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CINEMA PARADISO – Tarde para la ira

El pasado fin de semana se entregaron los Premios Goya que concede la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas. El cine español está de fiesta y es por eso que esta semana quiero reseñar la cinta “Tarde para la ira”, un thriller dirigido por Raúl Arévalo y protagonizado por Antonio de la Torre entre otros, que obtuvo el galardón a Mejor Película en la edición del pasado año. Fue nominada para 11 categorías y se alzó con cuatro premios Goya; el ya mencionado a la  Mejor Película y además, Mejor Dirección Novel, Mejor Actor de Reparto para Manolo Solo y Mejor Guion Original para Raúl Arévalo y David Pulido.

La película se desarrolla en un ambiente rural de la España profunda, en cierta semejanza con la también premiada y protagonizada por el propio Raúl Arévalo, “La isla Mínima” y que responde al mismo tipo de cine, en donde el crimen, la venganza y la tragedia marcan el guion, muy influenciado por ese  tipo de cine que se hacía sobre todo en los años 70 en España y que nos recuerda nombres de directores como Pedro Olea, Mario Camus o Víctor Erice.

Muestra personajes profundos, complejos y muy bien dibujados, creando una atmósfera asfixiante y personalísima, sin trampas en el guion y con magníficas localizaciones que le dan a la película una personalidad propia. A eso ayuda también una magnífica banda sonora y unas interpretaciones de sobresaliente. Antonio de la Torre está magistral de principio a fin, Se adapta al personaje como a un guante, quizás porque Raúl Arévalo confesó que diseñó el personaje pensando en él.

Creo que es una película que habla de la muerte en vida, de la desesperación y el odio, y de cómo el rencor y la venganza forman parte del ser humano; es la sensación de que el tiempo nunca cura el dolor auténtico.  El debut de Raúl Arévalo como director seguro que no va a dejar indiferente a nadie. Creo que es una película emocionante, muy bien dirigida y con una narración muy limpia. El director utiliza muchos primeros planos para conseguir transmitir con más eficacia las emociones de los personajes. Esto unido al grano de la cinta, hacen que la atmosfera sea más opresiva y transmita calor.

El guion, a pesar de ser sencillo y nada novedoso, está muy bien construido y sin embargo podemos decir que éste sería el aspecto más flojo de la cinta, que es una de las mejores películas que se han hecho en España últimamente. Disfruté mucho apreciando el avance y la evolución de los personajes, especialmente del dúo  De la Torre y Calleja que se complementan a la perfección y que transmiten esa tensión opresiva en todo momento.

“La venganza se sirve fría” y “tarde es para la ira” pero la venganza viene cuando viene y vemos cómo los acontecimientos se precipitan mostrando un espectáculo frio y tenso en el que el director no se regodea sino que simplemente lo muestra.

Me parece una excelente película y fue una sorpresa para mí descubrirla. No falta ni sobra nada; ninguna escena que podría haberse suprimido. Es dura, arriesgada, precisa y desoladora al mismo tiempo. Altamente recomendable.

Y ya sabéis. Es tiempo de frio, es tiempo de cine y nada mejor que pasar la tarde con una película al calor del hogar. Pasa por la biblioteca y llévatela. DVD PE 4466

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CINEMA PARADISO – Blancanieves

Después de unas vacaciones en el mes de diciembre  y una baja por enfermedad durante el mes de enero, vuelvo a retomar mi actividad laboral y con ella la reseña semanal de cine como viene siendo habitual desde hace unos años.  Estoy feliz de poder hacerlo de nuevo.

El próximo fin de semana se van a fallar los Premios Goya, la fiesta del cine español por excelencia. Son los galardones que anualmente otorga la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España con el fin de premiar e incentivar  a los mejores profesionales y a los mejores trabajos de las distintas categorías  del sector durante el año anterior a la entrega del galardón. El nombre de “Goya” se debe a que la estatuilla con la que se premia es un busto de Goya pues se pensó que el genio había tenido un concepto pictórico muy cercano al cine ya que en muchas de sus obras se puede apreciar un tratamiento secuencial; además se trataba de un nombre corto, a semejanza de otros grandes premios del cine.

La primera edición tuvo lugar en marzo de 1987 en el teatro Lope de Vega de Madrid y desde entonces se ha celebrado cada año. Sólo un año la gala ha salido de Madrid para celebrarse en Barcelona pero salvo en esa ocasión, siempre se celebra en Madrid.

