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CINEMA PARADISO – Mr. Turner

Mi reseña de esta semana es para una película biográfica en torno a uno de los pintores más emblemáticos y controvertidos de Inglaterra en la primera mitad del siglo XIX, conocido con el significativo sobrenombre de “pintor de la luz”. Se trata de J.M.W Turner.

Esta película no es sólo una contundente y ejemplar biografía de Turner, que recrea con precisión y vigor la personalidad de un hombre controvertido y sorprendente en sus reacciones, sino que hace, así mismo un retrato exquisito y muy elaborado del entorno artístico en el que se mueve; la Inglaterra de la primera mitad del siglo XIX.

Y es sobre estos dos sólidos pilares es sobre los que se asienta una excelente película que reitera la calidad de Mike Leigh como director, que posee una magnífica filmografía con títulos como “Secretos y mentiras”(1996), “Todo o nada”(2002), “El secreto de Vera Drake” (2004) o  “Another Year”(2010), ya reseñada por mi anteriormente. Confirmando una vez más que es un gran director, ha contado con un aliado impagable, el actor Timothy Spall como protagonista que desempeña su papel de manera intachable, logrando por su trabajo, con toda justicia, el Premio de Interpretación de Cannes.

Leigh nos traslada a los últimos 25 años de la vida de Turner, cuando su prestigio está totalmente consolidado y su fama como un excelente y original paisajista no la discute nadie (salvo, naturalmente, algunos de sus colegas). Y esto precisamente lo muestra la película cuando se introduce en los escenarios de la Real Academia de las Artes de Londres, en donde sus lienzos son permanentemente infravalorados y relegados a exposiciones en lugares poco gratificantes.

En estos tiempos, el pintor vive aún con su padre y al cuidado de una sirvienta por la que no siente ninguna estima pero que le sirve como desahogo.

Su vida, sin embargo, va a experimentar un giro importante cuando conoce a la dueña de una  pensión de la costa inglesa a dónde se traslada a temporadas en busca de inspiración y que será su apoyo y su compañía cuando le llegan los momentos de la soledad, de la vejez y la enfermedad.

Con una mirada reveladora y alejándose del biopic autobiográfico, Leigh y su director de fotografía Dick Pope nos presentan una cinta de trazo impecable, detalles minuciosos y una estructura totalmente creativa, con escenas encuadradas tras los marcos de puertas y ventanas que le aportan un romanticismo esmerado en dar profundidad a lo íntimo, a lo que ocultan los personajes en cada momento, convirtiendo así al espectador en un observador constante de cada escena. La película así mismo, atiende por encima de todo al factor humano y dramático y la cámara escruta en su interior, en sus contradicciones, en sus miserias y va componiendo la imagen de un ser a menudo desconcertante, anárquico, pero también vulnerable aunque con bastante tendencia al egoísmo.

La interpretación de Timothy Spall, recordado por películas como “El cielo protector” o “Cazador blanco, corazón negro”, entre muchas otras, es magnífica. Reencarna a un Turner huraño, rozando muchas veces la locura, y excéntrico en busca de la perfección. Ha sido premiado además de en el Festival de Cannes, en Sevilla, por el Círculo de Críticos de Nueva York y Premios del Cine Europeo. El resto del reparto está a la altura, destacando las maravillosas interpretaciones de Jaime Thomas King, Roger Ashton-Griffiths, Robert Portal, Lasco Atkins y John Warman.

En definitiva, “Mr. Turner” es una película valiosa, bien enmarcada y con una magnífica interpretación.  Una joya imprescindible, no sólo para los amantes de la pintura sino también para los amantes del buen cine.

Y como ya sabéis, podéis disfrutar de ella pasando por la biblioteca DVD PE 4316. ¡No os la podéis perder!

 

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RECOLECTURAS – Los interesantes

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...tener solo un poco de talento…era algo horrible, una tortura…ser solo un poco especial se hacía esperar casi siempre demasiado.

Mary Robison, Yours.

Hoy os traigo una de nuestras novedades, Los interesantes, de Meg Wolitzer. Todo un descubrimiento.

