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CINEMA PARADISO – Blancanieves

Después de unas vacaciones en el mes de diciembre  y una baja por enfermedad durante el mes de enero, vuelvo a retomar mi actividad laboral y con ella la reseña semanal de cine como viene siendo habitual desde hace unos años.  Estoy feliz de poder hacerlo de nuevo.

El próximo fin de semana se van a fallar los Premios Goya, la fiesta del cine español por excelencia. Son los galardones que anualmente otorga la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España con el fin de premiar e incentivar  a los mejores profesionales y a los mejores trabajos de las distintas categorías  del sector durante el año anterior a la entrega del galardón. El nombre de “Goya” se debe a que la estatuilla con la que se premia es un busto de Goya pues se pensó que el genio había tenido un concepto pictórico muy cercano al cine ya que en muchas de sus obras se puede apreciar un tratamiento secuencial; además se trataba de un nombre corto, a semejanza de otros grandes premios del cine.

La primera edición tuvo lugar en marzo de 1987 en el teatro Lope de Vega de Madrid y desde entonces se ha celebrado cada año. Sólo un año la gala ha salido de Madrid para celebrarse en Barcelona pero salvo en esa ocasión, siempre se celebra en Madrid.

En el año 2012 obtuvo el galardón  en la categoría de “Mejor Película” precisamente la que quiero reseñar hoy como homenaje a los Premios Goya. Se trata de “Blancanieves”, una película muy peculiar sobre todo en su formato, pues se trata de una película muda, en blanco y negro y con la música como hilo conductor.

Su director, Pablo Berger, y en general todo el equipo se llevó un varapalo cuando, después de años de duro trabajo y estando la película a punto de presentarse, saltó la noticia de que The Artist, película también muda y en blanco y negro,  se había estrenado y con gran éxito, como luego demostró en los Oscar.

Lo cierto es que, tras su estreno, la película cautivó al público de las salas. Lluis Bonet Mujica, de La Vanguardia comentó de ella que: “Podía ser un disparate, más penoso que hilarante, pero aparte de su fascinante poder visual, la película combina maravillosamente el humor negro, la sátira social y un tono cercano al gran cine expresionista alemán”.

Su director dijo de ella que en Japón por ejemplo fue un acontecimiento inesperado y que la historia encontró sentido “al saber que es una historia que conecta, que habla de acciones, de sensaciones. Las pasiones no son tan lejanas entre nosotros”.

Como todo el mundo sabrá ya a estas alturas, se trata de una versión bastante especial del cuento del mismo nombre de los hermanos Grimm, en la que no faltan los enanitos, la madrastra o el padre engañado y cómo no, Blancanieves. Se desarrolla en España en los años veinte del pasado siglo en un  país lleno de tópicos.

Posee un enorme poder visual con una magnífica fotografía y es una de las películas más sorprendentes de los últimos años; una audaz apuesta que primero sorprendió y después convenció. A mí personalmente me encantó.

La interpretación de Maribel Verdú como la malísima madrastra o Macarena García como la inocente Blancanieves son dignas de reseñar. Así mismo se han cuidado todos los detalles y posee una  plástica abrumadora, fruto del gran equipo técnico que la llevó a cabo, no sin dificultades ya que les costó mucho encontrar la financiación suficiente para la que se consideraba una apuesta arriesgada y que gracias al empeño de su director, consiguió ver la luz.

No en vano fue nominada en su día en 18 categorías para los premios Goya, ganando 10 de las mismas, entre ellas Mejor Película, Mejor Actriz Protagonista o Mejor Actriz Revelación, Mejor Música Original o Mejor Canción Original  entre otras.

Así mismo obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de cine de San Sebastián, así como la Concha de Plata a la Mejor Actriz para Macarena García.

En la edición de ese mismo año de los Premios José María Forqué obtuvo dos importantes galardones y así un largo etcétera. Cuando  una película es merecedora de tal cantidad de premios, lo más probable es que sea buena de verdad, y ese es su caso. Por lo tanto estamos ante una buena película que merece la pena ser vista.