En el año 2012 obtuvo el galardón  en la categoría de “Mejor Película” precisamente la que quiero reseñar hoy como homenaje a los Premios Goya. Se trata de “Blancanieves”, una película muy peculiar sobre todo en su formato, pues se trata de una película muda, en blanco y negro y con la música como hilo conductor.

Su director, Pablo Berger, y en general todo el equipo se llevó un varapalo cuando, después de años de duro trabajo y estando la película a punto de presentarse, saltó la noticia de que The Artist, película también muda y en blanco y negro,  se había estrenado y con gran éxito, como luego demostró en los Oscar.

Lo cierto es que, tras su estreno, la película cautivó al público de las salas. Lluis Bonet Mujica, de La Vanguardia comentó de ella que: “Podía ser un disparate, más penoso que hilarante, pero aparte de su fascinante poder visual, la película combina maravillosamente el humor negro, la sátira social y un tono cercano al gran cine expresionista alemán”.

Su director dijo de ella que en Japón por ejemplo fue un acontecimiento inesperado y que la historia encontró sentido “al saber que es una historia que conecta, que habla de acciones, de sensaciones. Las pasiones no son tan lejanas entre nosotros”.

Como todo el mundo sabrá ya a estas alturas, se trata de una versión bastante especial del cuento del mismo nombre de los hermanos Grimm, en la que no faltan los enanitos, la madrastra o el padre engañado y cómo no, Blancanieves. Se desarrolla en España en los años veinte del pasado siglo en un  país lleno de tópicos.

Posee un enorme poder visual con una magnífica fotografía y es una de las películas más sorprendentes de los últimos años; una audaz apuesta que primero sorprendió y después convenció. A mí personalmente me encantó.

La interpretación de Maribel Verdú como la malísima madrastra o Macarena García como la inocente Blancanieves son dignas de reseñar. Así mismo se han cuidado todos los detalles y posee una  plástica abrumadora, fruto del gran equipo técnico que la llevó a cabo, no sin dificultades ya que les costó mucho encontrar la financiación suficiente para la que se consideraba una apuesta arriesgada y que gracias al empeño de su director, consiguió ver la luz.

No en vano fue nominada en su día en 18 categorías para los premios Goya, ganando 10 de las mismas, entre ellas Mejor Película, Mejor Actriz Protagonista o Mejor Actriz Revelación, Mejor Música Original o Mejor Canción Original  entre otras.

Así mismo obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de cine de San Sebastián, así como la Concha de Plata a la Mejor Actriz para Macarena García.

En la edición de ese mismo año de los Premios José María Forqué obtuvo dos importantes galardones y así un largo etcétera. Cuando  una película es merecedora de tal cantidad de premios, lo más probable es que sea buena de verdad, y ese es su caso. Por lo tanto estamos ante una buena película que merece la pena ser vista.

Y como siempre, es tan fácil como pasar por la biblioteca, sacarla en préstamo y disfrutarla en casa. DVD PE 3781

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CINEMA PARADISO – Los santos inocentes

El pasado martes se cumplían años del nacimiento de uno de nuestros  mejores escritores del siglo XX. Corría el año 1920 cuando venía al mundo Miguel Delibes, escritor de altura, autor de numerosísimas obras literarias entre las que destaca “Los santos inocentes”, sobre la que se hizo en su día una magnífica adaptación al cine.

La adaptación cinematográfica fue dirigida por Mario Camus y posee un reparto excepcional. Es una película mítica del cine español, ( lo fue ya desde poco tiempo después de estrenarse); de esas que denominan una etapa del cine español (los años 80), comprometida con el pasado histórico y donde las adaptaciones literarias de grandes escritores nacionales eran comunes y muy habituales (“La casa de Bernarda Alba” del propio Mario Camus, “El bosque animado” de Jose Luis Cuerda o “Jarrapellejos” de Antonio Gimenez Rico, son  sólo algunos de los muchos ejemplos).

“Los santos inocentes” tuvo su recompensa en uno de los festivales de cine de mayor renombre, el Festival de Cannes, en donde Alfredo Landa y Paco Rabal, consiguieron la Palma de oro a mejor actor, premio ex aequo, en una ceremonia donde las palabras de agradecimiento de Paco Rabal al recoger el premio fueron “Milana bonita”. Mario Camus, también vio reconocida su labor al recibir una mención especial del jurado. No obstante es uno de esos directores literarios -y ya veteranos- que han dado fama internacional al cine español, puesto que ha ganado premios en Berlín, (consiguió El Oso de Oro por “La colmena”) Buenos Aires, Montreal y por supuesto en los premios Goya.