Estamos en el verano de 1974 y es de noche. Seis adolescentes charlan en su tienda de campaña en un campamento de las afueras de Nueva York. Todos, menos Julie, son hijos de familias acomodadas de Manhattan. Todos se sienten únicos e interesantes. Todos quieren ser artistas.

Aquella primera noche Ash Wolf dijo: 

– Esto de reunirnos así lo hacemos todos los veranos. Deberíamos ponernos un nombre.

-¿Por qué? -djjo Goodman-. ¿Para que todo el mundo  se entere de lo increíblemente interesantes que somos?

-Podríamos llamarnos los Increíblemente Interesantes-dijo Ethan Figman-. ¿Qué os parece?

-Los interesantes-dijo Ash-. Suena bien.

Así que estaba decidido.

-De hoy en adelante y puesto que somos las personas más interesantes que han pasado por este puto mundo -dijo Ethan-, puesto que somos tan irresistibles y tenemos los cerebros a punto de estallar de pensamientos intelectuales, nos vamos a llamar los Interesantes. Y que la gente con la que nos crucemos se caiga muerta de lo interesantes que somos, joder.

El nombre era irónico y burdamente pretencioso, pero aún así, pensó Julie Jacobson, eran interesantes. Aquellos adolescentes que la rodeaban eran como la realeza […] Se suponía que todos en aquel campamento tenían talento artístico, pero allí, al menos eso creía ella, estaba la flor y nata.

Aquella primera noche de 1974, a Julie Jacobson le cambió la vida. Ya nunca volvería a ser la misma adolescente que llegó al campamento procedente de un barrio de la periferia de Nueva York. Spirit-in-the-Words cambiará sus perspectivas, le hará sentir que encaja, que no es un bicho raro. Encontrará su verdadera familia entre aquellos jóvenes con las mismas ilusiones y el mismo lenguaje, por fin encontrará su sitio.

Durante las más de 600 páginas de la novela, acompañaremos y conoceremos a estos seis personajes. Iremos evolucionando con ellos a lo largo de más de 40 años. Compartiremos sus triunfos y sus ilusiones, y veremos cómo la vida les irá transformando.

Ash Wolf, “la niña de papá”, se convertirá en directora teatral ingeniosa y honesta, aunque…, ¿lo habría logrado de no haber contado con el trampolín de sus padres primeros y de Ethan, que se convertirá en su marido, después?. Goodman, hermano de Ash,  encantador, privilegiado y holgazán, tiene el potencial de construir cosas, pero también el impulso de destruirlas; la vida le tiene reservado un final inesperado. Cathy, con un gran talento para la danza, pero con un cuerpo que no le corresponde pasada cierta edad, se convierte en experta en finanzas. Jonah, el “hermoso hijo” de una famosa cantante de folk, tiene un gran talento musical al que renuncia por razones desconocidas, y termina trabajando en robótica. Ethan, siempre pegado a su cuaderno de dibujo, es el que realmente logra triunfar en la vida, su serie animada, Figland, se convierte en una especie de Simpsons. Julie, Jules para sus nuevos amigos, “la intrusa” del grupo, la única que no procede de una familia acomodada de Manhattan, que accede al campamento gracias a una beca, y cuyo sentido del humor es el pasaporte para formar parte de este grupo; después de varios años asistiendo a audiciones, comprueba que su sentido del humor no es suficiente para la actuación, y termina reinventándose como terapeuta.

La novela me ha gustado muchísimo. Creo que va en la línea de “Algún día este dolor te será útil”, al menos el escenario es el mismo, la ciudad de Nueva York y, entre sus personajes principales, hay jóvenes con talento y con gran vinculación al mundo del arte.

Me gusta ver la evolución de los personajes de adolescentes a adultos, cuando la vida les va colocando en su sitio. Ellos se sentían o creían especiales pero, llegados a la madurez, muy pocos han terminado como pensaban. No obstante, así es la vida; en la adolescencia y juventud tenemos licencia para fantasear, luego llegados a la treintena o cuarentena, vamos poniendo los pies en el suelo y nos adaptamos a lo que tenemos, en muchos casos, incluso puede que se cumplan nuestras expectativas o que se mejoren con creces. C’est la vie.

