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CINEMA PARADISO – Historia de una pasión

“Historia de una pasión” pasó casi de puntillas por los festivales de Berlín y San Sebastián poco antes de estrenarse en España, y no precisamente por ser una  mala película. Todos sabemos que no es necesario que una película tenga muchos premios para que sea buena. Los premios no son fundamentales, especialmente porque en muchas ocasiones se conceden por capricho o imperativos, pero lo cierto es que tratándose de una película tan personal y tan escasa de publicidad, le hubiera venido muy bien una mención para su carrera comercial.

Es la  última película realizada hasta el momento por Terence Davies, que casualmente cumple cuarenta años como director y guionista, y que, contando con sus cortos, su filmografía se reduce a una docena de títulos. Como persona, tengo entendido que  es un señor educado, inteligente, con fino sentido del humor e interesado por muchas cosas, además de modesto. Profesionalmente, en algunas ocasiones más que otras  ha sido capaz de plasmar estas virtudes en su obra. Lo que sí es cierto es que ha demostrado ser  fiel a sí mismo,  sin nunca venderse a modas caducas o a proyectos que no le interesaban.

La traducción que se ha hecho del título original (“Una pasión silenciosa”) al español, no es demasiado acertada, ya que al traducirlo podría estar perdiendo esa faceta más intimista que el director quiere reflejar y atraer equivocadamente a un público que no busca eso precisamente.

Es una película que logra emocionar, no tanto porque sea una historia triste sino por su exquisitez y por su hermosura. Un guión notable plagado de preciosas frases sin caer nunca en la cursilería y también  un inusual retrato sobre la sensibilidad de una mujer, la escritora Emily Dickinson. Pero está tan bien descrito que se hace extensivo a todas las mujeres que la rodeaban, en las que vemos reflejadas sus dudas, sus limitaciones y como debían de ser sus actitudes en la rigidez de la sociedad de la alta burguesía estadounidense en los siglo XVIII y XIX. Y lo más sorprendente de todo es que, en parte, aún sigue vigente en nuestros días, ya que, aunque muchas cosas hayan cambiado, la esencia de la feminidad permanece, además de otras luchas que aún se reconocen.

Están muy bien trabajadas las intenciones, como los juegos de miradas y gestos que aparecen en muchas de las escenas y que sin decir nada lo dicen todo.

La interpretan un gran elenco de actores que no pueden ser más apropiados para el papel. Rodada en Amherst, Massachussets, en la casa de Emily Dickinson, ésta inusual producción inglesa en coproducción con Bélgica, posee una gran banda sonora. Es un estilo de música “diferente”, introspectivo y nostálgico, con ciertas notas  reflexivas  y que ha contado con la interpretación de la Filarmónica de Bruselas. Su vestuario, a pesar de lo limitado de su presupuesto, luce, y lo más importante, sus actores saben moverse con ellos, no se ven encorsetados ni  disfrazados.

En definitiva, una película hermosa y conmovedora, que a pesar de su corto  presupuesto y escasa ambición, es una película grande para una gran minoría, muy posiblemente integrada por aficionados a la literatura romántica, antropólogos, estudiosos de la época y actores de rigor, sobre todo del teatro clásico. Una joyita de las que de vez en cuando, desgraciadamente muy de vez en cuando, tenemos el inmenso placer de toparnos.

Altamente recomendable, especialmente para los amantes de éste tipo de cine y en general para todos aquellos que gustan del cine bien hecho. DVD PE 4591

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CINEMA PARADISO – Midiendo el mundo

Esta semana reseño “Midiendo el mundo”, una película alemana, estrenada en el año 2012 que trata la historia de dos de los científicos más importantes del planeta.

La película muestra la vida de Carl Friedrich Gauss, un brillante matemático y Alexander Von Humboldt, un geógrafo, naturalista y explorador, entre otras cosas, en la Alemania de comienzos del siglo XIX que tuvo gran influencia en diferentes vertientes tanto artísticas como científicas.

Dirigida por Detlev Buck y escrita por él mismo y Daniel Kehlman, autor al mismo tiempo de la novela del mismo nombre (2005) en la que está basada. Buck apoya su película en la forma en que Kehlman aborda la historia de dos de los científicos más importantes de la época, incluyendo también sus vidas personales.