El director junto con los actores, especialmente Alfredo Landa y Francisco Rabal que llevan el peso de la película, componen  unos personajes míseros, ingenuos y subordinados con un cruel realismo. El “Azarías” encarnado por Rabal es un icono del cine español. Y Alfredo Landa, que  se confirmó como actor dramático en la década de los 80, (tras haber sido uno de los cómicos cinematográficos más importantes del cine de la transición, fue Garci quién le dio la oportunidad con “El crack” en el año 1981). Desde entonces encadenó una serie de títulos notables como “La vaquilla”,“Tata Mía”, “El bosque animado” o la cinta que nos ocupa.

“Los santos inocentes” se ambientan en los años 60 en el cortijo de una familia aristócrata y franquista, un universo propio donde se contrastan dos mundos muy marcados, el de los amos y el de los criados, a través de unos personajes inolvidables. Es una dura crónica rural de estos años, un periodo donde el contraste entre clases sociales es abismal y unos dominan completamente a otros sin ningún tipo de piedad o compasión, como consecuencia de la gran diferencia entre unos y otros provocada por el sistema de reparto agrario, del cual salieron claramente beneficiados nobleza y burguesía.

La familia de Paco (Landa) y Régula (Terele Pávez) es el verdadero ejemplo de la sumisión a la que se ven abocados los campesinos de estos años, un crudo retrato de pobreza, miseria e infortunio así como de la ingenuidad. Son seres que asumen su condición y no intentan discutirla, sus vidas se deben únicamente a los amos, los cuales también asumen otro estatus y lo llevan al paroxismo. El que es pobre se sabe pobre y el que es rico se sabe rico, y ambos ejercen su posición.

En “Los santos inocentes” esa miseria se hace aún más patente quizás porque está  salpicada por ciertas dosis de ternura lo que hace que el retrato sea, si cabe, más eficaz. Esa hija disminuida, a la cual deben de mantener con sus escasos recursos o Azarías un personaje entrañable y un poco especial  que consigue atrapar al espectador a base del cariño y la complicidad que emana. Son seres bondadosos machacados por la vida, en contraposición con la fortuna, la tangible y la que no lo es tanto, de los personajes que encarnan la otra cara de la moneda, los ricos y poderosos.

La película se rodó en escenarios extremeños para no  perder la fuerte carga emocional que contenía la novela original de Miguel Delibes, si bien la película está narrada a modo de flashback,  con un elegante y moderado uso de la elipsis,  introduciendo así un componente evolutivo en la historia que nos permite liberar a los hechos del paréntesis en que se enmarcan y apreciar el desarrollo de ciertos personajes, registrando sus motivaciones y el resultado de las mismas.

La maravillosa fotografía de Hans Burmann y la desgarradora música de García Abril, con los que el director ya trabajó en la también fantástica adaptación de “La colmena”,  complementan el trabajo en esta obra indispensable.

Dura, cruel, tierna, inocente e ingenua, estos son algunos de los adjetivos que se le pueden dar a “Los santos inocentes”, sin duda uno de los mejores títulos de la filmografía española de los años 80.

Cuenta la leyenda que en su presentación en Cannes, el público rompió en aplausos con su desenlace final, bendiciendo incondicionalmente a Azarías y condenando a muerte, con simbólico merecimiento, a una de las páginas más negras de nuestra historia reciente. Quede esta frase para su recuerdo.

              “¡Quiá! ¡Quiá! Yo…no quiero…que la milana me se vaya.”

Podéis encontrarla como siempre en la biblioteca. DVD PE 476

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CINEMA PARADISO – El verdugo

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El pasado lunes, 28 de noviembre, se cumplió el 50 aniversario de la muerte de uno de los más grandes intérpretes que ha dado nuestro cine, José Isbert. Desde aquí queremos rendirle nuestro pequeño homenaje con la película que hoy recomendamos, toda una obra maestra, El verdugo, de Luis García Berlanga.

Veamos lo que dice la sinopsis:

José Luis (Nino Manfredi) y Carmen (Emma Penella), su mujer, quieren un piso. Un deseo inalcanzable para muchos, pero no para ellos. Basta con que José Luis herede la profesión de su suegro Amadeo (Pepe Isbert) a punto de jubilarse. Ésa es la única condición que pone el Patronato de la Vivienda. Presionado por la familia, José Luis acepta y, convencido de que jamás ejercerá, se hace verdugo. Mientras no hay ejecuciones, la vida en la casa nueva transcurre plácidamente, pero un día llega el temido telegrama: debe ajusticiar a un condenado en Mallorca. La posibilidad de un indulto es su única esperanza.

