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CINEMA PARADISO – La isla mínima

En la semana en la que se van a fallar los Premios Goya,  quiero reseñar una de las mejores películas que ha dado el cine español de los últimos tiempos. Se trata de “La isla mínima”; ganadora de los premios Forqué y Feroz, arrasó en la edición de los Goya 2015, metiéndose en el bolsillo tanto al público como a la crítica a unos niveles inimaginables.

Se han dicho muchas cosas sobre esta película, que es fascinante, hipnótica y con unas interpretaciones sobresalientes; todo lo que debería de ser una gran obra, desde la dirección, el montaje, la fotografía, etc. Poco o nada le falta a la cinta de Alberto Rodriguez; 10 Goyas lo corroboran.

Dar con el tono adecuado es siempre lo más difícil en una película. No basta con que la trama tenga interés o que la época y el lugar donde se desarrolla la acción sea veraz. Tampoco basta con que el casting sea perfecto y eficaz o que los diálogos se ajusten al ambiente y sus personajes. “La isla mínima” tiene todo eso y,  si bien es imperfecta, es una película que asume riesgos,  es original sin ser novedosa y, sobre todo, presenta una riqueza visual y una fuerza dramática asombrosas. Mostrar  lo conocido como si lo estuviéramos viendo por primera vez es muy gratificante. Encontrar soluciones arriesgadas para caminos trillados merece nuestra atención y reconocimiento.

Desde las primeras imágenes el director, Alberto Rodríguez, nos atrapa y nos seduce, captando nuestra atención. Con solo situar la cámara en un lugar inesperado  siembra el interés y la inquietud, consiguiendo fundir la trama narrativa con la textura visual: ¿cómo interpretar lo que vemos? ¿Cómo atar cabos en un entorno taciturno y excesivamente rural? ¿Cómo ver más allá de la superficie de las cosas y de las palabras hasta reconstruir la complejidad de unos crímenes atroces?.  Es esta superposición de capas y sugerencias  quizás lo más admirable de la cinta. Reproducir una época (año de 1980 con ecos de servidumbres recientes y esperanzas inciertas), desagraviar el olvido, apreciar los detalles que nos hacen entrever exenciones malsanas y tóxicas, reparar la inquietud de una comunidad al borde de la nada y con ganas de huir y salir adelante.

 

Quizás falte complejidad a la definición de personajes pero la poderosa trama policiaca avanza sin bajar el tono ni un momento, arrastrando al espectador a la abominable montaña rusa de las bajezas y perversiones humanas más aborrecibles. A veces, querer escapar de la desesperanza es caldo de cultivo propicio para el abuso y la extorsión sexual. No hay nada como tener dinero para comprar el silencio sepulcral. Y la impunidad permanece como una constante que dibuja un mapa negrísimo y desolador lleno de corruptelas y falsas promesas que son sólo el cebo falaz de la iniquidad.

La crónica negra nos lleva a contraponer las diferentes personalidades de los investigadores; uno con métodos dudosos, rudo, implacable, y quizás demasiado acostumbrado a éstos menesteres dado su anterior servicio en época de la dictadura, se trata del personaje interpretado por Javier Gutiérrez, que arrastra un pasado cuyos signos se reflejan en su alcoholismo y degeneración física.  El otro agente al que da vida Raúl Arévalo,  es un policía con aspiraciones de convertirse en protector de la justicia; de carácter familiar, más sensible quizás por menos baqueteado por la vida y con esperanzas en el reciente futuro en democracia. La metáfora de esas dos Españas en los dos personajes es cristalina y ambos se enfrentarán en su investigación, a un ambiente rural hostil que levantará las ampollas de una comunidad todavía anclada en los ideales pasados de unos y la excesiva libertad de otros al introducirse en el tráfico de drogas para salir de la pobreza.

La película se estrenó en el año de la reconciliación del cine español con cintas como “Ocho apellidos vascos” o “El niño”.

Es de destacar la impresionante fotografía de Alex Catalán que alcanza su máximo esplendor en las tomas aéreas digitalizadas e inspiradas en Héctor Garrido y que muestran un paisaje laberíntico en el que la verdad parece escabullirse delante de nuestras narices, como ocurre en las escenas de la persecución nocturna de un coche que desaparece en la densa lluvia llevándose consigo un trozo de esa verdad.

Lo mismo ocurre con la música de Julio de la Rosa que por momentos parece evocar al John Carpenter más inspirado.

En definitiva “La isla mínima” es una de esas películas que debería servir para convencer a aquellos que aún tienen perjuicios hacia el séptimo arte de este país. Radiografía de una época que casi sigue siendo la nuestra, donde la belleza paisajística no disimula los lodazales enfangados de la podredumbre humana. Muy potente, muy certera y arrolladoramente obstinada. Toda una experiencia cinematográfica.