Son destacables las actuaciones de los dos personajes protagonistas. Tanto Albert Schuch (Alexander von Humboldt) como Florian David Fitz (Carl Friedrich Gauss) hacen una magnífica interpretación de sus respectivos personajes, ambos con unas personalidades contrapuestas que chocan de manera indirecta a lo largo de toda la película. Además, la historia se desarrolla a lo largo de toda una vida por lo que podemos ver como sus pensamientos cambian a medida que adquieren edad y experiencia.

Otra de las actuaciones destacables es la de Michael Martens como el duque de Braunschweig; un personaje muy peculiar por su ostentosa vestimenta, sus excesivas costumbres y su caracterización y actitud contrapuesta a la de los científicos, en la que no es capaz de apreciar lo que ellos le transmiten. Además, nos encontramos con Aimé Bonpland (Jérémy Kapone), un botánico y médico francés, compañero de viaje de Humboldt que espera durante todo el viaje que su amigo reconozca su valía y sus logros. De nuevo, este personaje enfrenta su personalidad a la de su compañero; él le da la humanidad que a veces se le olvida al alemán.

Las escenas luminosas y los tonos claros nos sumergen en la travesía de Humboldt y nos transportan hasta su mismo viaje, pudiendo ver y sentir a través de sus ojos todo lo que a él le acontece. Por otro lado, los colores fríos y la ausencia de iluminación en muchas escenas, parece querer mostrar la locura que acechaba a Gauss. Todo ello de manera magistral acentuando la contraposición de los personajes.

Es de destacar también la banda sonora de Enis Rotthoff que refleja muy bien el espíritu de la película.

En conclusión, se trata de un film muy entretenido de ver, sorprende el tratamiento de los personajes, especialmente porque abunda en la contraposición de los mismos; está muy bien construida y también porque a todos nos gusta imaginar la vida de personas que han dejado una huella profunda en el mundo. Éste es un claro ejemplo, aunque ya, la historia de cada uno daría para una cinta por separado. Además, siempre es agradable ver un soplo de aire fresco en nuevas películas ajenas a las directrices de Hollywood.

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CINEMA PARADISO – La teoría del todo

Recientemente ha fallecido Stephen Hawking, físico teórico, astrofisico y cosmólogo, además de gran divulgador científico cuyos trabajos han cambiado el mundo científico y el concepto que de él se tenía. Fue diagnosticado de ELA cuando contaba sólo  21 años, con una reducida esperanza de vida pero que finalmente ha muerto con 76 años el pasado 14 de marzo.

Hoy quiero reseñar una película que se hizo sobre él en el año 2014. Se trata de “La Teoría del Todo”, un biopic en el que destaca especialmente su elegante  narrativa y  estilo y sus interpretaciones  más que notables.

La película se basa en un libro escrito por la primera esposa de Hawking, Jane Wilde, “Travelling to Infinity: My Life with Stephen” y de quien él mismo dijo que fue uno de los personajes más importantes de su vida. Refleja por tanto el lado humano del científico; ese que a menudo no conocemos.

“La teoría del todo” busca el equilibrio entre la faceta personal y la profesional  y en ella nos encontramos con potentes detalles que van desde la búsqueda de una única fórmula que explique el origen del universo… hasta la búsqueda de una tecnología que permita a Hawkins (lo que no le permite la ELA)  dar a conocer al mundo toda su erudición. Además, el romance, aunque pueda emplear más minutos de los deseados, está tratado con acierto, delicadeza y madurez.

Cuenta una historia de amor desde los ojos de una mujer que decidió comprometerse con un hombre que padecía una enfermedad degenerativa que, según los médicos, le quitaría la vida pronto. Y de cómo  una mujer se las puede arreglar para llevar adelante un hogar habitado por tres hijos y un marido con una severa discapacidad motriz.

Los momentos dulces de esa vida se fueron transformando en momentos de frustración y sacrificio y eso es precisamente para muchos, lo que hace empática a esta historia.

“La teoría del todo” nos narra la vida de Hawkins desde que es un vital, optimista y “friki” estudiante de Cambridge hasta que es recibido en audiencia por la reina de Inglaterra. Durante este periodo observaremos su romance con Jane, los síntomas degenerativos de su enfermedad, su diagnóstico, su evolución, su doctorado en Cambridge, la redacción de su libro científico-divulgativo “Una breve historia del tiempo” y su éxito y relevancia a nivel mundial y científico. Todos estos acontecimientos de la película están genialmente interconectados.