Y como siempre, es tan fácil como pasar por la biblioteca, sacarla en préstamo y disfrutarla en casa. DVD PE 3781

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CINEMA PARADISO – El sueño de Ellis

La isla de Ellis, también llamada “la puerta del paraíso” es una isla situada junto a la Estatua de la Libertad en Nueva York, por la que millones de inmigrantes pasaban antes de iniciar una nueva vida en Estados Unidos, que no siempre fue mejor que la que dejaron en Europa. Movidos, unos por la aventura, otros por no pasar hambre…, todos compartían el mismo objetivo, tener más calidad de vida y un futuro para ellos y sus familias.

Apenas una hectárea de tierra fue la puerta del sueño americano de aproximadamente doce millones de europeos entre 1892 y 1954 y que ya en 1890 se había convertido  en el Centro Federal de Inmigración, el gran filtro para el flujo migratorio transatlántico.

A principios del siglo XX, los emigrantes comenzaron a ser un negocio para las grandes compañías navieras que entraron en una competencia feroz por reducir el precio del pasaje. En 1904 el pasaje de tercera clase costaba sólo 10 dólares, por lo que viajar a América estuvo al alcance de los más pobres, aunque hubiera que sumarle dos dólares de “derechos de entrada”. Cientos de familias no dudaron en aventurarse a pesar de tener que vivir hacinados durante más de una semana de viaje en la cubierta y bodegas de los buques.

Aunque la Estatua de la Libertad era lo primero que veían los  inmigrantes, el trato a los viajeros de tercera clase dejaba mucho que desear. Colas de entre tres y cinco horas esperando la carta de admisión a una nueva vida que solo se concedía si se superaban los exámenes médicos, además de…”no ser un delincuente convicto ni retrasado mental, ni anarquista, ni epiléptico, ni promiscuo, ni mujer de mala reputación”.  En 1917 se impuso un nuevo filtro, había que saber leer y escribir. Y aun así, tanta restricción no pudo evitar la entrada masiva de inmigrantes de los que sólo uno de cada cien tomó el barco de vuelta. Estos inmigrantes contribuyeron en gran medida a la construcción de los Estados Unidos durante los siglos XIX y XX.

La película que recomiendo ésta semana, “La isla de Ellis” trata un tema de máxima actualidad en el mundo, de la mano de las medidas que la era TRUMP está imponiendo en el asunto de la inmigración en Estados Unidos. Narra la historia de algunos de estos inmigrantes de finales del siglo XIX y principios del XX y de las penalidades que hubieron de pasar precisamente en esta isla antes de entrar en la tan ansiada América. Me vuelvo a volcar en un tema histórico pues como muchos sabéis, me apasiona la historia.

Ewa, encarnada por Marion Cotillard, es una joven recién llegada a la isla de Ellis desde Polonia. La acompaña su hermana Magda, enferma de tuberculosis muy probablemente contraída en el barco, que es puesta en cuarentena antes de permitirle la entrada y Ewa hace lo que sea por salvarla, incluso depositar su confianza en Bruno (Joaquin Phoenix), un proxeneta a su manera, hasta que aparece Orlando ( Jeremy Renner), un mago primo de Bruno que le devolverá la esperanza de alcanzar algún día su sueño. Se trata de un melodrama que habla de prostitución y de engaño, de explotación y de salvación.

“El sueño de Ellis” utiliza recursos de un melodrama pero a ello le añade el gusto por los personajes imprevisibles y salvajes. De nuevo, el poco prolífico director James Gray (cinco películas en 20 años), le deja a uno con la sensación de estar ante un tipo de cine demasiado olvidado (en pro del desmesurado abuso de la acción y los efectos especiales en detrimento de un buen guión, de una buena historia); ese cine que solemos identificar con los grandes nombres de los setenta.