Con esta premisa Berlanga crea una de las mejores películas que ha dado el cine español, considerada película de culto para muchos, y con unos actores en estado de gracia.

El verdugo, fue presentada en Venecia en 1963, poco después de que Franco ordenara el fusilamiento de Julián Grimau y la ejecución por garrote vil de los anarquistas Francisco Granado y Joaquín Delgado. Precisamente el Caudillo era entonces conocido en el mundo como “el verdugo”, apodo que cobró actualidad con las protestas internacionales ante dichas ejecuciones. El hecho de que se presentara en Venecia fue todo un logro, ya que el embajador español en Roma intentó por todos los medios impedirlo. Por aquel entonces fue cuando Franco dijo en uno de los consejos de ministros la famosa frase sobre el director: “Ya sé que Berlanga no es un comunista; es algo peor, es un mal español“.

La crítica y el jurado del Festival de Venecia dieron la espalda al embajador franquista y se inclinaron ante El verdugo, que recibió el premio de la crítica internacional. Más tarde fue igualmente premiada en el Festival de Moscú, y obtuvo asimismo el gran premio de la Academia francesa del Humor Negro. En España, sin embargo, sufrió bastantes cortes de censura, estando en cartel sólo dos semanas.  A pesar de esa persecución, El verdugo obtuvo en España el premio al mejor guión del Círculo de Escritores Cinematográficos, y Emma Penella, el de mejor actriz del Sindicato Nacional del Espectáculo.

La idea de la película le surgió a Berlanga a través de la imagen que le había transmitido un amigo abogado cuando le contó su experiencia en una ejecución: un grupo de personas había conducido a rastras a la víctima, una mujer que se resistía, mientras que otro grupo lo había hecho igualmente con el verdugo, al que incluso hubo que inyectar un sedante y prácticamente arrastrar hasta el lugar de la ejecución. Gómez Rufo cuenta “que esta imagen le resultó tan cruel a Berlanga, que hizo la película como un alegato contra la pena de muerte”.

Con El verdugo, Berlanga logró su mejor obra, y probablemente la más importante y significativa de la cinematografía española. Logró rodearse de los mejores: mención especial al maravilloso Rafael Azcona, con un guión modélico no sólo en cuanto a la construcción, sino a su contenido; y a ese elenco de protagonistas y secundarios excepcionales (lo mejorcito del cine español).

Con un estilo tremendista y fiel al humor negro tan característico de Berlanga, la película no es solo un alegato contra la pena de muerte, es, sobre todo y en especial, un testimonio de cómo el hombre contemporáneo acaba cediendo a los acontecimientos sociales, que en este caso llevan a su protagonista a ejercer, sin contemplaciones, el asesinato legal. (Fuente elpais.com)

La película está disponible en las tres bibliotecas.  Además podéis disfrutar de otras muchas con Pepe Isbert como protagonista y con Luis García Berlanga como director.

Si queréis saber más, podéis ver este enlace sobre los 50 años de la película:

http://rtve.es/v/1156913

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CINEMA PARADISO – Stockholm

Esta película se presenta así:

Todo ocurre durante una noche.

Una noche cualquiera para él.

Una noche decisiva para ella.

Pero aunque ellos no lo saben, después de esa noche seguirán unidos para siempre.

 

Desde luego no hay mucha información, si sólo sabemos esto lo más seguro es que pensemos que es una historia romántica, habrá que echarle un vistazo a la imagen de la carátula, a ver si nos da más datos:

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¿Qué tal ahora?

Bueno, chico y chica, confirmado: es una historia de amor, aunque…no aparecen abrazados, no se miran, no muestran el rostro. Qué raro. Además hay más información, está protagonizada por Aura Garrido y Javier Pereira y acumula muchos reconocimientos de varios premios. Suficiente para llamar nuestra atención, así que decidimos verla y esto es lo que nos ha parecido:

Esta es la historia de una conquista y una derrota. El conquistador es más fuerte y persistente, la derrotada es frágil, está cansada, ya la han invadido antes y está harta de luchar, por una vez quiere creer que será para bien y dejarse llevar.

Pero las batallas de una noche pueden ser muy rápidas, todo se condensa, no hay tiempo de profundizar y nos dejamos llevar por las apariencias. Toda batalla se hace con un objetivo, desconocer lo que pretende conseguir el contrario nos sitúa en un lugar de inferioridad. Y aunque hay señales que indican que algo más de intención hay detrás de los gestos de cada uno, para qué vamos a prestar atención si se trata sólo de una noche.