Sin duda muy recomendable y como siempre la tenéis en la biblioteca. Podéis pasar a buscarla ahora mismo. DVD PE 4272.

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CINEMA PARADISO – El clan

“El Clan” es una película argentina de 2015 premiada en repetidas ocasiones. Ha sido la que más ha recaudado en los primeros 9 días desde su estreno a lo largo de los últimos años y es la segunda película más taquillera de la historia en Argentina y la de más éxito de su director y guionista Pablo Trapero.

Está basada en una historia real; la historia de una familia, aparentemente de lo más normal, en los años 80 que sobrecogió a todo el país cuando salió a la luz.

Produce espanto y perplejidad presenciar cómo una sociedad puede estar tan enferma, tan corrompida, tan amoral y tan echada a perder que acaba asumiendo e integrando en la cotidianidad una cadena de crímenes contra la libertad individual, contra la convivencia cívica y contra el sentido común; permitiendo que la criminalidad se adueñe del día a día. Cuando el horror se vuelve cotidiano, parece que cualquier excusa es válida (la necesidad de dinero, la envidia por el que tiene más que uno mismo, la supuesta injusticia de haber perdido el poder, las diferencias ideológicas, etc.) para cometer cualquier delito en beneficio propio, sin importar sus consecuencias.

Convivir con la crueldad, la infamia, la extorsión, la barbaridad nos vuelve insensibles a las atrocidades. Cuando privamos al otro de cualquier derecho y dignidad porque piensa diferente, porque tiene más, porque nació en la riqueza o tuvo la gracia del talento, entonces se desencadena la  barbarie y resulta casi imposible de dominar. Entonces se  desarrolla una ceguera horrorosa ante la crueldad y la  insensibilidad de las actuaciones, fijándose sólo en los fines,  omitiendo la inhumanidad de los medios.

Estamos ante una historia verídica situada en la Argentina de los años ochenta, pero su huella trasciende aquella época y aquella geografía hasta convertirse  en metáfora universal. El momento y el país resultan anecdóticos. Está tan bien reflejado que produce la sensación de estar asistiendo a un documental sobre el comportamiento de personas enfermas de violencia, de armas, de vanidad, de rango, de impunidad o de ambición  que atropellan a sus semejantes en beneficio propio. Cerrar los ojos parece la solución: lo que no vemos, no existe.

Uno de los aspectos más interesantes de la película, a mi entender, es esa respetable apariencia del mal ya que, como suele pasar, la mejor estrategia del diablo es hacer como que no existe, tal y como ocurre con la familia Puccio y su monstruoso jefe, lobo disfrazado de cordero.

Es la película más comercial de Trapero pero al mismo tiempo es muy profunda. Una gran producción a todos los niveles, en la que destacan las interpretaciones, posibilitando al cine argentino acercarse a hechos verídicos y trágicos de una manera inteligente pero sin excluir lo fascinante del espectáculo.

Destaca la actuación de Guillermo Francella, un actor versátil y camaleónico, de una  efectividad infalible. Su mirada y su gesto hielan la sangre y lo dicen todo. Igual se muestra frío y calculador que amante esposo y padre de familia.  Su poderosa actuación pasará a la historia de la más espeluznante villanía. También destacaría a Peter Lanzani que interpreta magníficamente al segundo de sus hijos al que el padre implica directamente desde el principio en los hechos criminales.

El clan es una película que pone la piel  de gallina, y curiosamente provoca más escalofríos con las escenas menos violentas. Secuencias donde podemos observar la vida cotidiana de la  familia cenando, viendo la televisión o manteniendo conversaciones que tratan sobre cosas intrascendentes mientras suenan de fondo los gritos y lamentos que provienen de un cuarto oscuro de la casa. Difícil de creer que todos los integrantes de ese patológico ecosistema pudieran hacer una vida normal escuchando los alaridos de los secuestrados, pero una vez más,  y sobre todo si se trata de la crueldad humana,  la realidad superó con mucho a la ficción.

En definitiva El Clan es una gran película, con buenísima dirección y un maravilloso reparto. La historia engancha, con un muy buen desarrollo y un final que sorprende por el cambio de ritmo que utiliza. Muy recomendable.

Y como siempre, si quieres disfrutar de ella no tienes más que pasar por la biblioteca “Miguel de Cervantes” y llevártela a casa. DVD PE 4553

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CINEMA PARADISO – La isla mínima

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Esta semana quiero reseñar una de las mejores películas que ha dado el cine español de los últimos tiempos. Se trata de “La isla mínima”; ganadora de los premios Forqué y Feroz, arrasó en la edición de los Goya 2015, encandilando a público y a crítica a unos niveles inimaginables.