Tan sólo por eso, “El sueño de Ellis” vale la pena. Y como siempre, sólo tenéis que acercaros por la biblioteca para poder disfrutar de la película DVD PE 4264

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Esta semana quiero recomendar un película que es toda una historia de superación personal. La superación de un hombre que fue capaz de enfrentarse al mundo entero como una de las figuras más importantes de su tiempo a pesar del problema de comunicación que tenía. Su exagerada tartamudez.

Película dirigida por Tom Hooper, ganó el premio del público en el Festival de Toronto, recién estrenada. Fue la triunfadora de los Oscar en 2011 alzándose con 4 estatuillas de las más importantes (mejor película, director, actor protagonista y guion original). También ganó el Globo de oro al mejor actor, siete Premios Bafta (entre ellos mejor película), el Goya a la mejor película europea, además del Independet Spirit Award a la mejor película extranjera entre otros galardones.

Fue una de las películas más taquilleras del año 2010 y una de las que más recaudación ha obtenido en todo el mundo en comparación con su presupuesto. Y todo eso podría resultar impensable si tenemos en cuenta que la historia trata solamente de un rey tartamudo y de su peculiar logopeda. Pero “El discurso del rey” no es un retrato exclusivo de ciertas personas en un determinado momento histórico, sino que abarca temas tan generales y poderosos como la frustración y la superación personal, la amistad y el amor, la responsabilidad y el miedo.

Escrito por David Seidler, es un relato que se centra en un miembro de la realeza, bloqueado ante un micrófono, debido en gran parte a la frustración que le provoca su tartamudez. Ese bloqueo lo hemos sentido todos de alguna manera a lo largo de nuestra vida y ahí radica la genialidad del guion, tratar la superación de un conflicto que podemos sentir muy cercano, reforzado con la magnífica interpretación de Colin Firth dando vida a un complicado personaje.

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El guionista se inspiró en su propia vida cuando empezó a elaborar el guion de “El discurso del rey”. Sufrió tartamudez hasta su adolescencia y oyó en directo los discursos de Jorge VI, impactándole sobremanera. Ya de adulto pidió permiso a la Reina Madre para incluir la vida del monarca y de ese episodio concretamente en un guion, pero la viuda le contestó que esperara hasta su muerte, pues no deseaba reavivar sus recuerdos.

También se dice que Colin Firth tuvo que lidiar en su juventud con un nódulo en las cuerdas vocales, sufriendo durante un tiempo la impotencia de quien es tomado por un torpe al no poder expresarse como los demás. Estas experiencias son importantes y es seguro que se reflejan en el resultado final en la pantalla.

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La impecable labor de producción hace que  nos traslademos a la Inglaterra de los años 20 y 30 para asistir al drama del rey Jorge VI, que debe superar su tartamudez para poder dirigirse a su pueblo, para poder comunicarse con unas gentes que necesitaban desesperadamente un líder en un momento crucial, tras la declaración de guerra a la Alemania de Hitler. Como Duque de York que era, había llegado a tolerar la ansiedad que le provocaban los actos públicos amparado por las atenciones de su esposa (interpretada por Helena Bonham Carter), consciente de que su hermano mayor heredaría el trono de su padre Jorge V. Sin embargo la irresponsabilidad de Eduardo, envuelto en un escándalo por su relación con una estadounidense divorciada, le obliga a abdicar, cediendo la corona a su acomplejado hermano Jorge. Éste, necesitado de una voz que se resiste a salir, y guiado por su esposa, deposita su confianza en los inusuales métodos de Lionel (Geoffrey Rush), un australiano aficionado a interpretación y que demuestra mayor competencia  que los médicos de la nobleza en los problemas del habla.