Me gusta la mirada de Julie Jacobson. Por sus orígenes humildes quizás es el personaje adecuado para analizar lo que transcurre a su alrededor y en su entorno, sin embargo todos ellos tienen peso en la novela. Para mí, en contra de lo que dice la sinopsis del libro, es una novela coral. Todos se van a mantener unidos a lo largo de todos estos años de alguna forma, algunos crearan vínculos más fuertes, y otros sobrevuelan como una sombra; pero está claro que Spirit-in-the-Words siempre estará muy presente en ellos; de hecho, casi al final de la novela, Julie y su marido se harán cargo del campamento durante una temporada.

Ahora mismo estoy en una etapa lectora en la que me atrae enormemente las novelas que indagan en la psicología de los personajes y en la condición humana. Personajes que luchan entre lo que desean y lo que se espera de ellas (el personaje de Ash es claramente un prototipo de esto). Con historias “normales” con las que te identificas, o que le puede pasar a tu vecino del quinto. Mirar por un agujerito y ver cómo se relacionan entre ellos, los libros que leen, sus opiniones frente a la situación política…

No conocía a esta autora, de hecho creo que es casi el primer libro de ella que se publica en español. Neoyorquina del 58, es autora de varias novelas, algunas de la cuáles han sido llevadas al cine como ¿Qué le pasa a mamá?, escrita y dirigida por Norah Ephron y Surrender, Dorothy, protagonizada por Diane Keaton. Yo la pongo en la nómina de los escritores a los que seguir, y estoy deseando que editen sus novelas en español, no obstante, esta que reseñamos aquí, ha sido comparada, nada más y nada menos, que con Libertad de Jonathan Franzen.

¿Por qué el destino de personas de similar talento es tan diferente?

Si queréis dar respuesta a este interrogante, sólo tenéis que leer la novela, y si os pasa como a mí, vais a disfrutar enormemente.

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RECOLECTURAS – Las sinsombrero

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“En las sinsombrero no existía nostalgia, ni rencor, sino el inmenso placer de haber vivido”.

Hoy quiero acercarme a unas mujeres excepcionales, que permanecieron mucho tiempo en el olvido, o que sólo se las reconocieron como mujer de, amante de: Las sinsombrero.

Si os dijera: ¿Habladme de la Generación del 27 o cuáles son sus miembros más representativos? Estoy segura de que una amplia mayoría de vosotros me hablaría de Alberti, Lorca, Dalí, Buñuel, Alexaindre…, pero ninguno, o casi ninguno, me hablaríais de Rosa Chacel, Ernestina de Champourcín, Marga Gil Röesset, María Teresa León, Maruja Mallo, Concha Méndez, Ángeles Santos, María Zambrano, Josefina de la Torre… ¿Por qué? ¿Por el hecho de ser mujeres? Que conste que no estoy echando nada en cara, yo misma conocía a muy pocas, por no decir que a ninguna. Estuvieron silenciadas mucho tiempo por vivir a la sombra de “los grandes”, muchos de ellos compañeros de clase de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y compañeros de correrías por el Madrid de cafés y de tertulias literarias, de bares nocturnos y exposiciones, durante las décadas de los años 20 y 30, con las mismas inquietudes artísticas, la misma pasión, el mismo entusiasmo por una España que saliera del ostracismo y, en el que la mayoría, celebraron con gran alegría la llegada de la Segunda República.

De clase media o media-alta, estas mujeres pudieron acceder a los estudios gracias a su solvencia económica y, en la mayoría de los casos, por tener unos padres liberales y con amplitud de miras. Como en aquellos años era difícil encontrar a mujeres en la enseñanza superior, pronto surgió entre ellas una gran camaradería que, en muchos casos, continuó hasta el final de sus días.

Estas mujeres que nacieron en un periodo comprendido entre 1898 y 1914, tomaron Madrid como centro neurálgico, donde empezaron a desarrollar su capacidad artística y, a mostrar públicamente su obra, en aquellos lugares que acabaron convirtiéndose en los escenarios comunes de un nuevo orden cultural: Revista de Occidente, La Gaceta Literaria, la Residencia de Estudiantes o el Lyceum Club Femenino. Abiertos a los nuevos conceptos de modernidad y las corrientes vanguardistas, sobre todo el surrealismo, provenientes especialmente de Europa, pero también ávidos de recuperar la tradición popular española y sensibles a una realidad social con la que se sentían comprometidos (algunas de ellas participaron también en las misiones pedagógicas, llevando la cultura a aquellos pueblos de interior, tan lejanos de todo, véase El exilio interior).