Solo que hay noches que nos acompañan el resto de nuestras vidas ¿o no?

Dirigida por Rodrigo Sorogoyen y escrita junto a Isabela Peña, esta película nos hace partícipes de un juego de seducciones fácilmente conocido por todos, llevando al límite la pesadez del chico. A muchos esta parte de la película les parece demasiado repetitiva, les cansa, pero es que eso es justo lo que se está intentando transmitir, lo opresivo que puede llegar a ser ese juego de acoso y derribo, por ambas partes. Y aquí la genialidad de la película, cuando es el chico el que hace ese papel, lo vemos hasta normal, ¿pero qué ocurre cuando es ella quien insiste en hacer algo que él no quiere?

Una película muy recomendable, con un magnífico final. Y, aunque yo no soy muy dada a hablar de otros aspectos técnicos, o de decorados, no puedo terminar la entrada sin mencionar los maravillosos tonos azulados/violetas de la noche madrileña.

Podéis encontrarla en la Biblioteca Miguel de Cervantes con la siguiente signatura: DVD PE 3992

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Hoy quiero recomendar una película que es todo un homenaje a las artes. Un homenaje al proceso de creación, ejecución y conclusión de una obra. Es una reivindicación de la belleza, de la perfección en las forma y al mismo tiempo de la fragilidad. Se trata del arte materializado en película y confirma a Fernando Trueba, su director, como uno de los realizadores más importantes de la cinematografía europea junto a Almodóvar, Berlanga y Amenábar.

Esta película tiene ciertas peculiaridades que la hace diferente. Está rodada en blanco y negro, con una fotografía muy sencilla y a la vez bellísima que desprende todo el espíritu rústico que se quiere transmitir. Además no tiene música. Solamente al comienzo de los créditos finales.

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La película se desarrolla en la frontera entre España y Francia durante la Segunda Guerra Mundial; en 1943 para ser exactos. Se trata de un pequeño pueblo en donde las imágenes en blanco y negro se mezclan con el silencio propio del paisaje y como protagonista a un bohemio que observa atónito la belleza de lo que contempla.

Durante los primeros minutos apenas hay diálogos pero lo que muestra es suficiente para presentar a los personajes que son cuatro: La modelo, el artista, la criada y la esposa del artista. No es necesaria ninguna expresión verbal para hacerlo. Con la visual es suficiente.

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Las actuaciones de los cuatro actores principales resultan bastante convincentes, si bien cabe destacar el de Aida Folch que mostró gran valentía al aceptar un papel que la obligó a estar el 90% del metraje completamente desnuda, posando de diferentes maneras sin resultar forzada y con una increíble plasticidad. Así mismo junto a su compañero de reparto Jean Rochefort son los que sustentan la película, el alma de la misma. La química entre ambos actores es perfecta. Chuis Lampreave y Claudia Cardinale aportan también su maestría a la hora de interpretar.

Como he dicho antes, el aspecto técnico está también muy mimado  con la maravillosa fotografía en blanco y negro y la ausencia de música, que por otra parte no se echa de menos. No es necesaria. Desde esta perspectiva no se le puede reprochar nada a la película.

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El argumento gira en torno a un concepto: el de la belleza, tal cual la aprehende y exterioriza el artista. Para la transmisión de los efectos y los sentimientos que le provoca, Jean Rochefort (Marc Cros) se sirve de su rostro firme, curtido y serio, cuya mirada le permite transmitir al espectador, tales emociones. Aida Folch (Mercè) expresa a través de su semblante inocente, ingenuidad y una delicada fragilidad, y un miedo que esconde una historia repleta de dolor y huidas.

El guion utiliza un contexto bélico que permanece en un segundo plano, a modo de escenario inerte que sirve para  vincular la relación artista-modelo. De este contexto nace una subtrama que es desvelada en el momento oportuno y que permite que no decaiga el pulso narrativo, fomentando la tensión dramática de la película. Este contexto histórico contrasta con la atmósfera de apacible tranquilidad en la que se sumerge Cros.

Las dos Guerras Mundiales han provocado la apatía del escultor, que apenas tiene ya confianza en el género humano, y se refugia en su arte. La guerra sirve para que se denuncien los conflictos bélicos sufridos en España durante la Guerra Civil, y el resto de Europa durante la Segunda Guerra Mundial. Este contexto provoca gran parte de los diálogos entre el artista y su modelo.