Se han dicho muchas cosas sobre esta película, que es fascinante, hipnótica y con unas interpretaciones sobresalientes; todo lo que marca el equilibrio en una gran obra, desde la dirección, el montaje, la fotografía, etc. Poco o nada le falta a la cinta de Alberto Rodríguez; 10 Goyas lo corroboran.

El viaje a los 80 en una aldea de las marismas del Guadalquivir, como marca y estigma de esa España profunda, mezcla distintos elementos diseccionando una época que enfrenta a dos personajes opuestos y característicos de esas dos patrias que aún conviven. Precisamente Alberto Rodríguez remarca en esa crónica negra, en la que no falta alguna referencia al mítico semanario “el caso”, el choque de métodos entre los dos detectives para resolver una doble desaparición que va mutando y dirigiendo a los dos protagonistas a un abismo y a una intersección moral y ética.

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La crónica negra nos lleva a contraponer las diferentes personalidades de los investigadores; uno con métodos dudosos, rudo, implacable, y quizás demasiado acostumbrado a estos menesteres dado su anterior servicio en época de la dictadura, se trata del personaje interpretado por Javier Gutiérrez, que arrastra un pasado cuyos signos se reflejan en su alcoholismo y degeneración física.  El otro agente al que da vida Raúl Arévalo,  es un policía con aspiraciones de convertirse en protector de la justicia; de carácter familiar, más sensible quizás por menos baqueteado por la vida y con esperanzas en el reciente futuro en democracia. La metáfora de esas dos Españas en los dos personajes es cristalina y ambos se enfrentarán en su investigación, a un ambiente rural hostil que levantará las ampollas de una comunidad todavía anclada en los ideales pasados de unos y la excesiva libertad de otros al introducirse en el tráfico de drogas para salir de la pobreza.

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La película se estrenó en el año de la reconciliación del cine español con cintas como ésta, “Ocho apellidos vascos” o “El niño”.

Es de destacar la impresionante fotografía de Alex Catalán que alcanza su máximo esplendor en las tomas aéreas digitalizadas e inspiradas en Héctor garrido y que muestran un paisaje laberíntico en el que la verdad parece escabullirse delante de nuestras narices, como ocurre en las escenas de la persecución nocturna de un coche que desaparece en la densa lluvia llevándose consigo un trozo de esa verdad.

Lo mismo ocurre con la música de Julio de la Rosa que por momentos parece evocar al John Carpenter más inspirado.

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En definitiva “La isla mínima” es una de esas películas que debería servir para convencer a aquellos que aún tienen perjuicios hacia el séptimo arte de éste país. Sin duda muy recomendable y como siempre la tenéis en la biblioteca. Podéis pasar a buscarla ahora mismo. DVD PE 4272.

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CINEMA PARADISO – Pride

Pride

Hoy quiero recomendar una película social al más puro estilo del cine británico, ante el que me descubro una vez más. Consigue convertir un guion aparentemente banal, aunque lleno de buenas intenciones, en una película desbordante de calor humano, tan escaso en estos tiempos, verosímil, cercana creíble, socialmente comprometida y llena de alegría por la vida, sazonada además con los mejores valores comunitarios, sin caer en lo manido ni rendirse al panfleto desbocado o partidista.

Los británicos llevan desde mediados de los 90 haciendo divertidas comedias de tema social con buen rollo como “Tocando al viento”, “Full Monty”, “Billy Elliot”, o la más reciente “Phillomena”. Pues bien, el último ejemplo de este cine es “Pride”, dirigida por Mattheu Warchus, la última gran sorpresa del cine británico.

Fue nominada a mejor película en los premios Bafta y triunfó en los  British Independent Film Award. Es una de esas películas que están dando que hablar gracias sobre todo al boca a boca y de hecho está convirtiéndose en una  feel-good.

Trata dos temas sociales bastante controvertidos como son la minería en Inglaterra, durante el mandato de Margaret Thatcher y la homosexualidad, todo ello enmarcado  en la primera mitad de los 80.

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Ya sabemos gracias a la película  “Billy Elliot” que los mineros ingleses no lo pasaron muy bien bajo el mandato de Margaret Thatcher y en “Pride” se nos muestra de nuevo esta lucha a la que se une el movimiento de gays y lesbianas, todos ellos luchando por sus derechos y unas mejores condiciones de vida. Así, se nos traslada al verano de 1984, cuando el Sindicato Nacional de Mineros convoca una dura huelga en un pulso a la primer ministro. Un grupo de gays y lesbianas quiere apoyar la causa y durante la manifestación del Orgullo Gay en Londres recauda fondos para las familias de los mineros.