Pero quedémonos con el Lyceum Club Femenino como lugar de encuentro para estas mujeres, donde compartían ideas y se asociaban para llevar a cabo proyectos que les permitieran compartir sus inquietudes culturales e intelectuales, a la vez que debatir y trabajar a favor de una mejora en sus derechos como ciudadanas. Fue la primera asociación feminista del país y se inauguró en 1926, hubo otras bajo el mismo nombre en París, Londres y Nueva York. Por desgracia el Lyceum fue clausurado. Sus instalaciones fueron ocupadas por Falange, para que la Sección Femenina lo convirtiera en el Club Medina. Fue tan vehemente el deseo de silenciar esta institución, que ni siquiera hoy, en la actualidad, hay una placa en la fachada de la que fuera su sede principal, la Casa de las siete Chimeneas.

Muchos de vosotros también os preguntaréis el por qué del títuloEl sinsombrerismo es un movimiento que se inicia a partir de la década de los años 30, para intentar acabar con esa moda de llevar sombrero, como signo de jerarquía social en las clases pudientes, y las incomodidades que ello conlleva: el calor en verano, poca visibilidad en los teatros… Es significativa la anécdota mencionada por Maruja Mallo, en la que junto a Dalí, Lorca y Margarita Manso se quitan el sombrero en medio de la Puerta del Sol, siendo el primer acto público de esta tendencia y, por el cual, fueron apedreados. El sinsombrerismo es sobre todo asumido por la mujer moderna, aquella que en los años veinte se siente por fin liberada, independiente y por vez primera sujeto propio. Una mujer que estudia o trabaja, y que siente la necesidad vital de romper con un destino que la condenaba al papel de ángel del hogar. Con la llegada de la Guerra Civil y la posterior dictadura, no llevar sombrero se calificó como de izquierdas.

Como dije al principio de la reseña, muchas de estas mujeres las conocemos por la relación con los hombres de esta magnífica generación. De Margarita Manso (1908-1960), se cuenta que es la única mujer que mantuvo una relación sexual con Lorca, pero casi nada de su talento como pintora (debo decir que este libro, a la vez de descubrirme a ella, me ha descubierto también al que fuera su marido, el pintor malagueño Alfonso Ponce de León, tristemente fusilado al inicio de la contienda, a la edad de 30 años). Marga Gil Roësset (1908-1932), excelente escultora que se suicidó a la edad de 24 años, entre otras cosas, por su amor no correspondido a Juan Ramón Jiménez. La escritora y poeta Concha Méndez (1898-1986), novia de Buñuel durante siete años; la magnífica pintora Maruja Mallo que mantuvo una relación de cinco años con Alberti, silenciada por él, quizás por influencia de la escritora Maria Teresa León (1903-1988), la que sería su esposa hasta el final de sus días. Las también escritoras Rosa Chacel (1898-1994) y Ernestina de Champourcín (1905-1999). La pintora y artista gráfica Ángeles Santos (1911-2013), la polifacética Josefina de la Torre (1907-2002), y la fantástica pensadora María Zambrano (1904-1991).  (Hay muchas más que la autora cita al final del libro, imposibles hablar de todas, daría para un segundo libro, al tiempo).

Muchas de ellas tuvieron que continuar con su labor artística fuera de nuestras fronteras, tras el exilio forzado que tuvieron que vivir tras la Guerra Civil y la posterior dictadura. La mayoría de ellas olvidadas, incluso por sus propios compañeros en sus memorias, pero que hoy, gracias a la labor de Tània Balló, poco a poco vamos rescatándolas del olvido y las colocamos en el lugar que merecen, codo con codo, con sus compañeros de generación.