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La interpretación de Colin Firth es portentosa en esta película, pero se apoya en la no menos magistral de Rush encarnando a Lionel Logue. Es con ellos que la película alcanza sus mejores momentos. Los eventos asociados a la pesada responsabilidad que debe asumir “Bertie” (como insiste en llamarle Lionel) es la excusa que hace avanzar la trama, si bien lo más interesante es la relación que se establece entre estos dos hombres de origen y carácter tan diferentes. La diferencia de clases, los complejos del británico y el desparpajo del australiano complican el acercamiento, pero poco a poco se asienta la confianza y el respeto, llegando a una amistad que, tal como nos aclaran en los créditos finales, se mantuvo firme con el paso del tiempo. Es curioso que solo se hable de cómo Jorge VI logró recuperar su voz (no del todo, pero lo suficiente para superar sus inmediatas obligaciones), cuando también Lionel experimenta una evolución interior a lo largo de la película, debiendo luchar contra los prejuicios ajenos y sus propias flaquezas, para poder ayudar al monarca.

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Resulta patente la solidez sobre la que se ha construido la película. Con un cuidado diseño, escrita con una mezcla de complejidad y sencillez que caracteriza a sus personajes, interpretada por formidables actores y con una música excelente de Alexandre Desplat,  la película cuenta con todos los atractivos para conquistar al público como así lo hizo en su día.

La podéis encontrar en la biblioteca, como siempre, DVD PE 3989

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

faldas Esta semana le toca el turno a un clásico del cine y del gran Billy Wilder , “Con faldas y a lo loco”. Se trata de una entrañable farsa; un sensacional  juego de identidades falsas y equívocos que utiliza Wilder para parodiar el cine de gánsteres y realizar así una de las mejores comedias de la historia del cine. Escribe el guion junto a su habitual colaborador Diamond y consigue que no le sobre ni le falte ni una sola frase. Todo es un engranaje perfecto para situar las peripecias de una travestida pareja dentro de un sinfín de situaciones desternillantes. Para cuando el gran maestro austriaco realizó “Con faldas y a lo loco” (1959), ya contaba en su haber con varias obras maestras: “Perdición” (1944), “El Crepúsculo de los Dioses” (1950), “El Gran Carnaval” (1951) y “Testigo de Cargo” (1957) por nombrar sólo unas pocas. Pero con este relato a cerca de dos amigos músicos que, travestidos, se insertan en una orquesta de señoritas para salvar el pellejo de las garras de la mafia del Chicago de la Ley Seca, escribe una página de oro en la historia de la comedia. Este film de Wilder está considerado en muchos círculos como la mejor comedia de la historia del cine. Aunque pueda parecer exagerado y gustos aparte, no puede negarse que la obra cuenta con todos los elementos necesarios como para hacer justicia con esa sentencia. faldas2 En primerísimo lugar, el propio Wilder. En su doble rol de director y coguionista, hace un trabajo maravilloso. Nada sobra, nada falta en el relato. La puesta en escena es lo suficientemente transparente como para no distraernos de la fábula. Y las líneas de diálogo son ágiles y magistrales. Además, Wilder demuestra su enorme destreza en la dirección de actores. Es sabido que Marylin Monroe tenía buenas dotes de comediante, pero también es cierto que este film la encuentra al comienzo de sus años más oscuros en lo personal y esto suscitó mil y un problemas en el rodaje. Aún con todos los inconvenientes, el resultado es grandioso. Wilder hilvana con maestría una escena detrás de otra ofreciendo una lección de agilidad narrativa y mostrando una cómica visión de finales de los felices años 20 con referencias tanto sociopolíticas como la Ley Seca o culturales en las citas que hace a héroes del cine mudo como Rodolfo Valentino. También, y a ritmo de Jazz, la película destila una “maligna” visión del hombre desde el punto de vista femenino. faldas3 Y el guion es un perfecto ejercicio de literatura cinematográfica. Los personajes están absolutamente dibujados, redondeados, nada es difuso en sus diálogos  o en sus acciones. En el título original (“Some Like It Hot”) incluso, tenemos un doble significado, puesto que al decir “algunos las prefieren calientes”, no sólo se habla en sentido picaresco de la sensualidad y sexualidad que desborda la pantalla, sino también del tipo de música que ejecuta la orquesta de señoritas, variante del jazz denominada, precisamente, “hot”. faldas4 Jack Lemmon y Tony Curtis están magníficos en sus respectivos papeles, convirtiéndose el primero en uno de los actores fetiche de Wilder. Marilyn Monroe también está soberbia, vestida por Orry-Kelly, quien obtuvo un Oscar al mejor vestuario en ésta película, y demuestra sus cualidades como actriz de comedia, incluso como cantante, al interpretar con enorme dulzura temas clásicos como “I Wanna Be Loved By You” o “I’m Through With Love”.  Es de destacar también George Raft que se autoparodia representando el papel de gángster que tantas veces había encarnado en los años 30, entre ellos en “Scarface” de Howard Hawks junto a Paul Muni. faldas5 Joe E. Brown está también sublime interpretando  a un añoso y simpático millonario que vive una estrambótica relación amorosa con Jack Lemmon. Cabe destacar la interpretación del baile entre ambos de “La Cumparsita” como uno de los momentos cumbre se la película. Es él quien con la frase “Nadie es perfecto” pone fin a una de las mejores comedias de la historia del cine. Además, salvo la cautivante comicidad de Jack Lemmon, la enorme simpatía de Tony Curtis, la inconmensurable belleza de Marylin y la asombrosa genialidad del señor Wilder… salvo eso, “nadie es perfecto”. Y lo mejor de todo, como siempre, es que podéis encontrarla en nuestra biblioteca DVD PE 1691 faldas6 Sigue leyendo