***SUNDAY CALENDAR SNEAKS STORY FOR SEPTEMBER 7, 2014. DO NOT USE PRIOR TO PUBLICATION********** Nia Gwynne as Gail, Jessica Gunning as Sian, Liz White as Margaret, Menna Trussler as Gwen and Imelda Staunton as Hefina in the movie  PRIDE to be released by CBS Films. Photo credit:  Nicola Dove

El único problema es que el sindicato no acepta el dinero por absurdos prejuicios ante la comunidad gay. Los activistas no se desalientan. Deciden saltarse al sindicato e ir directamente a los mineros. Escogen un pueblecito de Gales al que van en un minibús. Allí, tendrán que enfrentarse a una sociedad bastante conservadora y  algo reticente a recibir su apoyo hasta que descubre que sus luchas no son tan diferentes y que juntos pueden ser más fuertes.

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Basada en hechos reales, “Pride” tiene una primera intención de profundizar en el conflicto político y social de los mineros y los homosexuales en Inglaterra en los 80, algo que pronto se convierte en la excusa perfecta para centrarse  en la idea central de la cinta,  basada en la unión hace la fuerza y la solidaridad por una lucha común: la del derecho a que todo el mundo viva su vida con dignidad y se sienta  orgulloso por ello.

Rodada de forma muy fresca y sin florituras, la película juega todas sus cartas al choque cultural entre los mineros y los urbanitas homosexuales, y gana al saber mostrar la evolución de sus relaciones que van desde el rechazo hasta el apoyo mutuo más absoluto gracias a situaciones divertidas, la ternura de este entendimiento y el pequeño tinte de drama, pero tratado con mucha sensibilidad y humor, que supone encontrarse en una huelga como la que vivieron los mineros ingleses o enfrentarse a la enfermedad del SIDA.

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Para ello, Matthew Warchus consigue reunir a un reparto coral con un encanto único que dan  vida a todos estos personajes aparentemente sencillos y que acaban alimentándose unos a otros a nivel emocional. Así nos encontramos  con grandes veteranos como Bill Nighy, Dominic West o Imelda Staunton, elegantes, perfectos, en definitiva, una delicia. Y un grupo de jóvenes actores británicos impresionantes y carismáticos como George Mackay, al que no hay que perder de vista en próximos trabajos o Faye Marsay, entre otros.

Con el ritmo musical de los 80 de temas de los Pet Shop Boys o Queen, “Pride” comienza y termina con dos canciones emblemáticas del movimiento obrero anglosajón. “Solidarity for ever” (Ralph Chaplin, 1915) interpretada por Pete Seeger y “There is power in a union” (Joe Hill, 1913), por Billy Bragg. En el centro de la trama, en el momento culminante de emotividad desbordante, un coro abrasa los sentidos con su interpretación del “Pan y rosas”. Lleva la voz principal una jovencísima Bronwen Lewis, oriunda de Onllwyn, el poblado minero en Gales donde se sitúa esta historia.

Matthew Warchus no traza  una película redonda si nos ajustamos a los cánones narrativos de lo que tiene que ser una película perfecta, pero eso es lo de menos. Lo más importante y lo que imprime carácter a la película es el buen rollo que transmite gracias a la solidaridad de sus personajes, su profundidad y el saber hacer de su magnífico reparto y todo esto hace se tenga la sensación de  haber visto algo diferente., igual que ocurrió al ver “Billy Elliot” o “Full Monty”.

En definitiva “Pride” es una gran película que emociona y moviliza. Muy recomendable, y como siempre la podéis encontrar en la biblioteca DVD PE 4301

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

4 meses

Hola amigos. Esta semana le toca el turno al cine rumano. Dicho así puede resultar algo extraño, pero allí también se hace buen cine y prueba de ello es la película que propongo, “4 meses tres semanas y dos días”, ganadora de la Palma de Oro a la mejor película en el festival de Cannes 2007, Premio Goya a la mejor película europea en 2008, además de otro buen número de premios.

Está ambientada en los últimos años del comunismo en Rumanía, en los años 80,  y narra los problemas de dos estudiantes que se enfrentan al embarazo no deseado de una de ellas, en una época en la que el aborto estaba prohibido por la ley.

El ambiente opresivo de la Rumanía de los últimos años de la dictadura de Ceaucescu, invita en principio a contar un simple relato de denuncia social (la prohibición del aborto en 1966 elevó los índices de natalidad y llevó a la muerte a más de 500.000 mujeres por abortar ilegalmente).