Debo decir que Las sinsombrero fue primero un documental y, que gracias a la repercusión que tuvo, le propusieron a Tània, una de las codirectoras, que escribiera un libro. Ni que decir tiene que el lenguaje literario es muy distinto del fílmico, por lo que Balló se enfrentó a este proyecto casi por primera vez. Desde aquí mil gracias por recuperar a estas mujeres de gran talento.

La entrada se está alargando demasiado, pero es que el tema es apasionante. No obstante, no quiero marcharme sin contar una anécdota que protagonizó Maruja Mallo en el pueblo de Arévalo, donde acepta una plaza de profesora de dibujo para alumnos de primaria. Hastiada de la vida en el pueblo que la oprime, a Maruja no se le ocurre otra cosa que irrumpir en la iglesia de San Miguel montada en bicicleta durante una misa, saludando a los presentes. Si me dijeran que podría viajar en el tiempo, me encantaría poder estar allí en ese momento y ver las caras de los feligreses, puro surrealismo. ¡Me encanta!

Si te apasiona este tema como a mi, también te gustará La conspiración de las lectoras  y El exilio interior. Ambas en la biblioteca.

Para saber más: http://www.lassinsombrero.com

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Estamos en la semana de San Valentín, la semana del amor por excelencia. La publicidad nos inunda desde todos los frentes, Los escaparates muestran sus productos en todo su esplendor. A estas alturas ya todo el mundo habrá  pensado como va a sorprender a su pareja ese día,  pero por si a algún rezagado aún no se le ha ocurrido ningún plan, yo os quiero proponer uno, y como desde aquí no podía ser de otra manera, se trata de  un plan de cine. Una historia de amor. Películas de amor hay muchas, pero la que propongo hoy es de las que no nos deja indiferentes, de las que tocan, de las que llegan de verdad al corazón. Se trata de la película “Moulin Rouge”.

De esta película, su director Baz Luhrmann dijo “It’s a story about love” (es una historia sobre el amor) para resumir su espíritu. Pero en realidad Moulin Rouge es mucho más que eso.

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A partir de una trama muy simple, la película despliega una multitud de recursos cinematográficos que la convierten en abrumadora al principio, pero que se torna apasionante a medida que avanza  el relato. Todo lo que al principio resulta excesivo (el ritmo acelerado, los encuadres, la música, la iluminación, los efectos especiales, la puesta en escena en definitiva,), empieza a cobrar sentido.. El exceso nunca dismiuye,  pero funciona en favor de una narración que busca construir un ritmo mágico, casi surrealista. Retrata al pintor Toulouse-Lautrec con sus nuevas ideas bullendo de forma vertiginosa y su “revolución bohemia” y “ Moulin Rouge” corre al mismo tiempo de lo que retrata.

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Historia romántica en los bohemios ambientes de París, servida con dirección artística deslumbrante y música de quitarse el sombrero. Eso y mucho más da Moulin Rouge, a través del célebre garito nocturno parisino, mostrado ya en el cine en filmes tan clásicos como Moulin Rouge (1952) de John Huston o French Cancan de Jean Renoir.

La trama es sencilla, pero funciona a las mil maravillas. Christian es un joven artista con talento, amigo de gente tan interesante como el pintor Toulouse Lautrec. Él desearía escribir un maravilloso espectáculo musical a representar en el Moulin Rouge. Con lo que no cuenta es con enamorarse. Y lo hace de Satine, la bailarina más hermosa del local.

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Aunque la actividad de ella no puede definirse como exclusivamente artística, pues Satine es utilizada como objeto de placer, y concretamente es ofrecida al duque de Monroth, personaje que debe ser complacido para que invierta el dinero necesario para salvar al Moulin Rouge de la ruina económica. ¿Será imposible el amor de Christian y Satine?

Baz Luhrmann sabe dar peso específico a la sensual historia de amor que centra el film.. También trata la cuestión de la integridad de la obra del artista, cuando se le requiere que modifique su trabajo para complacer al “productor” de turno. A esto se suma una coreografía maravillosa (recordemos que el australiano también dirigió El amor está en el aire (1992), servida con un eficaz y endiablado montaje. O la audacia de usar música moderna y variada, y darle un sentido unitario. El espectador sufre inevitablemente con los protagonistas y su mal de amores. La pareja protagonista, Nicole Kidman y Ewan McGregor, sobre todo ella, están maravillosos, y hasta cantan y se mueven como los actores de los musicales de antaño.

