la película. Pues son precisamente las estaciones las que rompen el ritmo de vida dentro de la monotonía  de una año.

La película se atreve a profundizar e investigar a cerca de una pregunta fundamental: ¿Cómo se logra y cómo se pierde la felicidad cotidiana?. La vida en pareja de dos personas que se quieren, que se aceptan, que se ilusionan mutuamente, es la fuente de la felicidad y de la armonía colectiva, pero que se extiende más allá de las fronteras del hogar, de la casa, del jardín y del huerto familiar. Ésta es la vida de la pareja que  se contrapone con la vida solitaria que no logra establecer lazos profundos, que está rodeada de aventuras superficiales, de miedos y de celos egoístas que endurecen las expresiones, los gestos y las palabras  y perturba a los que se acercan generando complejidad en las relaciones humanas, que sería el caso de Mary, la compañera de trabajo de Gerry.

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La respuesta es tan simple y tan evidente como la vida misma. La respuesta está en ser capaces de apreciar las pequeñas cosas de la vida cotidiana sin permitir que las tristezas crezcan en el alma apoderándose de ella. La clave puede ser la amistad basada por ejemplo en compartir una conversación con los amigos o con los hijos. Amistad que es capaz de sentir al otro sin juzgarlo duramente cuando falle o cuando esté triste. Esto se puede enseñar y se puede compartir.

El personaje de Mary es esencial en la historia ya que muestra una dosis de tristezas y desaciertos que balancea la sabiduría natural de la pareja protagonista. Se trata de una mujer de naturaleza inestable y llena de complejos, que comete errores, que se rodea de relaciones truncadas y de pequeños y continuos desastres emocionales. No debería de ser así pues es inteligente, tiene sentido del humor y es atractiva, pero realmente no sabe manejar la cotidianeidad y se equivoca y se hunde cada vez más, hasta el punto de hacer que Gerri, que trabaja como consejera emocional y que, además es su mejor amiga, la rechace.

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Pero en esta historia gana la empatía y Tom y Gerri, con sencilla y tolerante maestría logran abrir la puerta a la esperanza, incluso para Mary. Nos hacen sentir que algo muy profundo suena en nuestro interior y nos proporcionan una increíble lección de vida y solidaridad al alertarnos de que cuando el otro se hunde, siempre podemos extender la mano amiga y darle la sensación de que tiene otra oportunidad.

Vale la pena dejarse llevar por esta película y hacerlo con los ojos puestos en la vida real, en el día a día de nuestra vida para que así los años, en vez de gastarse, se vivan.

Y como siempre la podéis encontrar en la biblioteca DVD PE 3704.

Además, muy pronto vamos a poner a disposición del público un montón de películas nuevas que nos han traído los Reyes Magos para todos vosotros. ¡¡¡NO OS LAS PODÉIS PERDER!!!

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Bajo la apariencia de un melodrama sencillo, la película que reseño hoy, “Slumdog Millionaire”, del año 2008, esconde una conmovedora y emocionante historia con cierto aire a Dickens y decorada al más puro estilo Bollywood. Sin embargo, bajo esa apariencia  convencional encontramos una película impresionante, con una narración ágil y vibrante. Las aventuras, o mejor desventuras de un joven desgraciado que está a punto de lograr el máximo premio de un conocido concurso de televisión consiguen contagiar una buena dosis de optimismo.

Su director, Danny Boyle ha planteado en esta película una historia de amor imposible, con momentos muy tristes de la vida en los arrabales del fascinante Mumbai, pero con la enorme virtud de contarla de una manera espléndida. Sin caer en un simple estereotipo del reflejo de la pobreza para conmover al espectador, ni en una falsa glorificación de la miseria, sino con el enorme acierto de narrar la historia con profunda humildad, aproximándose al realismo y huyendo de efectos moralizantes y doctrinas.

Resulta curioso que haya sido un británico el que haya logrado mostrar mejor y engrandecer un relato propio de Bollywood, aunque sin abusar de sus esquemas convencionales (a excepción del espléndido número musical de los créditos finales), y lo consiga con tanta relevancia. Hay que recordar que, poco a poco, con un presupuesto ajustado ha ido cautivando a crítica y público, así como acaparando múltiples premios, no obstante, se convirtió en el título revelación de la temporada y todo un fenómeno que arrasó en sus estrenos.

La clave de su éxito radica en su sencillez y sobre todo en la forma en  que se  narra. El guión de Simon Beaufoy está milimétricamente diseñado y Danny Boyle ha sabido extraer el máximo partido de la historia de Jamal Malik.

A través del metraje vamos conociendo a Jamal , junto a su experiencia vital, y todo ello nos va a hacer comprender su inesperado éxito en el concurso de televisión en el que participa. A través de  flashbacks cargados  de ritmo y emoción, descubrimos su pasado como niño huérfano, ingenioso y pícaro, que subsiste junto a su hermano y la fascinante muchacha Latika en las calles de Mumbai y todos los peligros de la dura vida en la miseria.

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Todos estos episodios conforman la columna vertebral del filme, donde vemos como Jamal, que nunca se queja de su asquerosa existencia, no cree en el destino escrito y demuestra como él mismo se lo ha ido configurando, a base de dosis de bondad, amor y positivismo. Y, en los últimos minutos de la película, en su mensaje final, transmite la esperanza de que el futuro siempre puede ser mejor, de que el amor verdadero siempre triunfa.

Este relato, aderezado con elementos al más puro estilo Dickens (niños desgraciados en peligro, villanos crueles que los persiguen, …) está planteado sin fisuras, lleno de dinamismo, como un juego del pasado y del presente, y con los momentos justos de humor, romance y drama. Y lo más importante es que contagia emoción, pero con situaciones que no buscan la lágrima fácil y sin embargo sí que consiguen gran empatía con su protagonista. Todo ello producto de un guión inteligente y hábilmente estructurado por Simon Beaufoy y del que su realizador ha sabido sacar el máximo provecho (como ya hicieran ambos trabajando juntos en ‘Full Monty’).

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No obstante y a pesar de todo lo dicho, “Slumdog Millionaire” no es una película perfecta. Se le pueden achacar ciertas carencias y en su último tercio, a medida que los episodios de su protagonista se aproximan al presente, pierde fuerza y podemos decir que quizás peque de blanda en su resolución. Sin embargo, la vida del joven desgraciado que encuentra de golpe y por azar, la suerte que no ha tenido ya ha cautivado al espectador y tan sólo se desprende el deseo de conocer la resolución del concurso y de la historia de amor de Jamal. Sus detractores señalan que resulta artificiosa, poco creíble y efectista, pero no se puede negar que Boyle creía en la historia, que puso lo mejor de sí, y sin duda alguna desprende esa mágica sensación de las buenas películas, de las que gustan y hacen sentir, muy por encima de sus defectos.

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No en vano se alzó con nada menos que 8 Premios de la Academia entre ellos Mejor Película y Mejor Director, 4 Globos de Oro, 7 Premios Bafta, etc. El gran mérito de Boyle es que consigue contar con ingenio y cautivadora emoción un relato intenso, apoyado en una fotografía sublime de colores saturados y una banda sonora exótica y acertada, además de unos actores de rostros desconocidos a los que saca magníficas  interpretaciones (destacando Dev Patel). “Slumdog Millionaire” conmueve, entretiene y al final te deja una sonrisa. Eso, en el cine de hoy en día, es mucho. Así es que sólo nos queda disfrutar de ella y como siempre, la podéis encontrar en nuestra  biblioteca DVD PE 4073

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