El guion es natural y está bien escrito y, gracias a él, la multitud de sentimientos y reflexiones que nos despierta, la rabia al observar la vida que pudo tener el protagonista y no tuvo, las alegrías del amor familiar que experimenta, los sentimientos de pena, de triunfo, etc., se transmiten magistralmente. La historia de amor se relata con sencillez y tacto pero también con complicidad; el compadreo universitario y la amistad se empapa en el espectador como algo encantador, las apuestas investigadoras de Hawkins  son llamativas, relevantes y trascendentes.  Así mismo, el drama de la ELA se convierte en una desventura multidimensional, cargada de momentos agridulces, con un protagonista que ya nos ha calado completamente como un joven, ignorante de cuál será su destino, un destino que le tiene preparadas muchas trabas y alguna que otra satisfacción, como el hecho de saber que el cerebro no está afectado por esta enfermedad y, aunque los médicos le dieron una esperanza de vida de 48 meses (y, como he comentado, ha vivido hasta los 76 años) decidió seguir con su vida como quiso y planeo: se casó, tuvo hijos y siguió con sus estudios e investigaciones.

 

Aunque la historia y el drama de amor puede resultar menos interesante, el punto fuerte de la película lo marca la manera en que Marsh nos explica la enfermedad de Hawking y cómo la llevó; además de la increíble actuación de Eddie Redmayne que hace de Stephen Hawking, quien con meses de ensayo junto con un bailarín, logró recrear el poco movimiento con el que Stephen vivió durante años, sin exagerar.

Realmente la transformación física de este actor británico es impresionante y su interpretación, que fácilmente podía rayar en la exageración, se mantiene siempre en el terreno de lo natural. Parte de ese logro se debe a que Redmayne preparó intensamente su cuerpo para evitar los efectos especiales y con ello sentir a su personaje y la descomposición física que ha ido sufriendo. Pero aun siendo Hawking el eje principal de la película, Felicity Jones es igual de importante interpretando a su primera esposa Jane Wilde. Pausada, amorosa, sometida a una situación extrema, sacrificada, valerosa o dudosa, esta actriz hace un papel fantástico. La química lograda entre ambos es muy buena y real. Definitivamente ambos llenan la pantalla, pero también hay otras interesantes presencias como las de Charlie Cox, Emily Watson y David Thewlis.

Narrativamente la película podría resultar lineal para algunos, sin mayores altibajos o giros que le cambien su ritmo, pero es el clasicismo con el que se aborda este biopic, otro de los aspectos que más  gustan de esta película, al igual que su extraordinaria banda sonora a cargo de Jóhann Jóhannsson, creando una de las piezas más exquisitas para una película de esta naturaleza, transmitiendo delicadeza, sencillez y emotividad.

La película en definitiva está bien dirigida, es  respetuosa con la vida privada de Hawking y su primera esposa, y  destaca en lo humano de una situación tan compleja, sin caer en el drama trágico, melancólico o depresivo, ni en el humor forzado.

La película tiene la aprobación del mismo Stephen Hawking y ha sido aclamada como una buena cinta por la crítica que la compara con producciones como El Discurso del Rey (2010).

Ha obtenido importantes premios como el Oscar a mejor actor en la edición 2014, obteniendo además 5 nominaciones. Así mismo obtuvo dos Globos de oro a mejor actor y mejor banda sonora original. Obtuvo así mismo los premios Bafta a mejor actor, mejor film británico y mejor guión adaptado. También fue galardonada por el Sindicato de Actores, etc.

En definitiva se trata de una historia real de superación y como siempre la podéis encontrar en la biblioteca DVD PE 4263

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CINEMA PARADISO – Trumbo

El cine norteamericano tiene mucho de bueno, pero si por algo destaca es porque exporta un tipo de cine que se le da muy bien, y este es el género biográfico. No importa quién sea el protagonista o a qué se dedique; siempre saben cómo extraer la esencia del personaje y de la situación para que resulten auténticos héroes, reflejando normalmente los momentos más trascendentales de su vida.

Ejemplos los hay a cientos. Se pueden centrar en un genio trastornado como “Una mente maravillosa, en una asesina en serie como “Monster”, en un caradura con recursos como “El lobo de Wall Sreet”, un héroe de guerra como “El único superviviente”, un ama de casa luchadora como “Joy”, etc. Así mismo pueden centrarse en la vida completa de la persona o en un episodio concreto de la misma, o incluso, si el personaje da para mucho, puede llevarse a la pantalla en varias entregas.