El Moulin Rouge es de uno de los garitos nocturnos más célebres de París. Charles Zidler (interpretado en la película por Jim Broadbent) es un personaje real, fundador del lugar junto a Joseph Oller. Este local, existente todavía en la actualidad, abrió sus puertas al público en 1889, con ocasión de la celebración de la Exposición Universal en la capital francesa. En un provocativo ambiente de juerga y francachela se daban la mano burguesía y el pueblo, con un colorido espectáculo que buscaba satisfacer las fantasías sexuales de su público masculino, y que pronto incluiría el cancan de las bailarinas y las atenciones de las cortesanas. También acudían allí los artistas bohemios, representantes de la literatura y la pintura, que se encontraban a gusto en un lugar cuya decoración revelaba exóticas influencias orientales.

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En cuanto a los personajes, Nicole Kidman interpreta a Satine, una cortesana que trabaja en el Moulin Rouge. Tiene un pasado sórdido y pobre. Pero ella no quiere ser una bailarina de cancan toda la vida, su sueño es convertirse en actriz. Está bastante curtida y es muy hábil a la hora de proyectar diversas imágenes de sí misma, de crear fantasías en su trabajo. Pero cuando Christian derrama su magia en ella con la música, le hace creer que podría tener algo más. Saca a relucir su convicción de que es posible hacer realidad sus sueños.

Ewan McGregor no había interpretado un personaje que tuviera más relación con el amor en su  vida. Christian está absolutamente impulsado por el amor, de la forma más descarada. Después de conocer a Satine, es de ella de lo único que habla. No hay nada más que no sea el amor.

De la música podemos  decir que tras Bailar en la oscuridad, Moulin Rouge supone un nuevo look para el musical moderno. Luhrmann mezcla aspectos de los grandes clásicos de Hollywood con coreografías delirantes y montajes vertiginosos. Pero además imprime a las canciones una importancia capital: “Moulin Rouge es fundamentalmente un musical, quizás una ópera, pero en definitiva es una historia contada a través de las canciones”. Ésa es la clave, que los actores cuando cantan, actúan. No hay discontinuidad. Y, junto a ello, la película es una colección inmejorable de versiones de grandes éxitos de música pop. Aquí cabe todo, desde temas de Lennon y McCartney hasta conocidas canciones de Sting, David Bowie o Elton John. El director musical Marius de Vries afirma: “No teníamos límites o barreras a la hora de escoger la música. Nuestro propósito era ser tan impredecibles como pudiéramos”.

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Es en definitiva una maravillosa historia de amor, de amor con mayúsculas. Al respecto se me quedó grabada una frase de esta película, que el protagonista dice cuando escribe su historia. Es una frase que puede resumir lo que para muchas personas significa el amor, y con ella me despido deseando ¡Feliz  día de San Valentín!

“LO MEJOR QUE TE PUEDE SUCEDER, ES AMAR Y SER CORRESPONDIDO”

DVD PE 1914

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Hoy quiero recomendar una película que es todo un homenaje a las artes. Un homenaje al proceso de creación, ejecución y conclusión de una obra. Es una reivindicación de la belleza, de la perfección en las forma y al mismo tiempo de la fragilidad. Se trata del arte materializado en película y confirma a Fernando Trueba, su director, como uno de los realizadores más importantes de la cinematografía europea junto a Almodóvar, Berlanga y Amenábar.

Esta película tiene ciertas peculiaridades que la hace diferente. Está rodada en blanco y negro, con una fotografía muy sencilla y a la vez bellísima que desprende todo el espíritu rústico que se quiere transmitir. Además no tiene música. Solamente al comienzo de los créditos finales.

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La película se desarrolla en la frontera entre España y Francia durante la Segunda Guerra Mundial; en 1943 para ser exactos. Se trata de un pequeño pueblo en donde las imágenes en blanco y negro se mezclan con el silencio propio del paisaje y como protagonista a un bohemio que observa atónito la belleza de lo que contempla.