Sin embargo su director, Cristian Mungiu,  utiliza ese contexto para exponer el auténtico tema central del film: el miedo. Ese miedo que flota en el ambiente, que casi se puede tocar, cuyo poder te paraliza y permite al espectador experimentar lo que supone la falta de libertad. Es el miedo a cualquier mirada, a cualquier descuido fatal, un miedo que hace que te sientas atrapado. Elegir la tétrica Bucarest de los 80 como telón de fondo no fue casualidad.

Gran parte de la película está rodada cámara en mano, lo que sumerge de lleno al espectador en el ambiente de Bucarest, y consigue que te identifiques con la protagonista y su particular periplo por la capital rumana. Este recurso se alterna con planos fijos, algunos muy prolongados, que ayudan a crear una sensación de angustia y opresión.

angustia

 

El director, va directo al grano, no parándose demasiado en pormenores. Enseguida nos mete en la acción y lo hace prácticamente en tiempo real, dividiendo la trama en cuatro actos, o partes bien diferenciadas: preparativos, estancia  en el hotel,  fiesta de cumpleaños y desenlace. En las cuatro partes, el punto de vista siempre es el mismo, el de una chica llamada Otilia, quien por amistad, ayuda a su compañera embarazada, y es curioso que la película esté narrada desde la perspectiva de este personaje y no del de la chica que quiere abortar, lo que hubiera sido más lógico. Pero a veces, el escapar de la lógica o de lo esperado, nos presenta aciertos como este caso,  ya que precisamente ese punto de vista le da otro cariz distinto al de otro drama social que trate este mismo tema.

La actuación de la actriz que interpreta este papel, Anamaria Marinca, es impecable, pues es capaz de sostener el plano con una entereza envidiable.

En definitiva es una película concisa, dura, nada manipuladora. De esas que no abundan mucho últimamente.

Y como siempre, podéis encontrarla en nuestra biblioteca DVD PE 3773.  Sigue leyendo

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RECOLECTURAS – Presentación del libro “Los góticos también lloran” de Nerea Aznar

cubierta Los góticos también lloran de Nerea AznarOs invitamos a la presentación que el próximo viernes 25 de octubre tendrá lugar en la Biblioteca Miguel de Cervantes a las 19:30 horas de la primera novela de la escritora fuengiroleña Nerea Aznar, Los góticos también lloran. 

La presentación y moderación estará a cargo de Salvador Moreno, editor de la novela, y contará con la presencia de la autora.

La joven editorial Alvaeno Ediciones publica la primera novela  de Nerea Aznar, autora que dará que hablar en el mundo de la narrativa española, por lo pronto su primera obra nos adentra en el mundo de las tribus urbanas, es este caso Los góticos, libro en el que muchos jóvenes, y no tan jóvenes se verán reflejados.

Sinopsis: ¿Nunca ha querido saber qué pasa por la mente de ese chico o chica vestido completamente de negro de pies a cabeza, que luce un collar de pinchos al cuello o un crucifijo bocabajo y cuida de que su tez permanezca siempre pálida?

Ésta es una novela sobre la música, la adolescencia, el conflicto generacional, el inconformismo juvenil y la oscuridad entendida positivamente. Es una crítica y una alabanza, una tesis, una reflexión y una cuchufleta, todo al mismo tiempo, del mundillo gótico, sus músicas e idiosincrasias.

Los Góticos también lloran narra las historias de dos chicas góticas, Liturgia y Amanda, desarrolladas en dos momentos históricos diferentes de la movida siniestra desde su aparición a principios de los años ochenta, hasta su supervivencia hoy día.

Al lector que se atreva a penetrar en este cuento psicológico moderno, una recomendación: relájese y exponga su cuello a los mordiscos de la imaginación vampiresca.

Sobre la autora: Nerea Aznar emerge de las tinieblas una fría mañana de enero de 1975. En su búsqueda de la luz pasa por las Universidades de Granada y UNED donde obtiene respectivamente los títulos de licenciada en Traducción e Interpretación y el Máster en Formación e Investigación Literaria en el Contexto Europeo. Además de seguir el tramposo camino de la narrativa que la lleva a publicar su primera novela Los Góticos también lloran, sus oscuras inquietudes la han llevado a componer y recitar poesía. Ha intervenido en diversos recitales de la provincia de Málaga y ha participado en publicaciones como el I Ciclo Poesohail, Encuentros de poetas (2013). Parafraseando a F. Kafka, su modus vivendi es: “El escritor que no escribe es un monstruo que invita a la locura”. Sigue leyendo

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