En el caso de la película que recomiendo hoy, “Trumbo”, que lleva como subtítulo “La lista negra de Hollywood”, cuenta con el prestigio de haberse alzado con unas cuantas nominaciones a los premios más relevantes del mundo cinematográfico (Globos de Oro, Bafta y Oscar), y en su mayor parte, gracias a su protagonista, Bryan Cranston, archiconocido actor por  la serie “Breaking Bad”, y a su actriz de reparto, Hellen Mirren, que también fue nominada al Globo de Oro en su papel como la impasible periodista de prensa rosa Hedda Hopper.

Sin duda “Trumbo” merece ser reconocida no sólo por lo que cuenta, sino por cómo lo cuenta y por quién lo cuenta, tratando a través del personaje, temas tan controvertidos como el anticomunismo histérico del cine americano de los años 50. Su director Jay Roach transmite un conocimiento, un razonamiento y una inquietud tal, que consigue atrapar la curiosidad del espectador, tanto por el personaje como por la famosa “lista negra de Hollywood”.

Se trata de la adaptación de una biografía de Dalton Trumbo (guionista de películas tan conocidas como “Espartaco”, “Vacaciones en Roma” y muchas otras) que escribió Bruce Alexander Cook, contemporáneo del protagonista. El guión contemporiza perfectamente la conocida “caza de brujas” en un país como Estados Unidos, cuyo eslogan es Tierra de Libertad. Concretamente Trumbo es el elegido para conducir al espectador a través de la creación, desarrollo y liquidación de “La lista negra de Hollywood” que también sufrieran en su día personajes como Charles Chaplin y que se materializó en una denegación abierta de trabajo a todos aquellos que fueran sospechosos de llevar a cabo acciones antipatrióticas. En éste caso concreto, la justificación del libre pensamiento político hizo que Dalton Trumbo, así como muchos de sus colegas de profesión, especialmente del mundo cinematográfico, cayeran en desgracia.

Aparecen retratados grandes personajes del cine como John Wayne (David James Elliott), que fue adalid del Comité Especial de Actividades Antiestadounidenses gracias a su protagonismo en películas propagandísticas anticomunistas y antisoviéticas; Hedda Hopper (Helen Mirren) voz periodista del mismo organismo; Kirk Douglas (Dean O’Gorman), protagonista de Espartaco; Otto Preminger (Christian Berkel), director de Éxodo; así como personajes menos conocidos historicamente como Frank King (John Goodman); la hija de Donald Trumbo, Niki (Elle Fanning); su esposa Cleo (Diane Lane) pero totalmente relevantes para conocer a Donald, así como una versión reducida de “Los 10 de Hollywood” (guionistas que fueron condenados por sus actividades antiestadounidenses) materializada en el personaje ficticio Arlen Hird interpretado por Louis C.K.

Destaca de la película el equilibrio entre verdad, ficción y espectáculo. La integración de determinados episodios documentados como la declaración de Dalton ante el Comité de Actividades Antiestadounidenses de 1947, están realizados de forma inteligente y sencilla. Todo está bien encajado dentro de los sucesos conocidos, documentados a través de la prensa, entrevistas, etc. Y los más íntimos sucesos privados que conocemos a través de las declaraciones de los hijos de Trumbo y que trabajaron estrechamente junto al guionista de la película, John McNamara  para lograr retratar lo más humanamente posible a uno de los genios de Hollywood.

A nivel de interpretación, su protagonista, Bryan Cranston hace que todo sea posible. Es impresionante escuchar grabaciones del verdadero Trumbo y ver la voz con la que el señor Cranston da vida al personaje. El resto de los personajes históricos  que se cruzan con Trunbo en la película también están recreados de tal forma que nos hacen viajar en el tiempo. Además hay que destacar la gran aportación de John Goodman que interpreta a Frank King, uno de los productores más deficientes del Hollywood de la época, aunque al parecer no lo era tanto. La malignidad de Hedda Hopper( Hellen Mirren) aporta espectacularidad a la película, algo imprescindible para que el show logre llegar a todo el mundo.

Se reconoce así mismo la labor de los guionistas en el proceso creativo cinematográfico, oficio imprescindible para la industria. Se los presenta como un equipo de pirados cuyas mentes sueñan con las historias y diálogos que más tarde reproducirán los actores. Es además de la historia de un guionista, la historia de todos los guionistas.