Durante los primeros minutos apenas hay diálogos pero lo que muestra es suficiente para presentar a los personajes que son cuatro: La modelo, el artista, la criada y la esposa del artista. No es necesaria ninguna expresión verbal para hacerlo. Con la visual es suficiente.

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Las actuaciones de los cuatro actores principales resultan bastante convincentes, si bien cabe destacar el de Aida Folch que mostró gran valentía al aceptar un papel que la obligó a estar el 90% del metraje completamente desnuda, posando de diferentes maneras sin resultar forzada y con una increíble plasticidad. Así mismo junto a su compañero de reparto Jean Rochefort son los que sustentan la película, el alma de la misma. La química entre ambos actores es perfecta. Chuis Lampreave y Claudia Cardinale aportan también su maestría a la hora de interpretar.

Como he dicho antes, el aspecto técnico está también muy mimado  con la maravillosa fotografía en blanco y negro y la ausencia de música, que por otra parte no se echa de menos. No es necesaria. Desde esta perspectiva no se le puede reprochar nada a la película.

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El argumento gira en torno a un concepto: el de la belleza, tal cual la aprehende y exterioriza el artista. Para la transmisión de los efectos y los sentimientos que le provoca, Jean Rochefort (Marc Cros) se sirve de su rostro firme, curtido y serio, cuya mirada le permite transmitir al espectador, tales emociones. Aida Folch (Mercè) expresa a través de su semblante inocente, ingenuidad y una delicada fragilidad, y un miedo que esconde una historia repleta de dolor y huidas.

El guion utiliza un contexto bélico que permanece en un segundo plano, a modo de escenario inerte que sirve para  vincular la relación artista-modelo. De este contexto nace una subtrama que es desvelada en el momento oportuno y que permite que no decaiga el pulso narrativo, fomentando la tensión dramática de la película. Este contexto histórico contrasta con la atmósfera de apacible tranquilidad en la que se sumerge Cros.

Las dos Guerras Mundiales han provocado la apatía del escultor, que apenas tiene ya confianza en el género humano, y se refugia en su arte. La guerra sirve para que se denuncien los conflictos bélicos sufridos en España durante la Guerra Civil, y el resto de Europa durante la Segunda Guerra Mundial. Este contexto provoca gran parte de los diálogos entre el artista y su modelo.

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Lo efímero de la belleza viene representado por Léa (Claudia Cardinale), la esposa del escultor, quien también ha sido modelo de su marido y de otros artistas de renombre.

La foto de portada es un diseño de Javier Mariscal, y Fernando Trueba la utiliza como homenaje a su hermano, el escultor Máximo Trueba, fallecido en 1996, al que le dedica la película.

Fernando Trueba ha sabido transmitir, en una película con tintes poéticos no apta para todos los públicos, el encanto de la sencillez, a través de una búsqueda incesante con la que el artista desea colmar su alma. La esencia de la perfección captada por el escultor, extraída de las formas del cuerpo femenino, nunca había sido tratada con tanta delicadeza.

Se trata, sin embargo en su conjunto, de un largometraje muy complejo, pero los que se atrevan adentrarse en él y se dejen llevar se sentirán muy satisfechos con el resultado final.

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Y lo mejor es que si os acercáis a la biblioteca, podéis encontrarla allí. DVD PE 4015

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Hoy quiero reseñar una película española, “Pájaros de papel”, del año 2010; una película muy emotiva y con una gran historia de las que transcienden.

Con dos nominaciones a los premios Goya del año 2010, su director,  Emilio Aragón buscó la complicidad de un gran guionista, Fernando Castets que se dio a conocer por “Luna de Avellaneda” o “El hijo de la novia”, con quien, sin conocerlo personalmente compartía inquietudes, año de nacimiento y a partir de ese momento, amistad.

“Pájaros de papel” es un homenaje al vodevil y a la generación de artistas que sufrió en sus carnes el hambre y la dictadura franquista.

Se trata de una buena historia que sorprende al tiempo que nos muestra varios ambientes paralelamente. Por un lado los artistas que preparan canciones, trucos de magia, interpretaciones, etc. en lo que bien podría ser un musical, ya que la música es uno de sus puntos fuertes y va desde los temas populares, destacando el ritmo del babalú, a melodías casi exquisitas creadas por el mismo Emilio Aragón y su padre Emilio Aragón Bermúdez, Miliki. Y por otro lado la situación política y la represión del régimen justo después de la guerra.