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Lo efímero de la belleza viene representado por Léa (Claudia Cardinale), la esposa del escultor, quien también ha sido modelo de su marido y de otros artistas de renombre.

La foto de portada es un diseño de Javier Mariscal, y Fernando Trueba la utiliza como homenaje a su hermano, el escultor Máximo Trueba, fallecido en 1996, al que le dedica la película.

Fernando Trueba ha sabido transmitir, en una película con tintes poéticos no apta para todos los públicos, el encanto de la sencillez, a través de una búsqueda incesante con la que el artista desea colmar su alma. La esencia de la perfección captada por el escultor, extraída de las formas del cuerpo femenino, nunca había sido tratada con tanta delicadeza.

Se trata, sin embargo en su conjunto, de un largometraje muy complejo, pero los que se atrevan adentrarse en él y se dejen llevar se sentirán muy satisfechos con el resultado final.

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Y lo mejor es que si os acercáis a la biblioteca, podéis encontrarla allí. DVD PE 4015

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Hoy quiero reseñar una película española, “Pájaros de papel”, del año 2010; una película muy emotiva y con una gran historia de las que transcienden.

Con dos nominaciones a los premios Goya del año 2010, su director,  Emilio Aragón buscó la complicidad de un gran guionista, Fernando Castets que se dio a conocer por “Luna de Avellaneda” o “El hijo de la novia”, con quien, sin conocerlo personalmente compartía inquietudes, año de nacimiento y a partir de ese momento, amistad.

“Pájaros de papel” es un homenaje al vodevil y a la generación de artistas que sufrió en sus carnes el hambre y la dictadura franquista.

Se trata de una buena historia que sorprende al tiempo que nos muestra varios ambientes paralelamente. Por un lado los artistas que preparan canciones, trucos de magia, interpretaciones, etc. en lo que bien podría ser un musical, ya que la música es uno de sus puntos fuertes y va desde los temas populares, destacando el ritmo del babalú, a melodías casi exquisitas creadas por el mismo Emilio Aragón y su padre Emilio Aragón Bermúdez, Miliki. Y por otro lado la situación política y la represión del régimen justo después de la guerra.

El guion transcurre en dos momentos diferentes, primero a lo largo de 1939, hasta el final de la Guerra Civil y por otro, un año después. Bascula entre el drama y la comedia y huye del maniqueísmo mostrando situaciones cotidianas.

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Recuerda un poco en cuanto al estilo a “El viaje a ninguna parte” de Fernando Fernán Gómez o a la más reciente “El secreto de sus ojos”. Relata las penurias de una compañía de variedades en la que hay una curiosa familia formada por un niño huérfano, un homosexual y el protagonista principal que ha sufrido una gran tragedia y que es el mentor del niño.

Cabe destacar Imanol Arias en una de sus mejores interpretaciones, un personaje de héroe con una vida interior muy complicada. Todo el reparto está muy bien dirigido, destacando las interpretaciones así mismo de Lluis Homar, Carmen Machi y Roger Prince p como el niño. Los secundarios también tienen escenas de lucimiento y todos lo hacen francamente bien, especialmente Luis Varela, Fernando Cayo, Lola Baldric, Concha Hidalgo, Diego Martín y Emilio Aragón Bermúdez en un papel pequeño pero que consigue emocionar. Todos aportan cuerpo a la película.

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Destaca la impecable fotografía y así como el armónico montaje. Se trata de una historia creada con el corazón, en la que nada es superfluo y como bien dijo su guionista Fernando Castets, los grandes guiones están en las pequeñas historias.

El director emplea perfectamente los elementos narrativos así como los recursos para emocionar. Su ambientación y su realización son puro clasicismo y también, por qué  no decirlo, oficio (generaciones haciendo televisión dan una experiencia). El desarrollo de la historia es fluido y mantiene un ritmo que la hace avanzar sin detenerse, combinando las anécdotas  con un hilo argumental algo somero pero muy bien encauzado.

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El hecho de compararla, por lo que las recuerda a veces, a “El viaje a ninguna parte” o “Ay Carmela”, hace que pierda la brillantez que hubiera tenido si hubiese sido única.

Pájaros de papel quizás toca demasiado la fibra sensible, pero quien no esté muy alerta a los mecanismos narrativos, se encontrará con una película muy efectiva, muy bien hecha y con interpretaciones bastante persuasivas.

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Y como siempre, podéis disfrutar de ella si os acercáis a la biblioteca. DVD PE 3691

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