Se trata sin duda de una biografía potente, fantástica y épica al mismo tiempo, sin alejarse demasiado de la realidad. No dejéis  de verla, y para ello sólo tenéis que pasar por la biblioteca DVD PE 4411

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CINEMA PARADISO – Mr. Turner

Mi reseña de esta semana es para una película biográfica en torno a uno de los pintores más emblemáticos y controvertidos de Inglaterra en la primera mitad del siglo XIX, conocido con el significativo sobrenombre de “pintor de la luz”. Se trata de J.M.W Turner.

Esta película no es sólo una contundente y ejemplar biografía de Turner, que recrea con precisión y vigor la personalidad de un hombre controvertido y sorprendente en sus reacciones, sino que hace, así mismo un retrato exquisito y muy elaborado del entorno artístico en el que se mueve; la Inglaterra de la primera mitad del siglo XIX.

Y es sobre estos dos sólidos pilares es sobre los que se asienta una excelente película que reitera la calidad de Mike Leigh como director, que posee una magnífica filmografía con títulos como “Secretos y mentiras”(1996), “Todo o nada”(2002), “El secreto de Vera Drake” (2004) o  “Another Year”(2010), ya reseñada por mi anteriormente. Confirmando una vez más que es un gran director, ha contado con un aliado impagable, el actor Timothy Spall como protagonista que desempeña su papel de manera intachable, logrando por su trabajo, con toda justicia, el Premio de Interpretación de Cannes.

Leigh nos traslada a los últimos 25 años de la vida de Turner, cuando su prestigio está totalmente consolidado y su fama como un excelente y original paisajista no la discute nadie (salvo, naturalmente, algunos de sus colegas). Y esto precisamente lo muestra la película cuando se introduce en los escenarios de la Real Academia de las Artes de Londres, en donde sus lienzos son permanentemente infravalorados y relegados a exposiciones en lugares poco gratificantes.

En estos tiempos, el pintor vive aún con su padre y al cuidado de una sirvienta por la que no siente ninguna estima pero que le sirve como desahogo.

Su vida, sin embargo, va a experimentar un giro importante cuando conoce a la dueña de una  pensión de la costa inglesa a dónde se traslada a temporadas en busca de inspiración y que será su apoyo y su compañía cuando le llegan los momentos de la soledad, de la vejez y la enfermedad.

Con una mirada reveladora y alejándose del biopic autobiográfico, Leigh y su director de fotografía Dick Pope nos presentan una cinta de trazo impecable, detalles minuciosos y una estructura totalmente creativa, con escenas encuadradas tras los marcos de puertas y ventanas que le aportan un romanticismo esmerado en dar profundidad a lo íntimo, a lo que ocultan los personajes en cada momento, convirtiendo así al espectador en un observador constante de cada escena. La película así mismo, atiende por encima de todo al factor humano y dramático y la cámara escruta en su interior, en sus contradicciones, en sus miserias y va componiendo la imagen de un ser a menudo desconcertante, anárquico, pero también vulnerable aunque con bastante tendencia al egoísmo.

La interpretación de Timothy Spall, recordado por películas como “El cielo protector” o “Cazador blanco, corazón negro”, entre muchas otras, es magnífica. Reencarna a un Turner huraño, rozando muchas veces la locura, y excéntrico en busca de la perfección. Ha sido premiado además de en el Festival de Cannes, en Sevilla, por el Círculo de Críticos de Nueva York y Premios del Cine Europeo. El resto del reparto está a la altura, destacando las maravillosas interpretaciones de Jaime Thomas King, Roger Ashton-Griffiths, Robert Portal, Lasco Atkins y John Warman.

En definitiva, “Mr. Turner” es una película valiosa, bien enmarcada y con una magnífica interpretación.  Una joya imprescindible, no sólo para los amantes de la pintura sino también para los amantes del buen cine.

Y como ya sabéis, podéis disfrutar de ella pasando por la biblioteca DVD PE 4316. ¡No os la podéis perder!

 

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Siguiendo con el cine íntimamente ligado a la literatura, quiero reseñar hoy una película basada en una novela de Sylvia Nassar con el mismo nombre, biografía no autorizada que trata de la vida de John Forbes Nash Jr., un famoso matemático que ganó en 1994 el Premio Nobel de economía tras sobrevivir a una enfermedad tan destructiva como la esquizofrenia. Nash es interpretado por Russell Crowe, que pone toda la carne en el asador para recrear el mundo personal de este hombre. Cuatro Oscars de ocho nominaciones y otros tantos globos de oro, incluyendo en ambos casos a la mejor película, es algo que marca a una película, y que, cuando menos, indica que se trata de una película de calidad. Esto supuso la consagración de Ron Howard, que se llevó el premio al mejor director y con el Oscar en la mano subió también a recoger  el de  mejor película, pues es también el productor junto a Brian Grazer con Image Films, productora que fundaron en 1985. Recogieron ese Oscar de mano de su buen amigo Tom Hanks, al que conocían de películas como Splash o Apolo 13. Los premios ese año fueron extraños. Vencieron al primer Señor de los Anillos (que aun así se llevó cuatro) y a la que parecía favorita Mouline Rouge que ganó sólo dos.