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

horasHoy quiero reseñar una película que tiene mucho que ver con la literatura. Se trata de “Las horas”, basada en la novela de Michael Cunningham, del mismo título y dirigida por Stephen Daldry. Narra la vida de Virginia Wolf , interpretada por Nicole Kidman, enlazada con la de otras dos mujeres interpretadas a  su vez por la gran Meryl Streep y Julianne Moore.

La película, con guion de David Hare y basada en la novela que obtuvo el premio Pulitzer de ficción, trata un día en la vida de tres mujeres distintas, de distintas épocas, que se conectan a través de la obra de Virginia Woolf.

Resulta difícil hablar de una película que se desborda y ante la cual, cualquier cosa que pueda decirse, no deja de ser una visión parcial. Unos pocos personajes, unos escenarios ajustados, unos objetos cargados de significado y esa atmosfera de Chèjov. Seres que  son muy conscientes de dónde están, de hacia dónde van y de cuáles son esas trampas que deben de esquivar y eso es lo que les aterra.

En Las Horas, todos los elementos son importantes y no podría existir uno sin los demás: La historia base de Michael Cunningham, los actores, la música de Philip Glass y el trabajo de David Hare. Sin cualquiera de estos elementos, hubiera fallado, no habría alcanzado el nivel que presenta. Para poder comprender y abarcar la obra en su totalidad, es recomendable profundizar en las cuatro fases.

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Es admirable la adaptación que Hare hace de la premiada novela. Además, el salto a la película de ese guion no habría podido realizarse sin la música de Glass. Su música transmite ese trasfondo que Cunningham crea al meterse en la mente de sus personajes. El trabajo de Glass sirve para unir a las tres mujeres, para mostrar la base sobre la que ellas caminan. No se trata de un ornamento para resaltar imágenes pobres o historias débiles, sino todo lo contrario. El espíritu del libro se traduce en música y esto permite que todo lo demás encaje.

Y a dónde no puede llegar la música, ahí están los actores, especialmente las actrices, que con su trabajo abarcan todos los detalles y matices de la obra.