El guion transcurre en dos momentos diferentes, primero a lo largo de 1939, hasta el final de la Guerra Civil y por otro, un año después. Bascula entre el drama y la comedia y huye del maniqueísmo mostrando situaciones cotidianas.

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Recuerda un poco en cuanto al estilo a “El viaje a ninguna parte” de Fernando Fernán Gómez o a la más reciente “El secreto de sus ojos”. Relata las penurias de una compañía de variedades en la que hay una curiosa familia formada por un niño huérfano, un homosexual y el protagonista principal que ha sufrido una gran tragedia y que es el mentor del niño.

Cabe destacar Imanol Arias en una de sus mejores interpretaciones, un personaje de héroe con una vida interior muy complicada. Todo el reparto está muy bien dirigido, destacando las interpretaciones así mismo de Lluis Homar, Carmen Machi y Roger Prince p como el niño. Los secundarios también tienen escenas de lucimiento y todos lo hacen francamente bien, especialmente Luis Varela, Fernando Cayo, Lola Baldric, Concha Hidalgo, Diego Martín y Emilio Aragón Bermúdez en un papel pequeño pero que consigue emocionar. Todos aportan cuerpo a la película.

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Destaca la impecable fotografía y así como el armónico montaje. Se trata de una historia creada con el corazón, en la que nada es superfluo y como bien dijo su guionista Fernando Castets, los grandes guiones están en las pequeñas historias.

El director emplea perfectamente los elementos narrativos así como los recursos para emocionar. Su ambientación y su realización son puro clasicismo y también, por qué  no decirlo, oficio (generaciones haciendo televisión dan una experiencia). El desarrollo de la historia es fluido y mantiene un ritmo que la hace avanzar sin detenerse, combinando las anécdotas  con un hilo argumental algo somero pero muy bien encauzado.

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El hecho de compararla, por lo que las recuerda a veces, a “El viaje a ninguna parte” o “Ay Carmela”, hace que pierda la brillantez que hubiera tenido si hubiese sido única.

Pájaros de papel quizás toca demasiado la fibra sensible, pero quien no esté muy alerta a los mecanismos narrativos, se encontrará con una película muy efectiva, muy bien hecha y con interpretaciones bastante persuasivas.

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Y como siempre, podéis disfrutar de ella si os acercáis a la biblioteca. DVD PE 3691

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CINEMA PARADISO – Recordando a Dalí

dimension daliAyer, 23 de Enero,  se cumplía 25 años de la muerte de Salvador Dalí. El genio de la pintura surrealista y uno de los artistas más influyentes del siglo XX en la Historia del Arte, fallecía en su tierra natal, Figueras.

  • Desde la Biblioteca Miguel de Cervantes queremos homenajearlo con dos documentales que se encuentran entre nuestros fondos audiovisuales:

Salvador Dalí. Grandes personajes a fondo (DVD DO 3404)

y Dimensión Dalí. La obsesión de un genio por la ciencia (DVD DO 2505)

Salvador Dalí. Grandes personajes a fondo, es una larga entrevista realizada en TVE en el que el periodista consigue que Dalí abandone durante una hora su personaje más superficial e histriónico, evidenciando así su excepcional dominio del lenguaje, acompañado de un extraordinario sentido del humor: “Si hubiera dos mil Picassos, treinta Dalís, cincuenta Einsteins, el mundo sería prácticamente inhabitable, pero que nadie se espante, no lo hay

Dimensión Dalí. La obsesión de un genio por la ciencia, incluye entrevistas inéditas en las que Dalí manifiesta su pasión por la ciencia. Diversos premios Nobel evocan su relación con el pintor y algunos de los expertos más destacados en la interpretación de la obra daliniana señalan las influencias científicas que reflejan sus obras.

Os dejamos con el documental que emitió ayer La 1 La noche de… Revelando a Dalí.

http://www.rtve.es/alacarta/videos/la-noche-de/noche-revelando-dali/2338787/

Esperamos que disfrutéis de este genio irrepetible.

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