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Ron Howard es uno de esos niños prodigio (conocido en sus inicios como Ronny Howard) que no han llegado a quemarse y que gracias a reconvertirse en director ha triunfado. Hijo de actores debutó con 18 meses. Hizo muchos trabajos para televisión y  cine en películas como American Graffiti, de George Lucas, pero una vez que empezó a dirigir dejó la interpretación. En una película que está basada en hechos reales es importante conocer al personaje en que se basa y los hechos reales que narra. Desde luego viendo al Nash auténtico no parece que tenga mucho que ver con Russell Crowe, que en la película aún conserva los brazos del Gladiador que acababa de hacer, al menos en cuanto al físico, aunque parece ser que la reproducción de sus hábitos sí que está muy bien lograda, de hecho el propio Nash y su esposa estuvieron  en el rodaje.

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Es en la que podríamos definir como la tercera parte de la película en donde vemos el desarrollo y los peores momentos de la enfermedad, tiene gran importancia el papel de Ed Harris. Es curioso porque durante la producción de la película Ed Harris y Russell Crowe luchaban por ganar el Oscar de ese año, El primero por  Pollock y el segundo por Gladiator.. Ganó el segundo.

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En la última parte de la película vemos el envejecimiento de todos los personajes a través de la maestría con el maquillaje; así como  la curación de Nash, su vuelta a Princeton como profesor y el premio Nobel. Precisamente la forma en que se trata esta enfermedad de la esquizofrenia en la película es un valor importante de la misma e incluso ha habido asociaciones que le han dado premios y alabanzas por ello. El director decía que esperaba que después de ver la película la gente mirara de forma diferente a una persona a la que vieran en una esquina hablando sólo, porque esta enfermedad es muy dura y a los esquizofrénicos les hace ver un mundo tan real como en el que vivimos el resto. También se ve la dureza que supone para los amigos y familiares. De todas formas, desde los años en que la sufrió Nash, hasta ahora, se ha avanzado mucho.

Para este hombre la enfermedad empezó ya en la Universidad, pero como a los genios siempre se les ha considerado muy excéntricos, no recibió tratamiento. Ahí es donde empieza la película y ya entonces se ve como le atormenta el mundo y la dificultad para integrarse en la sociedad. La primera parte de la película está rodada en Princeton, en su maravilloso campus. En esa parte hay una escena muy bien hecha que plantea como se le ocurrió su teoría del juego que le llevaría a ganar el Nobel muchos años después, explicándolo en la forma de una chica rubia que entra al bar en dónde estaban él y sus amigos y cómo deben ellos  atacar a ella y sus amigas para llegar al éxito.

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Después de plantear la teoría, la película pasa a tratar sus años trabajando para el gobierno. Es un cambio radical en el estilo y lo que se cuenta es algo menos realista, ya que lo que él hizo durante ese tiempo es confidencial, Top Secret, ni siquiera la tecnología que aparece es de esa época. Cuando empieza a dar clases aparece en escena Jennifer Connelly (que también se llevó Oscar) interpretando a la que llegaría a ser su mujer. La escena en la que se conocen sí que parece ser real. Ella era una alumna y el primer día luchó con él por dejar abierta una ventana, pues hacía mucho calor, a pesar del ruido. La banda sonora también contribuye a hacer que sea una buena película, además de una muy buena fotografía y unas brillantes y exquisitas interpretaciones. Tampoco hay que olvidar las grandes interpretaciones de los secundarios además de Ed Harris. Estamos pues ante una película muy cuidada y que desprende calidad. En definitiva una fantástica película digna de ser vista con una mente abierta. No hay gran acción ni hay efectos especiales fantásticos. Seguramente está sobrevalorada, pero lo que sí es cierto, es que toca la fibra sensible y que obtiene el mejor premio que una película puede obtener y es emocionar al espectador. No dejéis de verla ya que como siempre, podéis encontrarla en nuestra biblioteca DVD PE 4078 Sigue leyendo

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