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Es difícil contar en la pantalla la profundidad psicológica y mental de los personajes, (sobre todo cuando el director se resiste a utilizar una voz en off o la conversación con otro personaje), que lo que quiere mostrar es la vida interior del propio personaje. Todo recae en la actriz que tiene que representar con sus dotes interpretativas ese pensamiento y todas las palabras que no se dicen. Ese es el momento en el que se sabe si alguien es actor/actriz o no lo es. Ahí no caben matices, y son las actrices de ésta cinta, Julianne Moore, Meryl Streep  o Niccole Kidman las que lo avalan.

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Es sobre todo, esto; música, guion, historia,  personajes y un director que logra unirlo para que en ningún momento el ritmo y el interés decaigan lo más mínimo. Es una historia que representa tantos niveles que prácticamente cada espectador tiene una puerta por dónde acceder a ella; una oferta para cada mirada y muchas miradas para una historia que es, sobre todo, una defensa de la mujer frente a un mundo creado por hombres, que son los que se marchan a la oficina y los que corrigen errores de los demás, pero que en el fondo son frágiles y tienen miedos, tal y como los describe Woolf, ajenos a la influencia del libro. El hombre por tanto crea la base y la mujer la historia.

El tiempo en esta cinta es otro nivel de interpretación que permite, como si de otra puerta se tratara, ver la película como una representación de todo el proceso de la literatura. La escritora, la lectora y un salto al futuro que da valor al esfuerzo de la escritora, y es la protagonista. Pocas veces se ha logrado demostrar con tanta eficiencia qué es la literatura y para qué sirve.

Sorprende también la forma en que se trata el tema del amor, que lo imbuye todo y sin embargo es un niño el que pronuncia el único “te quiero” en toda la película. O el tema de la belleza, representada en las flores que compra Clarissa. ¿Cómo se puede conseguir tanto con la representación de la vida de tres personas distintas en un solo día? Y al final, la defensa de Clarissa de esas horas que lo justifican todo: “Vivimos nuestra vida, hacemos lo que hacemos y luego dormimos. Es tan sencillo y vulgar como esto…. Apreciamos no obstante la ciudad, la mañana; por encima de todo confiamos en que sigan existiendo.”

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En resumen, la película habla de unas vidas truncadas por la imposibilidad de los personajes de poder actuar con libertad y seguir el camino que sienten. Y así, las miradas se pierden y los pensamientos vuelan, para luego estancarse, anclados en las horas que avanzan cansadas, aletargadas. ¿Cómo vivir cada día, uno tras otro, con la sensación de que hay algo que no funciona y que no te deja ser feliz? ¿Cómo sobrevivir a las horas, esas horas que llegan después y siempre vienen a recordarte tus desdichas? Por eso, cada hora es importante. En cada hora, debes tratar de inclinar la balanza a tu favor para desear que lleguen las horas siguientes y, a la vez, anhelar que estas horas no pasen nunca.

La vida de tres mujeres en un sólo día; tres dramáticas historias cuidadosamente hiladas a través del delicioso sabor de la literatura. Tres destinos en tres tiempos distintos y que sin embargo comparten, por extraño capricho del destino, un secreto, un sino y una vital decisión, LAS HORAS. Una película intensa y muy reflexiva. ¡Y lo mejor de todo es que la podéis encontrar en nuestra biblioteca!.  DVD PE 2970 

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CINEMA PARADISO – De cine con mi biblioteca

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Esta semana volvemos con los clásicos, y en esta ocasión le toca el turno al genial director Billy Wilder, uno de mis directores favoritos, y a su película Primera Plana. Obra maestra basada en la obra teatral homónima de Ben Hecht y Charles McCarthur, que ya había sido llevada al cine por Lewis Millestone en 1931 con el título Un gran reportaje, y por el gran Howard Hawks en 1940 en la también magistral Luna Nueva.

Esta versión de 1974 pone sobre la mesa el periodismo sensacionalista junto a otras cuestiones como la clase política y el sistema penitenciario. En ella se identifican diferentes tipos de periodistas, todos muy reconocibles.

La historia refleja un hecho universal que hoy mismo podemos ver en cualquiera de los noticiarios de televisión, radio o prensa escrita. El reflejo de unos poderes políticos incompetentes, corruptos, donde la avaricia por el poder está por encima de cualquier otro credo.

La película tiene unos diálogos excelentes, algo que destaca siempre en la filmografía de Wilder, con unos toques de humor muy divertidos y un ritmo en el que no hay tiempos muertos. Nos mantiene constantemente en un diálogo interesante, lleno de ironía, de comicidad y con mucha crítica sobre los diferentes roles que refleja. Pasa de una escena a otra sin dejar que nos demos cuenta de la transición entre ellas, enganchándonos en sus divertidas situaciones llenas de sutilezas del lenguaje.

La acción transcurre en la sala de prensa del Tribunal Supremo, durante unas horas de un día de 1929, en donde los periodistas esperan noticias sobre una inminente ejecución. El indulto o la confirmación de la condena. El director del Chicago Examiner Water Burns (Walter Matthau) espera con impaciencia la crónica de su mejor periodista Hildy Johnson (Jack Lemmon), pero éste no da señales de vida, afanado en los preparativos de su inminente boda. Se presenta en las oficinas del periódico y le comunica a su jefe que se retira de la profesión. El jefe se niega, entusiasmado de marcar época en el periódico con la mejor portada de todos los tiempos y se niega a aceptar la dimisión, así es que va a utilizar todas las sucias artimañas de las que es capaz para hacer que la confiada novia de su empleado desista de su casamiento. Mientras tanto, Hildy acude a la sala de prensa del juzgado para despedirse de sus compañeros y celebrar con ellos su inminente boda. Pero pronto se producirá un giro inesperado de los acontecimientos cuando el condenado emprende su huida, una noticia que un periodista vocacional como Hildy no puede dejar escapar.

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El reparto es excelente. Destacan como siempre Jack Lemmon y Walter Matthau, con una gran química que les llevó a trabajar juntos en innumerables ocasiones. Ambos interpretan unos duelos de campeonato. Carol Burnet se muestra esplendida en su papel de prostituta y novia del reo, y Susan Sarandon como futura esposa del personaje de Jack Lemmon.

Una de las claves de este tipo de films de Wilder es su crítica a las convenciones sociales y el modo en que todo encaja a la perfección.

El final de la película, cuando la voz en off nos cuenta lo que ha pasado con todos los personajes con el paso del tiempo, provoca la carcajada y más de una sorpresa. Estamos ante alta comedia, ante una película que se mantiene totalmente actual y que permite ser vista y disfrutada en múltiples ocasiones, donde el guion está construido con maestría. No hay ninguna escena de relleno. La película dura 105 minutos, justo el tiempo que necesita para contar la historia. Todas las escenas están construidas con una gran sensación espacial y es el espacio uno de los protagonistas, aunando elementos teatrales con elementos cinematográficos de primer nivel. Todos los personajes están muy bien trabajados. Consiguen hacernos reír y sorprendernos. Una de las claves es que la comedia lo impregna, aunque también adquiere elementos de otros géneros pero sin duda de manera magistral.

La fotografía de Jordan Cronenweth se ajusta a la historia como un guante, igual que la banda sonora de Billy May.

Esta no es la mejor película de Billy Wilder, seguramente, pero es una obra maestra. Cine en estado puro.

Viendo como están actualmente algunos medios de comunicación y la banalización del periodismo, y de la sociedad en general, Primera Plana,  adquiere si cabe, mayor dimensión y demuestra que se le pueden dar varias vueltas de tuerca a una historia ya conocida para que sea todavía mejor cuando detrás de la cámara hay gente como el gran Wilder, probablemente uno de los mejores directores de la historia del Séptimo Arte.

Y como siempre, la podéis encontrar en nuestra biblioteca DVD PE 3946. ¡Animo y a disfrutar del buen cine!

 (Fuentes: factoriadelcine.com, historiasdecine.com) Sigue leyendo

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